À la fin du XIXe siècle, l’orientation réaliste de l’art commença à perdre du terrain. Au tournant du siècle, le style Art Nouveau commence à dominer. Il se caractérise par des lignes ornées, des motifs biomorphiques et l'utilisation de nouveaux matériaux et technologies.

La peinture révèle des conventions décoratives, des ornements de tapis et des images claires, presque sculpturales.

Un représentant éminent du style Art nouveau était M. A. Vrubel (1856-1910), dont l'art agissait sous la devise « tout est décoratif ». Le « Démon » est l’image déterminante dans l’œuvre de Vrubel. À son image, il n'y a aucun désir de vaincre ses propres doutes, mais seulement le découragement et le désespoir. Vroubel a peint de nombreux portraits, dont celui de l'entrepreneur et philanthrope Mamontov. L'artiste a exprimé le fabuleux et l'au-delà dans ses œuvres "Pan", "The Swan Princess" et d'autres images mythiques.

Vroubel a utilisé différentes techniques dans son travail, mélangeant parfois les genres et les types d'art. Il s'est également essayé à la sculpture et au dessin. Participation aux peintures monumentales de l'église du Sauveur sur le Sang Versé à Saint-Pétersbourg.

Idée " art pur" a donné naissance à la parution du magazine "World of Art". Cette revue est devenue le centre de la vie artistique de la période pré-révolutionnaire.

Les artistes réunis autour du « Monde de l’Art » encouragent l’étude de l’histoire russe, suscitent l’intérêt pour les artistes du XVIIIe siècle et développent l’activité muséale. Ils ont contribué au développement de l'illustration (I. Ya. Bilibin (1876-1942), K. A. Somov (1869-1939)) et des arts théâtraux et décoratifs (L. S. Bakst (1866-1924), N. K. Roerich ( 1874-1947))

L'esprit révolutionnaire influence directement la peinture et le graphisme. L'artiste K. Yuon a représenté la révolution à l'échelle cosmique dans son œuvre « New Planet ». Le reflet de la réalité révolutionnaire aux yeux des artistes peut être observé dans les œuvres de K. S. Petrov-Vodkin « Mort d'un commissaire », « 1918 à Petrograd » et de N. Kupriyanov « Voitures blindées ».

En 1922, l'Association des Artistes est créée Russie révolutionnaire. L'un des représentants éminents était Isaac Brodsky, qui a créé les œuvres « canoniques » : « Lénine à Smolny » et « Le discours de Lénine à l'usine Poutilov ».

"Sur les monuments de la République" - Décret de Lénine de 1918 annonçant le plan d'agitation des masses à l'aide de sculptures monumentales dédiées aux figures de la révolution et de la culture (le plan "Propagande monumentale"). Sculpteurs pour peu de temps a dû créer de nombreuses œuvres à partir de matériaux bon marché et accessibles.

En 1920, Tatline créa la Tour de la Troisième Internationale, symbolisant le nouvel art et les aspirations révolutionnaires.

Ivan Shardr crée une série de sculptures de travailleurs socialistes : « Ouvrier », « Paysan », « Soldat de l'Armée rouge », ainsi qu'un monument à Gorki pour la place de la gare Biélorussie.

Dans les années 20, apparaissent des œuvres de V. Mukhina : le projet « Travail libéré », « Paysanne », « Ouvrière et fermière collective » - un groupe sculptural qui a fait la renommée de l'artiste.

L'ouverture de l'Exposition agricole de toute l'Union à Moscou constitue une étape décisive dans le développement de la sculpture Union soviétique. S. T. Konenkov a également participé à la conception sculpturale. En outre, il a créé des sculptures, mettant en œuvre le plan de « Propagande monumentale » : le bas-relief « À ceux qui sont tombés dans la lutte pour la paix et la fraternité des peuples », « Stepan Razin ».

Réalisme socialiste

Lors du premier congrès pan-soviétique des écrivains soviétiques en 1934, les règles fondamentales d'une nouvelle méthode littéraire et artistique - le réalisme socialiste - furent formulées. Il s’agissait d’un contrôle idéologique strict et d’une propagande destinée à faire l’éloge des héros du travail socialiste, des révolutionnaires, des ouvriers et des paysans. L'intrigue de l'œuvre d'art était censée refléter la réalité révolutionnaire, le désir d'un avenir radieux et des vues matérialistes.

Le tableau « Interrogatoire des communistes » de B. Joganson exprime clairement tous les principes du réalisme socialiste : émotions significatives, images intégrales et formes monumentales.

A. Deineka écrit des ouvrages sur les thèmes de la construction d'une nouvelle architecture, du sport et de l'aviation : « Les futurs pilotes », « Sur la construction de nouveaux ateliers », « Dans le Donbass ». Travaux sur les mosaïques de la station de métro Mayakovskaya (Moscou).

Le célèbre « Nouveau Moscou » de Yu. Pimenov est le symbole d'une vie nouvelle, de la joie du changement : la reconstruction de Moscou et le rôle inhabituel des femmes.

Grande Guerre Patriotique

La Grande Guerre Patriotique a considérablement influencé le développement de l’art. Comme à l’époque révolutionnaire, le genre principal des beaux-arts était l’affiche. Des maîtres du passé ont travaillé sur les affiches, ainsi que de jeunes artistes devenus célèbres grâce à des affiches aussi célèbres que "La patrie appelle!", "Pour la patrie!", "Guerrier de l'Armée rouge, sauve!".

Pour améliorer la qualité de l'enseignement dans le domaine « Histoire de l'art », des présentations multimédias originales ont été préparées, qui sont développées en tenant compte du gouvernement fédéral exigences de l'Étatà un programme complémentaire de formation générale préprofessionnelle dans le domaine des beaux-arts « Peinture ».Les présentations multimédias sont développées conformément aux sections et thèmes du programme des matières « Conversations sur l'art » et « Histoire des beaux-arts ».

Les présentations multimédias contiennent un résumé du matériel pédagogique avec les illustrations et reproductions nécessaires oeuvres d'art, les tâches des étudiants sont indiquées et une liste de la littérature sur le sujet étudié est également fournie. Les présentations sont destinées à être lues sur un PC et sont réalisées dans Microsoft PowerPoint ; les formats de fichiers suivants sont utilisés : « .ppt », « .pptx » et « .pdf ».

Les présentations publiées sur le site Web pour un accès public sont présentées avec une compression de fichier maximale, les reproductions ont une résolution minimale et ne sont ni modifiables ni imprimables. Acheté matériel pédagogique présenté sans compression de fichier , sont entièrement ouverts à l'édition, à la copie et à l'impression, et disposent également d'illustrations à résolution maximale.

Œuvres de Vasily Grigorievich Perov

Développeur : E.M. Artemenko

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2015-2017, 63 diapositives

Contenu: courte biographie de l'artiste V.G. Perova; héritier et continuateur de l'œuvre de P.A. Fedotova;

créativité de V.G. Perov : ridicule du clergé, vie des défavorisés, sujets joyeux, portraits, sujets historiques, littéraires et religieux.

"Émeute des Quatorze." Œuvres d'Ivan Nikolaïevitch Kramskoï
Manuel pour la matière "Histoire des Beaux-Arts", 4e année

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2015-2017, 63 diapositives

Contenu: Section 11. Art russe de la fin du XIXe – début du XXe siècle.
les réformes de l'Académie impériale des arts ; « Émeute des Quatorze » ; « Artel des Artistes » ;

brève biographie et créativité d'I.N. Kramskoï.

"Émeute des Quatorze." Œuvres d'Ivan Nikolaïevitch Kramskoï
Manuel pour la matière "Histoire des Beaux-Arts", 4e année

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Devoirs; liste des sources et de la littérature utilisées.

Contenu: Association d'expositions d'art itinérantes. Genre quotidien et historique des Itinérants
les réformes de l'Académie impériale des arts ; « Émeute des Quatorze » ; « Artel des Artistes » ;

2015-2017, 71 diapositives

"Émeute des Quatorze." Œuvres d'Ivan Nikolaïevitch Kramskoï
Manuel pour la matière "Histoire des Beaux-Arts", 4e année

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Association des expositions d'art itinérantes ; créativité des artistes itinérants : G.G.

Contenu: paysage des Vagabonds ; créativité des paysagistes : A.K. Savrasova, I.I. Chichkina, V.D. Polenova, F.A. Vasilieva, I.I. Lévitan, I.K. Aivazovsky, A.I. Kouindji.
les réformes de l'Académie impériale des arts ; « Émeute des Quatorze » ; « Artel des Artistes » ;

Œuvres d'Ilya Efimovitch Repin

"Émeute des Quatorze." Œuvres d'Ivan Nikolaïevitch Kramskoï
Manuel pour la matière "Histoire des Beaux-Arts", 4e année

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2015-2017, 102 diapositives

Contenu: courte biographie de l'artiste; C.-à-D. Repin et le cercle d'artistes d'Abramtsevo ;C.-à-D. Repin et l'Association des Itinérants ; portraits, genres quotidiens et historiques dans les œuvres d'I.E. Réépingler ; activité d'enseignement C.-à-D. Réépingler ; C.-à-D. Repin dans les Pénates.
les réformes de l'Académie impériale des arts ; « Émeute des Quatorze » ; « Artel des Artistes » ;

Œuvres de Vassili Ivanovitch Sourikov

"Émeute des Quatorze." Œuvres d'Ivan Nikolaïevitch Kramskoï
Manuel pour la matière "Histoire des Beaux-Arts", 4e année

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2015-2017, 137 diapositives

Contenu: courte biographie de l'artiste; les origines des images artistiques de V.I. Sourikov ; peintures de la cathédrale du Christ-Sauveur de Moscou ; V.I. Surikov et l'Association des Itinérants ; genre historique et portrait dans les œuvres de V.I. Sourikov ; voyages de l'artiste V.I. Sourikov.
les réformes de l'Académie impériale des arts ; « Émeute des Quatorze » ; « Artel des Artistes » ;

L'œuvre de Viktor Mikhaïlovitch Vasnetsov

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Manuel pour la matière "Histoire des Beaux-Arts", 4e année

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2015-2017, 86 diapositives

Contenu: courte biographie de l'artiste; voyage V.M. Vasnetsov à Paris ; V.M. Vasnetsov et l'Association des Itinérants ; genre quotidien, portrait, genre historique et mythologique, peinture monumentale dans les œuvres de V.M. Vasnetsova ; artiste de théâtre et illustrateur.
les réformes de l'Académie impériale des arts ; « Émeute des Quatorze » ; « Artel des Artistes » ;

L'art du début du siècle

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2015-2017, 106 diapositives

Contenu: caractéristiques historiques générales ; Style Art Nouveau ; symbolisme; décadence; la peinture de genre en Russie au tournant des XIXe et XXe siècles ; associations artistiques en Russie au tournant des XIXe et XXe siècles : « Cercle d'Abramtsevo », Talashkino, « Monde de l'Art », « Union des artistes russes ».
les réformes de l'Académie impériale des arts ; « Émeute des Quatorze » ; « Artel des Artistes » ;

Créativité de K.A. Korovine et V.A. Sérova

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2015-2017, 107 diapositives

Contenu: l'impressionnisme russe ; comparaison des œuvres de K.A. Korovine et V.A. Serova; K.A. Korovine (brève biographie de l'artiste, théâtre dans son œuvre, « Études nordiques », portraits et natures mortes) ; VIRGINIE. Serov (brève biographie de l'artiste, portrait, paysage, illustrations et sujets historiques dans son œuvre).
les réformes de l'Académie impériale des arts ; « Émeute des Quatorze » ; « Artel des Artistes » ;

Œuvres de Mikhaïl Alexandrovitch Vroubel

"Émeute des Quatorze." Œuvres d'Ivan Nikolaïevitch Kramskoï
Manuel pour la matière "Histoire des Beaux-Arts", 4e année

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2015-2017, 107 diapositives

Contenu: courte biographie de l'artiste M.A. Vroubel, créativité de la période de Kiev, créativité de la période de Moscou, arts décoratifs et appliqués dans l'œuvre de M.A. Vrubel, « Réalisme de conte de fées » de la peinture de M.A. Vroubel, thème "Démon", dernières années vie d'artiste.
les réformes de l'Académie impériale des arts ; « Émeute des Quatorze » ; « Artel des Artistes » ;

Œuvres de Nicolas Roerich

"Émeute des Quatorze." Œuvres d'Ivan Nikolaïevitch Kramskoï
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2015-2017, 187 diapositives

Contenu: courte biographie de l'artiste N.K. Roerich, scientifique et activités sociales N.K.

Roerich, méthode créative, œuvres théâtrales et décoratives, peinture de N.K. Roerich (série de peintures : « Le début de la Russie. Slaves », « Dans les temps anciens », « Sancta », « Son pays », « Bannières de l'Est », « Maitreya », « Himalaya », « Cycle héroïque »), mouvement Roerich.

"Émeute des Quatorze." Œuvres d'Ivan Nikolaïevitch Kramskoï
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avant-garde russe

Contenu: les changements dans l'art du début du XXe siècle, le modernisme dans l'art russe, les origines de l'avant-garde, les principaux mouvements artistiques de l'avant-garde russe (primitivisme, cubo-futurisme, art abstrait, rayonnisme, suprématisme, constructivisme), associations artistiques et grandes expositions de l'avant-garde russe ("Blue Rose", "Youth Union" ", "Jack of Diamonds", "Donkey's Tail", "Target", "The Last Cube-Futurist Exhibition of Paintings 0.10") , artistes de l'avant-garde russe (K.S. Petrov-Vodkin, P.V. Kuznetsov, M.S. Saryan, N. Pirosmani, M.F. Goncharova, A.V. Lentulov, V.V. .

les réformes de l'Académie impériale des arts ; « Émeute des Quatorze » ; « Artel des Artistes » ;

L'époque de Pierre Ier revêt une importance fondamentale pour tout l'art russe des temps modernes. La Russie, dans tous les domaines, y compris dans le domaine de la construction culturelle, devait se placer sur un pied d'égalité avec les pays d'Europe occidentale. Peter a compris l'énorme importance pour la Russie de maîtriser l'expérience artistique avancée de l'Occident. Des œuvres de maîtres d'Europe occidentale ont été achetées, des voyages de retraités ont été organisés aux frais de maîtres russes pour étudier en Europe, des artistes étrangers ont été invités à travailler et à former des maîtres russes en Russie.

I.N. Nikitine. Portrait de l'hetman d'étage. années 1720 Huile sur toile.

Tout en notant les changements dans l'art russe, il ne faut pas oublier qu'ils s'appuient sur un grand héritage historique et ont été préparés par le cours antérieur du développement de la culture artistique. Dans l'art du XVIIe siècle. De nouvelles fonctionnalités sont déjà apparues, par exemple la construction de palais, le genre du portrait en peinture a commencé à être déterminé, mais ils ont été pleinement révélés au début du XVIIIe siècle. Les traditions nationales ont influencé de manière décisive la nature de la créativité de nombreux maîtres étrangers travaillant en Russie.

A. M. Matveev. Réponse automatique avec ma femme. Huile sur toile.

L’essence des transformations de Peter dans le domaine de la culture est sa « sécularisation ». Cela signifie que l'art devient laïc, il cesse de servir les seuls intérêts du culte religieux. La composition même de l'art se transforme, de nouveaux types apparaissent activité artistique, les genres, enfin, le langage visuel évolue. La base de la peinture devient l'observation, l'étude des formes de la nature terrestre et de l'homme, et non le suivi de modèles canonisés, comme au Moyen Âge.

Parmi les genres de la peinture, depuis l'époque de Pierre le Grand et tout au long du XVIIIe siècle. le portrait devient le leader. Le travail de deux portraitistes russes - I. N. Nikitin et A. M. Matveev marque la naissance du véritable portrait psychologique.

V. L. Borovikovski. Portrait d'A.G. et V.G. Gagarins. 1802. Huile sur toile. Galerie nationale Tretiakov. Moscou

La construction civile et palatiale de l’époque de Pierre le Grand constitue une nouvelle période brillante dans l’histoire de l’architecture russe.

Subordonné aux tâches de la vie pratique, l'art à l'époque de Pierre était compris comme un haut degré de compétence - « l'art » dans n'importe quel domaine, qu'il s'agisse de peinture, de sculpture ou de fabrication d'une maquette de navire ou de mécanismes de montre. La fusion de l'art avec la technologie, la science et l'artisanat détermine le caractère artistique et technique particulier de la culture de l'époque de Pierre le Grand. Non seulement l'État, mais aussi la plus grande action culturelle de Pierre Ier fut la fondation de Saint-Pétersbourg - la nouvelle capitale du jeune empire russe, qui devint le centre du nouvel art.

A.G. Venetsianov. A la récolte. Été. années 1820 Huile sur toile. Galerie nationale Tretiakov. Moscou.

L'art commence à servir l'objectif de décorer la vie et la vie quotidienne, acquérant un caractère festif, magnifique et décoratif ainsi qu'une échelle monumentale. Ces caractéristiques ont trouvé leur expression la plus vivante et la plus parfaite dans le travail du grand architecte V.V. Rastrelli - constructeur du Grand Palais de Tsarskoïe Selo et du Palais d'Hiver de Saint-Pétersbourg - de brillants exemples du style baroque.

Seconde moitié du XVIIIe siècle. - une période de floraison puissante et brillante de l'art russe des temps modernes. Le temps de l'apprentissage de l'Europe est révolu. Créée en 1757, l’Académie des Arts de Saint-Pétersbourg est devenue une forge de personnel artistique national. Le système d’éducation artistique a été rationalisé et les contacts avec le monde culturel européen sont devenus plus ciblés. Le début de l'Académie des Arts a coïncidé avec l'établissement du classicisme - un style qui opposait la pompe décorative et l'extravagance du baroque à une logique stricte, une clarté raisonnable et une proportionnalité, redécouvertes dans les œuvres classiques de l'art ancien et de la Renaissance. En architecture, c'est l'époque de l'activité d'architectes aussi remarquables que V. I. Bazhenov - l'auteur de la maison Pashkov à Moscou, M. F. Kazakov - le constructeur du bâtiment du Sénat au Kremlin de Moscou et de nombreux bâtiments publics et privés à Moscou, I. E. Starov. , selon le projet de construction du palais Tauride à Saint-Pétersbourg, Charles Cameron est le créateur d'un magnifique ensemble palais, jardin et parc à Pavlovsk, près de Saint-Pétersbourg. L'essor de la sculpture russe dans les œuvres de F. G. Gordeev, I. P. Martos, M. I. Kozlovsky, F. F. Shchedrin est également associé à l'ère du classicisme. Le portrait-sculpture de F. I. Shubin se distingue par une perspicacité psychologique exceptionnelle, le courage et la flexibilité des techniques artistiques, étrangères à tout schéma conventionnel. La preuve de la maturité de l'art russe, atteinte dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, est la diversité des créateurs, reflétée, par exemple, dans la différence de style artistique des deux plus grands maîtres du portrait - F. S. Rokotov et D. G. Levitsky. . La peinture de Levitsky est remplie d'éclat, ravie par la beauté visible du monde matériel, captive par la plénitude de la vie, l'étonnante variété de types humains recréés, la richesse des intonations émotionnelles - solennité, grâce, ruse, fierté, coquetterie, etc. Rokotov dans les meilleurs portraits des années 1770. apparaît comme un maître de la caractérisation intime, se manifestant dans les nuances et les nuances des expressions faciales, mystérieusement vacillantes dans l'obscurité des fonds pittoresques. L'œuvre de V. L. Borovikovsky, complétant la brillante floraison de l'art du portrait du XVIIIe siècle, est marquée par l'influence des idées et des sentiments du sentimentalisme.

F.S. Rokotov. Portrait d'A.P. Struyskaya (fragment). 1772. Huile sur toile. Galerie nationale Tretiakov. Moscou.

Avec l'avènement du 19ème siècle. Des changements importants s'opèrent dans l'art russe. Le début du siècle a été marqué par la naissance d'un nouveau mouvement artistique : le romantisme, dont le premier représentant fut O. A. Kiprensky. La peinture russe doit la découverte de la peinture de plein air dans le paysage à S. F. Shchedrin. A.G. Venetsianov devient le fondateur du genre quotidien russe. S'adressant pour la première fois à la représentation de la vie paysanne, il la montra comme un monde plein d'harmonie, de grandeur et de beauté. Contrairement à l’opposition entre « nature simple » et « nature gracieuse » qui existait dans l’esthétique académique, la grâce a été découverte dans un domaine d’activité auparavant considéré comme indigne de l’art. Pour la première fois, le lyrisme émouvant de la nature rurale russe se fait entendre dans les peintures de Venetsianov. Excellent pédagogue, il forme une galaxie d'artistes tels que A.V. Tyranov, G.V. Soroka et d'autres. L'un des genres phares de leur œuvre, avec le paysage et le portrait, est l'intérieur. La composition des genres de l'art russe s'enrichit. Représentant la vie dans son apparence simple et sans prétention, dans le flux paisible de la vie quotidienne, dans des images de la nature indigène, ils ont rendu la beauté de l'art à la mesure des sentiments des gens ordinaires, qui perçoivent le beau et le poétique comme des moments de repos et de silence. des soucis et des travaux quotidiens. Dans le même temps, un système visuel émerge, opposé à l'école académique, un système basé non pas sur une orientation vers des modèles traditionnels du passé, mais sur la recherche de modèles harmonieux et de poésie dans la réalité ordinaire et quotidienne. La réalité envahit puissamment l’art et nous amène aux années 40. à l'épanouissement du graphisme quotidien et satirique (V.F. Timm, A.A. Agin), représentant une analogie avec « l'école naturelle » en littérature. Cette ligne d'art atteint son point culminant dans le travail de P. A. Fedotov, qui introduit le conflit dans l'image quotidienne, a développé une action dramatique avec un contexte social satirique, forçant l'environnement extérieur à servir les objectifs des caractéristiques sociales, morales et plus tard psychologiques de les héros. Repenser les formes traditionnelles de l'école académique donne lieu à des créations monumentales dans la peinture historique comme « Le dernier jour de Pompéi » de K. P. Bryullov, d'une part, et « L'Apparition du Christ au peuple » de A. A. Ivanov, d'autre part. autre. Ivanov a enrichi la peinture avec un développement psychologique approfondi, la découverte d'une nouvelle méthode de travail par croquis sur une grande toile. L'assimilation judicieuse de l'héritage classique, en testant ses préceptes avec sa propre expérience de la peinture en plein air, l'ampleur des concepts créatifs, l'attitude envers le don créatif comme une grande responsabilité pour éclairer le peuple et améliorer sa culture spirituelle - tout cela a fait de l'œuvre d'Ivanov non seulement une école d'excellence, mais aussi une grande leçon d'humanisme dans l'art.

O.A. Kiprensky. Portrait d'un garçon A. A. Chelishchev. D'ACCORD. 1809. Huile sur toile. Galerie nationale Tretiakov. Moscou.

Premier tiers du XIXème siècle. - l'étape la plus élevée du développement du classicisme dans l'architecture russe, généralement appelée style Empire. La créativité architecturale de cette période ne réside pas tant dans la conception parfaite de bâtiments individuels que dans l'art de l'organisation architecturale de grands espaces de rues et de places. Il s'agit des ensembles d'urbanisme de Saint-Pétersbourg - l'Amirauté (architecte A. D. Zakharov), la Bourse sur la flèche de l'île Vassilievski (architecte J. Thomas de Thomon), la cathédrale de Kazan (architecte A. N. Voronikhin). Les ensembles de K. I. Rossi, l'auteur du bâtiment de l'état-major qui a complété la composition de la place du Palais, et l'ensemble de bâtiments, de rues et de places autour du théâtre d'Alexandrie à Saint-Pétersbourg, qu'il a également conçu, sont marqués par l'ampleur grandiose de la pensée urbanistique.

V. A. Tropinine. Portrait du fils d'Arseny Tropinin. 1818. Huile sur toile. Galerie nationale Tretiakov. Moscou.

Depuis le début des années 1860, depuis l’abolition du servage, l’art russe fait l’objet d’une attention critique aiguë et témoigne ainsi de la nécessité de changements sociaux fondamentaux. L’art l’a déclaré en décrivant le mal de l’injustice sociale, en exposant les vices et les maux de la société (la plupart des œuvres de V. G. Perov des années 1860). Il opposait la stagnation de la vie moderne au pouvoir transformateur des époques historiques critiques (peintures de V. I. Sourikov des années 1880).

S.F. Shchedrin. Nuit au clair de lune à Naples. 1828-1829. Huile sur toile. Musée d'État russe.

La combinaison de la vérité des personnages et des circonstances avec une représentation véridique de la vie sous les formes dans lesquelles elle est perçue dans l'expérience ordinaire et quotidienne est une caractéristique du réalisme critique ou démocratique, dans la lignée de laquelle l'art russe avancé s'est développé depuis le début des années 1860. Le terreau fertile et le public principal de ce nouvel art étaient l’intelligentsia diversifiée. La montée du réalisme démocratique deuxième moitié du 19ème siècle V. associé aux activités de l'Association des expositions d'art itinérantes fondée en 1870 (voir Peredvizhniki). Le leader idéologique et organisateur des Peredvizhniki était I. N. Kramskoy, l'un des artistes les plus profonds, un théoricien, critique et enseignant talentueux. Sous son influence directrice, le TPHV a contribué à la consolidation des forces artistiques avancées, à l'expansion et à la démocratisation du public grâce à l'accessibilité du langage artistique, à la couverture complète des phénomènes de la vie populaire et à la capacité de rendre l'art socialement sensible, capable de mettre en avant des thèmes et des enjeux qui préoccupent la société à un moment historique donné.

A. I. Kuindzhi. Soirée en Ukraine. 1878. Huile sur toile. Musée d'État russe. Léningrad.

Dans les années 1860. la peinture de genre dominait, dans les années 70 - le rôle du portrait (V. G. Perov, I. N. Kramskoy, N. A. Yaroshenko) et du paysage (A. K. Savrasov, I. I. Levitan, I. . I. Shishkin, A. I. Kuindzhi, V. D. Polenov). Un rôle majeur dans la promotion de l'art des Peredvizhniki a appartenu à l'éminent critique d'art et historien de l'art V. V. Stasov. Parallèlement, l'activité de collectionneur de P. M. Tretiakov se développe. Sa galerie (voir Galerie Tretiakov) devient un fief de la nouvelle école réaliste ; le profil de sa collection est déterminé par les œuvres des Itinérants.

La période suivante de l'art russe est la fin du XIXe et le début du XXe siècle. Les années 80 ont été une décennie de transition, lorsque le réalisme peredvizhniki a atteint son apogée dans les œuvres de I. E. Repin et V. I. Surikov. Au cours de ces années, des chefs-d'œuvre de la peinture russe ont été créés tels que « Le matin de l'exécution de Streltsy », « Boyaryna Morozova » de V. I. Surikov, « Procession religieuse dans la province de Koursk », « L'arrestation du propagandiste », « Ils n'ont pas Attendez-vous » I. E. Repin. A côté d'eux, des artistes d'une nouvelle génération se produisent déjà avec un programme créatif différent - V. A. Serov, M. A. Vrubel, K. A. Korovin. Les contradictions du développement capitaliste bourgeois tardif ont un impact sur la vie spirituelle de la société. Dans l’esprit des artistes, le monde réel est marqué par les stigmates de l’avidité bourgeoise et de la mesquinerie des intérêts. L’harmonie et la beauté commencent à être recherchées au-delà des frontières de la réalité apparemment prosaïque – dans le domaine de la fantaisie artistique. Sur cette base, l'intérêt pour les sujets fabuleux, allégoriques et mythologiques renaît (V. M. Vasnetsov, M. V. Nesterov, M. A. Vrubel), ce qui conduit à la recherche d'une forme artistique capable de transférer l'imagination du spectateur dans la sphère des idées folkloriques, souvenirs du passé ou vagues prémonitions du futur. La prédominance des images et des formes qui expriment indirectement le contenu de la modernité sur les formes de son reflet direct est l'un des traits distinctifs de l'art de la fin du XIXe et du début du XXe siècle. La complexité du langage artistique caractérise le travail des représentants du « Monde de l'Art » - un groupe artistique qui a pris forme au tournant des XIXe-XXe siècles.

V.M. Vasnetsov. Alyonouchka. 1881. Huile sur toile. Galerie nationale Tretiakov. Moscou.

Le style Art Nouveau est devenu déterminant au cours de cette période. Parallèlement à la peinture, l'architecture se développe activement, dans laquelle domine le style Art Nouveau, les arts décoratifs et appliqués, graphiques de livre, sculpture, art théâtral et décoratif. Les domaines d'application de la créativité artistique s'étendent considérablement, mais l'interaction et l'influence mutuelle de tous ces domaines sont plus significatives. Dans ces conditions, se forme un type d'artiste universel qui peut « tout faire » - peindre un tableau et un panneau décoratif, réaliser une vignette pour un livre et une peinture monumentale, sculpter une sculpture et créer une esquisse d'un costume de théâtre. À des degrés divers, les caractéristiques d'un tel universalisme sont notées, par exemple, dans les travaux de M. A. Vrubel et du principal architecte du style Art nouveau en Russie, F. O. Shekhtel, ainsi que dans les artistes du monde de l'art.

Les étapes les plus importantes de l'évolution de la peinture russe au tournant du siècle sont marquées par les œuvres de V. A. Serov, dont l'œuvre est imprégnée du désir, en utilisant de nouvelles formes stylistiques, d'éviter les extrêmes formalistes, d'atteindre la clarté et la simplicité classiques, tout en restant fidèle aux préceptes de l'école réaliste, à son humanisme, dans lequel, sobrement, une vision critique du monde se conjugue avec une idée de la haute finalité de l'homme.

A.K. Savrassov. Les tours sont arrivées. 1871. Huile sur toile. Galerie nationale Tretiakov. Moscou.

Vie artistique du début du XXe siècle. caractérisé par une intensité sans précédent. Événements révolutionnaires de 1905-1907 stimulé le développement d'un art socialement actif. Les œuvres de N. A. Kasatkin, S. V. Ivanov et d'autres incarnent les événements sociaux les plus importants de ces années, l'image de l'ouvrier comme force principale de la révolution. De nombreux maîtres travaillent dans le domaine du graphisme politique satirique et des dessins animés de magazines.

L'éventail des traditions artistiques vers lesquelles se tourne l'art du XXe siècle est exceptionnellement large. A côté des peredvizhniki, qui continuent leur vie, il existe une variante de la peinture impressionniste des maîtres de l'Union des artistes russes, le symbolisme, représenté par le travail de V. E. Borisov-Musatov et des artistes de l'association Blue Rose.

K.A. Korovine. En hiver. 1894. Huile sur toile. Galerie nationale Tretiakov. Moscou.

La volonté de renouveler le langage artistique en se tournant vers le style de l'artisanat urbain et de l'art populaire, des jouets, des estampes populaires, des enseignes, des dessins d'enfants, prenant en compte l'expérience de la dernière peinture française, caractérise les activités des artistes du « Jack of Diamonds" - une société organisée en 1910. Dans le travail des maîtres de cette direction - P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Lentulov - le rôle de la nature morte augmente considérablement. Les traditions de la peinture russe ancienne reçoivent une nouvelle réfraction dans l'art de K. S. Petrov-Vodkin.

F. A. Vassiliev. Avant la pluie. 1869. Huile sur toile. Galerie nationale Tretiakov. Moscou.

Atteint un essor significatif au tournant des XIXe-XXe siècles. sculpture. P. P. Trubetskoy y introduit des traits impressionnistes. Ses compositions de portraits se distinguent par la netteté d'un moment de vie capturé et la richesse des nuances subtiles. Travaillant avec des matériaux souples, Troubetskoy a restitué à la sculpture le sens perdu de la matière et la compréhension de ses propriétés expressives. Le monument à Alexandre III créé par Troubetskoï en 1909 est un exemple unique de solution d'image grotesque dans l'histoire des monuments. Parmi les réalisations remarquables de la sculpture monumentale figure le monument à N.V. Gogol, créé par N.A. Andreev (1909).

Dans la sculpture « L'homme assis » de A. S. Golubkina de 1912, apparaît une image qui synthétise les idées sur le sort du prolétaire moderne - c'est un symbole de force temporairement contrainte, mais pleine d'esprit rebelle. La créativité de S. T. Konenkov se distingue par la variété des genres et des formes stylistiques. Les véritables impressions des batailles révolutionnaires sont incarnées par le sculpteur dans le portrait « Ouvrier-combattant 1905 Ivan Churkin ». Non seulement les traits du visage, mais aussi la solidité du bloc de pierre, soulignée par le traitement sobre, donnent naissance à l'image d'une volonté indestructible, tempérée dans le feu des luttes de classes. Les traditions de la sculpture classique sont relancées dans le travail d'A. T. Matveev.

S.A. Korovine. Au monde. 1893. Huile sur toile. Galerie nationale Tretiakov. Moscou.

Le désir de repenser et de ressusciter dans une nouvelle vie presque toutes les images et les formes inventées par l'humanité au cours de son histoire séculaire, et en même temps des expériences formelles, qui ont parfois atteint le point de nier toutes les traditions, sont les manifestations extrêmes de la situation artistique de l'art russe du début du XXe siècle. Cependant, ces extrêmes eux-mêmes étaient un indicateur du profond conflit interne de la vie russe à la veille de la révolution et reflétaient à leur manière la complexité de l'époque qui, selon les mots de A. Blok, a apporté « des changements inouïs ». , des révoltes sans précédent. Dans ces conditions, on a cultivé cette sensibilité aux phénomènes du temps, que, avec une haute culture de l'artisanat, les meilleurs artistes de la période pré-révolutionnaire ont apporté à l'art soviétique (voir.

Cet article fournit une brève description des principaux styles artistiques du XXe siècle. Ce sera utile à savoir tant pour les artistes que pour les designers.

Modernisme (du français moderne moderne)

en art, nom collectif des courants artistiques qui se sont imposés dans la seconde moitié du XIXe siècle sous la forme de nouvelles formes de créativité, où prédominait non plus l'esprit de la nature et la tradition, mais le regard libre d'un maître, libre de changer le monde visible à sa discrétion, au gré d'impressions personnelles, d'idées intérieures ou d'un rêve mystique (ces tendances prolongent largement la lignée du romantisme). Ses orientations les plus significatives, souvent en interaction active, étaient l'impressionnisme, le symbolisme et le modernisme. Dans la critique soviétique, le concept de « modernisme » était appliqué de manière anhistorique à tous les mouvements artistiques du XXe siècle qui ne correspondaient pas aux canons du réalisme socialiste.

Abstractionnisme(art sous le signe des « formes zéro », art non objectif) - direction artistique, formé dans l'art de la première moitié du XXe siècle, refusant totalement de reproduire les formes du monde visible réel. Les fondateurs de l'art abstrait sont considérés comme V. Kandinsky, P. Mondrian et K. Malevitch. V. Kandinsky a créé son propre type de peinture abstraite, libérant les taches impressionnistes et « sauvages » de tout signe d'objectivité. Piet Mondrian est parvenu à sa non-objectivité grâce à la stylisation géométrique de la nature initiée par Cézanne et les Cubistes. Les mouvements modernistes du XXe siècle, axés sur l'abstraction, s'écartent complètement des principes traditionnels, niant le réalisme, mais restant en même temps dans le cadre de l'art. L'histoire de l'art a connu une révolution avec l'avènement de l'art abstrait. Mais cette révolution n’est pas survenue par hasard, mais tout naturellement, et a été prédite par Platon ! Dans son dernier ouvrage Philebus, il écrit sur la beauté des lignes, des surfaces et des formes spatiales en elles-mêmes, indépendantes de toute imitation d'objets visibles, de toute mimésis. Ce type de beauté géométrique, contrairement à la beauté des formes naturelles « irrégulières », selon Platon, n'est pas relative, mais inconditionnelle, absolue.

Futurisme- mouvement littéraire et artistique dans l'art des années 1910. S'attribuant le rôle de prototype de l'art du futur, le futurisme, comme programme principal, a mis en avant l'idée de détruire les stéréotypes culturels et a plutôt proposé une apologie de la technologie et de la petitesse comme principaux signes du présent et du futur. . Une idée artistique importante du futurisme était la recherche d'une expression plastique de la vitesse du mouvement comme signe principal du rythme de la vie moderne. La version russe du futurisme s'appelait cubofuturisme et était basée sur une combinaison des principes plastiques du cubisme français et des installations esthétiques générales européennes du futurisme izma. À l’aide d’intersections, de déplacements, de collisions et d’afflux de formes, les artistes ont tenté d’exprimer la multiplicité fragmentée des impressions d’une personne contemporaine, citadine.

Cubisme- « la révolution artistique la plus complète et la plus radicale depuis la Renaissance » (J. Golding). Artistes : Picasso Pablo, Georges Braque, Fernand Léger Robert Delaunay, Juan Gris, Gleizes Metzinger. Cubisme - (cubisme français, de cube - cube) direction de l'art du premier quart du 20e siècle. Le langage plastique du cubisme était basé sur la déformation et la décomposition d'objets sur des plans géométriques, un déplacement plastique de forme. De nombreux artistes russes ont été fascinés par le cubisme, combinant souvent ses principes avec les techniques d'autres courants artistiques modernes - le futurisme et le primitivisme. Une version spécifique de l'interprétation du cubisme sur le sol russe est devenue le cubofuturisme.

Purisme- (purisme français, du latin purus - pur) mouvement dans la peinture française de la fin des années 1910-20. Les principaux représentants sont l'artiste A. Ozanfan et architecte S.E. Jeanneret (Le Corbusier). Rejetant les tendances décoratives du cubisme et d'autres mouvements d'avant-garde des années 1910 et la déformation de la nature qu'ils acceptaient, les puristes s'efforçaient de transférer de manière rationaliste et ordonnée des formes d'objets stables et laconiques, comme « nettoyées » de leurs détails, vers la représentation de éléments « primaires ». Les œuvres des puristes se caractérisent par la planéité, le rythme doux des silhouettes légères et les contours d'objets similaires (pichets, verres, etc.). Sans être développés sous forme de chevalet, les principes artistiques du purisme, considérablement repensés, se reflètent en partie dans l'architecture moderne, principalement dans les bâtiments de Le Corbusier.

Serréalisme- un mouvement cosmopolite en littérature, peinture et cinéma né en 1924 en France et qui a officiellement pris fin en 1969. Cela a contribué de manière significative à la formation de la conscience de l’homme moderne. Les principales figures du mouvement sont André Breton- écrivain, leader et inspirateur idéologique du mouvement, Louis Aragon- l'un des fondateurs du surréalisme, qui s'est ensuite transformé d'une manière bizarre en chanteur du communisme, Salvador Dalí- artiste, théoricien, poète, scénariste, qui a défini l'essence du mouvement par les mots : « Le surréalisme, c'est moi ! », cinéaste hautement surréaliste Luis Buñuel, artiste Joan Miró- «la plus belle plume du surréalisme», comme l'appelaient Breton et de nombreux autres artistes du monde entier.

Fauvisme(du français les fauves - sauvages (animaux)) Orientation locale dans la peinture précoce. XXe siècle Le nom F. fut attribué par moquerie à un groupe de jeunes artistes parisiens ( A. Matisse, A. Derain, M. Vlaminck, A. Marche, E.O. Friez, J. Braque, Ash. Mangen, K. van Dongen), qui participent conjointement à de nombreuses expositions de 1905 à 1907, après leur première exposition en 1905. Le nom est adopté par le groupe lui-même et s'impose solidement. Le mouvement n'avait pas de programme clairement formulé, de manifeste ou de théorie propre et n'a cependant pas duré longtemps, laissant une marque notable dans l'histoire de l'art. Ses participants de ces années étaient unis par le désir de créer des images artistiques exclusivement à l'aide de couleurs ouvertes extrêmement vives. Développer les réalisations artistiques des postimpressionnistes ( Cézanne, Gauguin, Van Gogh), s'appuyant sur certaines techniques formelles de l'art médiéval (vitrail, art roman) et des gravures japonaises, populaires dans les milieux artistiques en France depuis l'époque des impressionnistes, les fauves cherchaient à maximiser l'utilisation des possibilités coloristiques de la peinture.

Expressionnisme(de l'expression française - expressivité) - un mouvement moderniste dans l'art d'Europe occidentale, principalement en Allemagne, dans le premier tiers du XXe siècle, apparu dans une certaine période historique - à la veille de la Première Guerre mondiale. La base idéologique de l'expressionnisme était une protestation individualiste contre le monde laid, l'aliénation croissante de l'homme du monde, le sentiment de sans-abri, l'effondrement et l'effondrement de ces principes sur lesquels la culture européenne semblait si fermement fondée. Les expressionnistes se caractérisent par une affinité pour le mysticisme et le pessimisme. Techniques artistiques caractéristiques de l'expressionnisme : rejet de l'espace illusoire, désir d'une interprétation plate des objets, déformation des objets, amour des dissonances colorées vives, coloration particulière contenant un drame apocalyptique. Les artistes considéraient la créativité comme un moyen d'exprimer des émotions.

Suprématisme(du latin supremus - le plus haut, le plus élevé ; premier ; dernier, extrême, apparemment, en passant par la suprématie polonaise - supériorité, suprématie) La direction de l'art d'avant-garde du premier tiers du XXe siècle, dont le créateur, principal représentant et théoricien était un artiste russe Kazimir Malevitch. Le terme lui-même ne reflète en aucun cas l’essence du suprématisme. En fait, selon Malévitch, il s’agit d’une caractéristique évaluative. Le suprématisme est le stade le plus élevé du développement de l'art sur le chemin de la libération de tout ce qui est extra-artistique, sur le chemin de l'identification ultime du non-objectif, en tant qu'essence de tout art. En ce sens, Malévitch considérait l’art ornemental primitif comme suprématiste (ou « suprématiste »). Il a d'abord appliqué ce terme à un grand groupe de ses peintures (39 ou plus) représentant des abstractions géométriques, dont le célèbre « Carré noir » sur fond blanc, « Croix noire », etc., exposées à l'exposition futuriste de Petrograd « Zéro- Dix" en 1915 g. Ce sont ces abstractions géométriques et similaires qui ont donné naissance au nom de Suprématisme, bien que Malévitch lui-même lui ait attribué nombre de ses œuvres des années 20, qui contenaient extérieurement certaines formes d'objets spécifiques, en particulier des figures humaines, mais conservaient l’« esprit suprématiste ». Et en fait, les développements théoriques ultérieurs de Malévitch ne permettent pas de réduire le suprématisme (du moins par Malévitch lui-même) aux seules abstractions géométriques, bien qu'elles en constituent bien sûr le noyau, l'essence et même (le noir et blanc et le blanc-blanc). Suprématisme) amènent la peinture à la limite de son existence en général comme forme d'art, c'est-à-dire au zéro pictural au-delà duquel il n'y a plus de peinture elle-même. Cette voie s'est poursuivie dans la seconde moitié du siècle par de nombreuses tendances de l'activité artistique qui ont abandonné les pinceaux, les peintures et la toile.

russe avant-garde Les années 1910 présentent un tableau plutôt complexe. Elle se caractérise par un changement rapide de styles et de tendances, une abondance de groupes et d'associations d'artistes, chacun proclamant sa propre conception de la créativité. Quelque chose de similaire s’est produit dans la peinture européenne au début du siècle. Cependant, le mélange des styles, la « confusion » des tendances et des orientations étaient inconnus en Occident, où le mouvement vers de nouvelles formes était plus cohérent. De nombreux maîtres de la jeune génération sont passés avec une rapidité extraordinaire de style en style, d'étape en étape, de l'impressionnisme au modernisme, puis au primitivisme, au cubisme ou à l'expressionnisme, en passant par de nombreuses étapes, ce qui était totalement atypique pour les maîtres de la peinture française ou allemande. . La situation qui s'est développée dans la peinture russe était en grande partie due à l'atmosphère pré-révolutionnaire du pays. Cela a aggravé de nombreuses contradictions inhérentes à l'ensemble de l'art européen, car Les artistes russes ont appris des modèles européens et connaissaient bien diverses écoles et mouvements artistiques. L’étrange « explosion » russe de la vie artistique a donc joué un rôle historique. En 1913, c’est l’art russe qui atteint de nouvelles frontières et de nouveaux horizons. Un tout nouveau phénomène de non-objectivité apparaît : une ligne au-delà de laquelle les cubistes français n'osent pas franchir. L'un après l'autre, ils franchissent cette ligne : Kandinsky V.V., Larionov M.F., Malevich K.S., Filonov P.N., Tatlin V.E.

Cubofuturisme Orientation locale dans l'avant-garde russe (en peinture et poésie) du début du XXe siècle. Dans les beaux-arts, le cubo-futurisme est né d'une refonte des découvertes picturales, du cubisme, du futurisme et du néo-primitivisme russe. Les principales œuvres ont été créées dans la période 1911-1915. Les peintures les plus caractéristiques du Cubo-Futurisme provenaient du pinceau de K. Malevich et ont également été peintes par Burliuk, Puni, Goncharova, Rozanova, Popova, Udaltsova, Ekster. Les premières œuvres cubo-futuristes de Malevitch furent exposées lors de la célèbre exposition de 1913. "Target", sur lequel le rayisme de Larionov a également fait ses débuts. En apparence, les œuvres cubo-futuristes font écho aux compositions de F. Léger créées à la même époque et sont des compositions semi-objectives composées de formes colorées volumétriques creuses cylindriques, coniques, en forme de flacon, de coquille, ayant souvent un éclat métallique. Déjà dans les premières œuvres similaires de Malevich, une tendance vers une transition du rythme naturel aux rythmes purement mécaniques du monde des machines est perceptible (« Le Charpentier », 1912, « Le Broyeur », 1912, « Portrait de Klyun », 1913) .

Néoplasticisme- l'une des premières variétés de l'art abstrait. Créé en 1917 par le peintre hollandais P. Mondrian et d'autres artistes membres de l'association « Style ». Le néoplasticisme se caractérise, selon ses créateurs, par le désir d'une « harmonie universelle », exprimée dans des combinaisons strictement équilibrées de grandes figures rectangulaires, clairement séparées par des lignes perpendiculaires de noir et peintes dans les couleurs locales du spectre principal (avec l'ajout de blanc). et tons de gris). Néo-plasticisme (Nouvelle plastique) Ce terme est apparu en Hollande au XXe siècle. Piet Mondrian définit pour eux ses concepts plastiques, érigés en système et défendus par le groupe et la revue « Style » (« De Stiji ») fondés à Leyde en 1917. La caractéristique principale du néoplasticisme était l'utilisation stricte de moyens d'expression. Pour construire une forme, le néoplasticisme n'autorise que les lignes horizontales et verticales. L'intersection de lignes à angle droit est le premier principe. Vers 1920, on y ajoute une deuxième qui, en supprimant le coup de pinceau et en accentuant le plan, limite les couleurs au rouge, au bleu et au jaune, soit trois couleurs primaires pures auxquelles seuls le blanc et le noir peuvent s'ajouter. Fort de cette rigueur, le néoplasticisme entendait dépasser l’individualité pour parvenir à l’universalisme et créer ainsi une nouvelle image du monde.

"Baptême" officiel orphisme s'est produit au Salon des Indépendants en 1913. Ainsi le critique Roger Allard écrivait dans son rapport sur le Salon : « ... notons pour les futurs historiens qu'en 1913 est née une nouvelle école d'orphisme... » (« La Côte » Paris 19 mars 1913). Un autre critique, André Varnaud, lui fait écho : « Le Salon de 1913 est marqué par la naissance nouvelle école Ecole orphique" ("Comoedia" Paris 18 mars 1913). Enfin Guillaume Apollinaire a renforcé cette affirmation en s'écriant, non sans fierté : « C'est de l'orphisme. C'est la première fois qu'apparaît cette direction que j'avais prédite » (« Montjoie ! » Supplément Paris du 18 mars 1913). En effet, ce terme a été inventé Apollinaire(L'orphisme comme culte d'Orphée) et a été déclaré publiquement pour la première fois lors d'une conférence sur la peinture moderne donnée en octobre 1912. Que voulait-il dire ? Il semble qu'il ne le savait pas lui-même. De plus, je ne savais pas comment définir les limites de cette nouvelle direction. En fait, la confusion qui règne encore aujourd'hui était due au fait qu'Apollinaire confondait sans le savoir deux problèmes certes liés entre eux, mais avant de tenter de les relier il aurait dû souligner leurs différences. D'une part, la création Delaunay moyens d'expression picturaux entièrement basés sur la couleur et, d'autre part, l'expansion du cubisme due à l'émergence de plusieurs directions différentes. Après avoir rompu avec Marie Laurencin à la fin de l'été 1912, Apollinaire se réfugie auprès de la famille Delaunay, qui le reçoit avec amitié dans leur atelier de la rue Grand-Augustin. Cet été encore, Robert Delaunay et son épouse ont connu une profonde évolution esthétique conduisant à ce qu’il appellera plus tard la « période destructrice » de la peinture fondée uniquement sur les qualités constructives et spatio-temporelles des contrastes de couleurs.

Postmodernisme (postmoderne, post-avant-garde) -

(du latin post « après » et modernisme), nom collectif de courants artistiques devenus particulièrement clairs dans les années 1960 et caractérisés par une révision radicale de la position du modernisme et de l'avant-garde.

Expressionnisme abstrait stade de développement de l'art abstrait d'après-guerre (fin des années 40 - années 50 du XXe siècle). Le terme lui-même a été introduit dans les années 20 par un critique d'art allemand. E. von Sydow (E. von Sydow) pour faire référence à certains aspects de l'art expressionniste. En 1929, l’Américain Barr l’utilisa pour caractériser les premières œuvres de Kandinsky et, en 1947, il qualifia ces œuvres d’« expressionnistes abstraits ». Willem de Kooning Et Goberge. Depuis lors, le concept d'expressionnisme abstrait s'est consolidé derrière un domaine assez large, stylistiquement et techniquement varié, de la peinture abstraite (et plus tard de la sculpture), qui a connu un développement rapide dans les années 50. aux USA, en Europe, puis dans le monde entier. Les ancêtres directs de l'expressionnisme abstrait sont considérés comme les premiers Kandinsky, expressionnistes, orphistes, en partie dadaïstes et surréalistes avec leur principe d'automatisme mental. La base philosophique et esthétique de l’expressionnisme abstrait était en grande partie la philosophie de l’existentialisme, populaire dans la période d’après-guerre.

Prêt à l'emploi(Anglais ready-made - ready) Le terme a été introduit pour la première fois dans le lexique de l'histoire de l'art par l'artiste Marcel Duchamp désigner leurs œuvres, qui sont des objets à usage utilitaire, retirés de l'environnement de leur fonctionnement normal et, sans aucun changement, exposés lors d'une exposition d'art comme œuvres d'art. Readymade revendiqué nouveau look sur la chose et la chose. Un objet qui avait cessé de remplir ses fonctions utilitaires et était inclus dans le contexte de l'espace de l'art, c'est-à-dire devenu un objet de contemplation non utilitaire, commençait à révéler de nouvelles significations et de nouveaux mouvements associatifs, inconnus non plus de l'art traditionnel. ou à la sphère utilitaire quotidienne de l'existence. Le problème de la relativité de l’esthétique et de l’utilitaire est apparu avec acuité. Le premier prêt-à-porter Duchamp expose à New York en 1913. Les plus connus sont ses readymades. « Roue de vélo » en acier (1913), « Sèche-bouteilles » (1914), « Fontaine » (1917) - c'est ainsi qu'un urinoir ordinaire était désigné.

Pop-art. Après la Seconde Guerre mondiale, l’Amérique a développé une vaste classe sociale composée de personnes qui gagnaient suffisamment d’argent pour acheter des biens qui n’étaient pas particulièrement importants pour eux. Par exemple, la consommation de biens : Coca Cola ou les jeans Levi's deviennent un attribut important de cette société. Une personne utilisant tel ou tel produit montre son appartenance à une certaine classe sociale. La culture de masse était en train de se former. Les choses sont devenues des symboles, des stéréotypes. Le pop art utilise nécessairement des stéréotypes et des symboles. Pop art(pop art) incarnait la quête créative des nouveaux Américains, basée sur les principes créatifs de Duchamp. Ce: Jasper Johns, K. Oldenburg, Andy Warhol, et d'autres. Le pop art acquiert l’importance de la culture de masse, il n’est donc pas surprenant qu’il se soit formé et soit devenu un mouvement artistique en Amérique. Leurs personnes partageant les mêmes idées : Hamelton R, Tone Chine choisi comme autorité Kurt Schwieters. Le pop art se caractérise par un travail d'illusion qui explique l'essence de l'objet. Exemple : tarte K. Oldenbourg, représenté dans diverses variantes. Un artiste ne peut pas représenter une tarte, mais plutôt dissiper les illusions et montrer ce qu'une personne voit réellement. R. Rauschenberg est également original : il a collé diverses photographies sur la toile, les a décrites et a attaché une sorte d'animal en peluche à l'œuvre. L'une de ses œuvres célèbres est un hérisson en peluche. Ses peintures, dans lesquelles il utilise des photographies de Kenedy, sont également bien connues.

Primitivisme (Art naïf). Ce concept est utilisé dans plusieurs sens et est en réalité identique au concept "art primitif". Dans différentes langues et par différents scientifiques, ces concepts sont le plus souvent utilisés pour désigner un même ensemble de phénomènes dans culture artistique. En russe (comme dans d’autres), le terme « primitif » a une signification quelque peu négative. Il est donc plus approprié de s’attarder sur le concept Art naïf. Au sens le plus large, cela désigne les beaux-arts, caractérisés par la simplicité (ou la simplification), la clarté et la spontanéité formelle du langage figuratif et expressif, à l'aide desquels s'exprime une vision particulière du monde, non alourdie par les conventions civilisationnelles. Le concept est apparu dans la nouvelle culture européenne des derniers siècles et reflète donc les positions professionnelles et les idées de cette culture, qui se considérait comme le plus haut niveau de développement. A partir de ces positions, l'art naïf inclut également l'art archaïque des peuples anciens (avant les civilisations égyptienne ou grecque antique), par exemple l'art primitif ; l'art des peuples en retard dans leur développement culturel et civilisationnel (populations autochtones d'Afrique, d'Océanie, Indiens d'Amérique) ; l'art amateur et non professionnel à grande échelle (par exemple, les célèbres fresques médiévales de Catalogne ou l'art non professionnel des premiers colons américains venus d'Europe) ; de nombreuses œuvres du soi-disant « gothique international » ; art populaire; enfin, l'art des artistes primitivistes talentueux du XXe siècle, qui n'ont pas reçu de formation artistique professionnelle, mais qui ont ressenti le don de la créativité artistique et se sont consacrés à sa mise en œuvre indépendante dans l'art. Certains d'entre eux (français A. Rousseau, C. Bombois, géorgien N. Pirosmanishvili, croate I. Généralich, Américain SUIS. Robertson etc.) ont créé de véritables chefs-d'œuvre artistiques qui font partie du trésor de l'art mondial. L'art naïf, dans sa vision du monde et ses modalités de présentation artistique, est quelque peu proche de l'art des enfants, d'une part, et de l'autre. la créativité des malades mentaux, d'autre part. Cependant, il diffère fondamentalement des deux. Ce qui se rapproche le plus de l'art des enfants dans la vision du monde est l'art naïf des peuples archaïques et des aborigènes d'Océanie et d'Afrique. Sa différence fondamentale avec l'art des enfants réside dans son caractère profondément sacré, son traditionalisme et sa canonicité.

Art en ligne(Net Art - du net anglais - réseau, art - art) Le look le plus récent art, pratiques artistiques modernes, se développant dans les réseaux informatiques, notamment sur Internet. Ses chercheurs en Russie, qui contribuent également à son développement, O. Lyalina, A. Shulgin, estiment que l'essence du Net art se résume à la création d'espaces de communication et de création sur Internet, offrant à chacun une totale liberté d'existence en ligne. D’où l’essence du Net art. non pas une représentation, mais une communication, et son unité artistique unique est un message électronique. Il y a au moins trois étapes dans le développement du Net art, apparu dans les années 80 et 90. XXe siècle La première a eu lieu lorsque des artistes Internet novices ont créé des images à partir de lettres et d'icônes trouvées sur le clavier de l'ordinateur. La seconde a commencé lorsque des artistes underground et tous ceux qui voulaient montrer un peu de leur créativité sont arrivés sur Internet.

OP-ART(Op-art anglais - version abrégée de l'art optique - art optique) - un mouvement artistique de la seconde moitié du 20e siècle, utilisant diverses illusions visuelles basées sur les particularités de la perception des figures plates et spatiales. Le mouvement poursuit la ligne rationaliste du technicisme (modernisme). Remonte à l’abstractionnisme dit « géométrique » dont le représentant fut V. Vasarely(de 1930 à 1997, il a travaillé en France) - le fondateur de l'op art. Les possibilités de l'Op art ont trouvé des applications dans le graphisme industriel, les affiches et l'art du design. La direction de l'op art (art optique) est née dans les années 50 dans le cadre de l'abstraction, même si cette fois il s'agissait d'une variété différente : l'abstraction géométrique. Sa diffusion en tant que mouvement remonte aux années 60. XXe siècle

Graffiti(graffiti - en archéologie, tout dessin ou lettre gratté sur n'importe quelle surface, de l'italien graffiare - gratter) C'est ainsi que sont désignées les œuvres de la sous-culture, qui sont principalement des images grand format sur les murs de bâtiments publics, de structures, de véhicules, réalisé à l'aide de différents types de pistolets pulvérisateurs, de bombes de peinture en aérosol. D'où un autre nom pour « spray art » - Spray-art. Son origine est associée à l’apparition massive de graffitis. dans les années 70 sur les wagons du métro new-yorkais, puis sur les murs des bâtiments publics et les volets des magasins. Les premiers auteurs du graffiti. Il s'agissait pour la plupart de jeunes artistes au chômage issus de minorités ethniques, principalement de Portoricains, de sorte que les premiers graffitis présentaient certaines caractéristiques stylistiques de l'art populaire latino-américain et, du fait même d'apparaître sur des surfaces non destinées à cela, leurs auteurs protestaient contre leur position privée de leurs droits. Au début des années 80. toute une tendance de maîtres presque professionnels de G. s'est formée. Leurs vrais noms, auparavant cachés sous des pseudonymes, sont devenus connus ( CRASH, CNP 167, FUTURA 2000, LEE, VU, DAZE). Certains d'entre eux transfèrent leur technique sur toile et commencent à exposer dans des galeries à New York, et bientôt le graffiti fait son apparition en Europe.

HYPERRÉALISME(hyperréalisme - anglais), ou photoréalisme (photoréalisme - anglais) - artistique. un mouvement de peinture et de sculpture basé sur la photographie et la reproduction de la réalité. Tant dans sa pratique que dans ses orientations esthétiques vers le naturalisme et le pragmatisme, l’hyperréalisme se rapproche du pop art. Ils sont avant tout unis par un retour à la figuration. Elle agit comme une antithèse du conceptualisme, qui non seulement rompait avec la représentation, mais remettait également en question le principe même de la réalisation matérielle de l’art. concept.

Land-art(de l'anglais land art - earthen art), une direction dans l'art du dernier tiersXXc., basé sur l'utilisation d'un paysage réel comme principal matériau et objet artistique. Les artistes creusent des tranchées, créent d'étranges tas de pierres, peignent des roches, choisissant pour leurs œuvres des endroits habituellement déserts - des paysages vierges et sauvages, comme s'ils essayaient de ramener l'art à la nature. Merci à son<первобытному>En apparence, de nombreuses actions et objets de ce genre sont proches de l'archéologie, ainsi que de l'art photographique, puisque la majorité du public ne peut les contempler que dans une série de photographies. Il semble que nous devrons faire face à une nouvelle barbarie de la langue russe. Je ne sais pas si c'est une coïncidence si le terme<лэнд-арт>apparu à la fin années 60, à une époque où, dans les sociétés développées, l’esprit rebelle des étudiants dirigeait ses forces vers le renversement des valeurs établies.

MINIMALISME(art minimal - anglais : minimal art) - artiste. un flux qui naît d'une transformation minimale des matériaux utilisés dans le processus créatif, de la simplicité et de l'uniformité des formes, du monochrome, de la créativité. la retenue de l'artiste. Le minimalisme se caractérise par un rejet de la subjectivité, de la représentation et de l'illusionnisme. Rejeter le classique techniques de créativité et de tradition. artiste matériaux, les minimalistes utilisent des matériaux industriels et naturels de formes géométriques simples. des formes et des couleurs neutres (noir, gris), de petits volumes, des séries, des méthodes de convoyage de production industrielle sont utilisées. Un artefact dans le concept minimaliste de créativité est un résultat prédéterminé du processus de sa production. Ayant reçu son développement le plus complet dans la peinture et la sculpture, le minimalisme, interprété au sens large comme une économie de l'art. signifie, a trouvé une application dans d’autres formes d’art, principalement le théâtre et le cinéma.

Le minimalisme est né aux États-Unis dans la rue. sol. années 60 Ses origines sont dans le constructivisme, le suprématisme, le dadaïsme, l'art abstrait, l'amer formaliste. peinture des années 50, pop art. Directement précurseur du minimalisme. est américain artiste F. Stella, qui présente une série de « Peintures noires » en 1959-60, où prédominent les lignes droites ordonnées. Les premières œuvres minimalistes apparaissent en 1962-63. Le terme « minimalisme ». appartient à R. Wollheim, qui l'introduit en relation avec l'analyse de la créativité M. Duchamp et des artistes pop qui minimisent l'intervention de l'artiste dans l'environnement. Ses synonymes sont « art cool », « art ABC », « art en série », « structures primaires », « l'art en tant que processus », « systématique ». peinture". Parmi les minimalistes les plus représentatifs figurent K. Andre, M. Bochner, U. De Ma-ria, D. Flavin. S. Le Witt, R. Mangold, B. Murden, R. Morris, R. Ryman. Ils sont unis par le désir d'intégrer l'artefact dans l'environnement, de jouer avec la texture naturelle des matériaux. D.Zhad le définit comme « spécifique ». objet », différent du classique. oeuvres en plastique arts Indépendamment, l’éclairage joue un rôle dans la création d’art minimaliste. situations, solutions spatiales originales ; Des méthodes informatiques sont utilisées pour créer des œuvres.

L’art « pur », qui proclame des valeurs indépendantes des problèmes et des tendances sociales et historiques, est un phénomène merveilleux mais irréaliste.

Il est impossible de créer indépendamment de la vie quotidienne, sans prêter attention aux idées dominantes dans la société – formelles et informelles. L'art de la Russie au XXe siècle a été influencé par de puissants changements dans le système social, inconnus dans aucun autre pays.

Début du siècle, recherche de nouvelles idées

Les 100 années du XXe siècle ont été une époque de bouleversements sans précédent pour l’ensemble de la civilisation. À la fin du XXe siècle, les progrès scientifiques et technologiques ont comprimé le temps et l'espace sur la planète entière, les conflits sociaux dans une région limitée se sont transformés en bouleversements à l'échelle planétaire. La culture et l'art de la Russie du XXe siècle, comme toutes les activités sociales d'Europe et d'Amérique, ont un attachement temporaire aux choses les plus événements importants histoire récente.

La magie des chiffres marquant le début d’un nouveau siècle génère toujours une anticipation du changement, l’espoir de l’avènement d’une époque nouvelle et heureuse. Le XIXe siècle, qui a donné à la culture russe une renommée mondiale, s'est effacé dans le passé, laissant derrière lui des traditions qui ne pouvaient pas disparaître du jour au lendemain.

« Le Monde de l'Art » était le nom d'une association d'artistes née en 1898 et qui a existé par intermittence jusqu'en 1924, sans laquelle il est impossible d'imaginer les beaux-arts du premier quart du XXe siècle en Russie. Les «artistes du monde» n'avaient pas un style commun développé - peintres, graphistes, sculpteurs suivaient chacun leur propre chemin, étant d'accord sur leurs points de vue sur les objectifs de l'art et son rôle dans la société. De nombreux aspects de ce point de vue ont été exprimés par le génie de Mikhaïl Vroubel. Le noyau formel, la base de l'association étaient L. S. Bakst, M. V. Dobuzhinsky, E. E. Lansere, A. P. Ostroumova-Lebedeva, K. A. Somov. À différentes époques, Y. Bilibin, A. Ya Golovin, I. E. Grabar, K. A. Korovin, B. M. Kustodiev, N. K. Roerich, V. A. Serov et d'autres maîtres y ont participé.

Ils ont tous reconnu la primauté du professionnalisme dans l'art, rôle énorme liberté créatrice et indépendance de l'artiste par rapport aux dogmes sociaux, sans nier la valeur de l'art dans la vie humaine, en protestant contre l'inertie de l'académisme d'une part et la politisation excessive de la peinture chez les Vagabonds, d'autre part. Critiqué par les partisans des traditions, le « Monde de l'Art » n'a pas pu s'intégrer dans le processus turbulent de la naissance de la peinture « prolétarienne », mais a eu une influence énorme sur tous les beaux-arts du XXe siècle en Russie - à la fois sur ceux qui ont travaillé dans l'URSS et sur ceux qui se sont retrouvés en émigration.

Moderne

Les dernières décennies du XIXe siècle furent la période de l'émergence d'un nouveau style qui marqua de son empreinte l'œuvre des maîtres des beaux-arts et de l'architecture. Il avait ses propres caractéristiques dans certaines régions d’Europe, où il était même appelé différemment. En Belgique et en France, le nom « Art Nouveau » a été créé, en Allemagne - « Jugendstil », en Autriche - « Sécession ». Il existe d'autres noms associés aux artistes les plus célèbres de ce style ou à des entreprises qui ont fabriqué des meubles, des bijoux et d'autres produits de ce type : style Musha, style Guimard - en France, Liberty en Italie, style Tiffany aux USA, etc. Art russe L'architecture du XXe siècle, en particulier, le connaît sous le nom de style Art Nouveau.

L'Art nouveau est devenu, après une longue période de stagnation stylistique, l'un des mouvements artistiques les plus expressifs et visuellement façonnés. Son caractère floral inhérent et doux aux lignes d'un décor riche, combiné aux formes géométriquement simples et expressives de grands volumes, a attiré les artistes et les architectes par sa fraîcheur et sa nouveauté.

Fiodor Osipovitch Shekhtel (1859-1926) - star du modernisme architectural russe. Son talent a donné des traits nationaux à un style essentiellement cosmopolite ; les chefs-d'œuvre de Shekhtel - la gare de Iaroslavl, le manoir Ryabushinsky - sont les créations de l'architecte russe, tant dans leur ensemble que dans leurs détails.

Avant-garde pré-révolutionnaire

Le processus de recherche de nouvelles formes d'art, et plus encore - il nouvelle essence- était pertinent pour l'art de toute l'Europe et de l'Amérique. L'art russe du XXe siècle contient plusieurs périodes véritablement révolutionnaires, au cours desquelles les travaux de plusieurs réformateurs ont indiqué de nouvelles orientations dans le développement de la pensée artistique. L’une des périodes les plus brillantes et les plus impressionnantes fut la période inter-révolutionnaire de 1905 à 1917. Les particularités de l'art d'avant-garde en Russie ont été causées par la crise de la vie sociale russe après les tragédies de la guerre russo-japonaise et de la révolution de 1905.

De nombreux mouvements d'avant-garde et associations créatives apparus à cette époque avaient des raisons génératives et des objectifs de recherche artistique similaires. Les futuristes et cubo-futuristes, « Valet de carreau » et « Rose bleue », le suprématisme de Kandinsky et Malevitch ont eu une puissante influence sur les principales formes d’art du XXe siècle en Russie. de différentes manières ils recherchaient de nouveaux mondes, exprimant la crise de l'art ancien, qui avait perdu contact avec la réalité, et anticipaient le début d'une ère de bouleversement mondial.

Parmi les nouvelles idées nées des artistes d'avant-garde figurait l'idée de la Russie au XXe siècle, qui contient des pages telles que la célèbre performance - un manifeste du nouvel art, « La victoire sur le soleil » (1913). C'est le résultat de la créativité commune des poètes futuristes M. Matyushin et V. Khlebnikov, et la conception artistique a été réalisée par Kazimir Malevitch.

Les artistes P. Konchalovsky, K. Petrov-Vodkin, I. Mashkov, N. Goncharova, Marc Chagall, qui ont enrichi l'art russe du XXe siècle grâce à leurs recherches, sont devenus les auteurs de peintures reconnues dans le monde entier. Et cette reconnaissance a commencé dès les dixièmes années du XXe siècle, à l'époque de la naissance de la peinture d'avant-garde dans l'histoire moderne.

Après la Révolution d’Octobre, la Russie a eu l’opportunité d’ouvrir au monde entier de nouveaux horizons dans la vie publique, y compris dans l’art. Et au début, des conditions ont été créées lorsque la valeur de chaque individu doué a augmenté de manière incommensurable et que des générateurs de nouvelles idées créatives sont apparus.

Comment l’histoire de l’art interprète-t-elle cette époque ? XXe siècle, Russie, années folles, c'est une vie artistique sans précédent et active de nombreuses associations créatives, parmi lesquelles se distinguent :

UNOVIS - « Les partisans du nouvel art » (Malevitch, Chagall, Lissitzky, Leporskaya, Sterligov). Fondée sur la base de l'école d'art de Vitebsk, cette association se faisait l'apologiste de l'avant-garde artistique, proposant de rechercher de nouveaux thèmes et formes d'art.

- "Quatre Arts" - une tendance en phase avec le "Monde de l'Art". L'objectif principal est de montrer les énormes capacités d'expression de l'architecture, de la sculpture, du graphisme et de la peinture. La nécessité d'un professionnalisme élevé et d'une liberté de création a été déclarée. Les représentants les plus éminents : l'architecte A. V. Shchusev, le graphiste V. A. Favorsky, le sculpteur V. I. Mukhina, les peintres K. S. Petrov-Vodkin, A. P. Ostroumova-Lebedeva et d'autres.

- « OST », « Société des Artistes de Chevalet ». Il considérait que l'essentiel était de montrer les signes du début d'une nouvelle vie paisible, de la construction d'un jeune pays moderne en utilisant un style expressif avancé, mais simple et clair. Responsables : D. Sternberg, A. Deineka, Y. Pimenov, P. Williams.

- "Cercle des Artistes" (Leningrad). Suivre le parcours officiel, développer le « style de l’époque ». Membres actifs du groupe : A. Samokhvalov, A. Pakhomov, V. Pakulin.

AHRR - «Association des artistes de la Russie révolutionnaire» - une association qui est devenue la base de l'Union des artistes de l'URSS créée par la suite, un chef d'orchestre actif de la direction idéologique du processus artistique, un instrument de propagande du parti, héritiers des Vagabonds . Il était dirigé par I. I. Brodsky, A. M. Gerasimov, M. B. Grekov, B. V. Ioganson.

Constructivisme

Dans les programmes les plus prestigieux établissements d'enseignement Lors de la formation des architectes, le thème « Le constructivisme russe – l’avant-garde architecturale des années 20 » est toujours étudié. C'est d'une grande importance pour comprendre l'art de la construction ; les idées proclamées par les dirigeants de cette direction sont très pertinentes à tout moment. Les bâtiments survivants de Konstantin Melnikov (l'immeuble résidentiel de l'architecte sur Krivoarbatsky Lane, le club Rusakov sur Stromynka, un garage sur la rue Novoryazanskaya, etc.), des frères Vesnin, de Moisei Ginzburg (maison Narkomfin sur le boulevard Novinsky) et d'autres stars de l'architecture russe sont le fonds d'or de l'architecture russe.

Fonctionnalisme, rejet de la décoration inutile, esthétique de la conception des bâtiments, harmonie du cadre de vie créé - ces idées sont devenues la base pour résoudre de nouveaux problèmes posés aux jeunes architectes, artistes et spécialistes dans ce domaine appelé design industriel. Ils devaient construire des logements de masse pour les nouvelles villes, des clubs ouvriers pour le développement global de l'individu et créer des installations pour le travail et les loisirs de la nouvelle personne. Les réalisations étonnantes de l’avant-garde des années vingt ne peuvent être ignorées ; l’étude de l’art de la Russie, de l’Europe et de l’Amérique au cours de la période suivante s’appuie en grande partie sur elles. Il est regrettable que ces idées progressistes se soient révélées les moins demandées dans leur pays d'origine, et le « style Empire stalinien » est considéré par beaucoup comme la plus grande réussite de l'architecture soviétique.

L'art de l'ère du totalitarisme

En 1932, un décret du Comité central du Parti communiste des bolcheviks de toute l'Union fut publié sur le travail des associations créatives. L'ère mouvementée de diverses tendances et orientations s'est terminée sous l'influence de la machine d'État qui avait pris le pouvoir, contrôlée par l'appareil idéologique, dans lequel le pouvoir individuel était renforcé. Pendant de nombreuses années, l’art russe du XXe siècle, comme une grande partie de la vie du pays, a commencé à dépendre de l’opinion d’une seule personne – Joseph Staline.

Les unions créatives sont devenues un moyen de subordonner la pensée artistique à des normes idéologiques communes. L'ère du socialisme est arrivée. Peu à peu, tout écart par rapport à la ligne officielle a commencé à être déclaré criminel et ceux qui n'étaient pas d'accord ont été soumis à une véritable répression. Les accusations de s’écarter de la ligne du parti sont devenues une méthode pour résoudre les discussions créatives. La progressivité de cette mesure est très douteuse. Comment l’art théâtral russe aurait-il évolué au XXe siècle si le grand réformateur de la scène Vsevolod Meyerhold n’avait pas été victime de la répression ?

La nature du talent artistique est complexe et inexplicable. Les images des dirigeants étaient incarnées avec une grande habileté et un sentiment sincère. Même les répressions les plus sévères n'ont pas pu empêcher l'émergence d'artistes véritablement talentueux, pour qui l'essentiel était l'expression de soi, quel que soit le cadre idéologique.

L’époque de « l’Empire stalinien » est arrivée en architecture. La recherche d'artistes d'avant-garde a été remplacée par un retour aux canons éprouvés. Le pouvoir de l’idéologie communiste a été personnifié dans des exemples spectaculaires de néoclassicisme recyclé : les « immeubles de grande hauteur » de Staline.

Art de la période de guerre

Il y a une période dans l’histoire de notre pays qui est devenue la plus grande tragédie et une étape d’élévation spirituelle sans précédent. L'art de la Russie des XXe et XXIe siècles a reçu l'un des thèmes principaux qui ont permis d'exprimer la grandeur du caractère populaire russe, la profondeur des sentiments qui peuvent maîtriser un individu et des masses immenses lors des bouleversements historiques.

Dès les premiers jours, la Grande Guerre Patriotique s’est exprimée dans des images visuelles d’une puissance étonnante. Affiche de I. Toidze « La patrie appelle ! » Il a élevé la défense du pays mieux que n’importe quel commandant, et la « Défense de Sébastopol » de Deineka choque quiconque, quelles que soient les idées qu’il partage. La Septième Symphonie de Dmitri Chostakovitch est également impressionnante, et l'art musical de la Russie du XXe siècle, tout autant que d'autres types de créativité, a rendu hommage au thème de la guerre contre le fascisme.

Dégel

Après Grande victoire Le deuxième facteur historique le plus puissant influençant la vie publique en URSS fut la mort de Staline (mars 1953) et le 20e Congrès du PCUS, qui soulevèrent la question de la dénonciation du culte de la personnalité. Pendant un certain temps, les artistes, ainsi que la société dans son ensemble, ont bénéficié d’une liberté de créativité et d’idées nouvelles. La génération des « sixties » est un phénomène bien spécifique ; elle a laissé un souvenir d’elle-même comme une petite bouffée d’air frais avant de replonger pendant des décennies dans le marais d’une existence mesurée, programmée, réglée.

Les premières expériences de l'avant-garde artistique de la « deuxième vague » - œuvres de E. Belyutin, Yu. Sooster, V. Yankilevsky, B. Zhutovsky et d'autres - lors d'une exposition consacrée au 30e anniversaire de la branche moscovite de la Union des Artistes, ont été sévèrement condamnés personnellement par le nouveau dirigeant du pays N . Le parti a recommencé à expliquer aux gens de quel type d'art ils avaient besoin et aux artistes comment écrire.

L'architecture a été condamnée à faire face aux excès, qui s'expliquaient à juste titre par les difficultés économiques de l'après-guerre ; le temps de la construction massive de logements approchait, le temps du « Khrouchtchev », qui atténuait quelque peu l'acuité du problème du logement, mais défiguré l'apparence de nombreuses villes.

L’art du « socialisme développé »

À bien des égards, l’art de la Russie dans la seconde moitié du XXe siècle est à bien des égards une histoire de confrontation entre la personnalité artistique et l’idéologie dominante. Mais même dans une atmosphère de régulation idéologique de chaque élément de l’espace spirituel, de nombreux artistes ont trouvé le moyen de modifier légèrement la méthode prescrite par le réalisme socialiste.

Ainsi, de véritables exemples pour les jeunes étaient les maîtres qui ont formé leurs convictions dans les années vingt : N. Romadin, M. Saryan, A. Plastov et d'autres. Peinture ancien membre l'association artistique "OST" de Yu. Pimenov "Wedding on Tomorrow Street", écrit en 1962, est devenu un symbole des espoirs de renouveau de la société.

Un autre phénomène frappant dans la peinture soviétique de cette époque était la formation d'un « style sévère ». Ce terme désignait le travail de G. Korzhov, P. Ossovsky, des frères Smolin, P. Nikonov et d'autres. Dans leurs peintures, écrites dans différents genres (quotidiens, historiques), apparaissait un héros qui n'avait pas besoin d'instructions, occupé avec des choses compréhensibles. et chose nécessaire. Il a été représenté sans détails inutiles ni fioritures coloristiques, de manière succincte et expressive.

Le travail d'un tel maître revêt une importance particulière car le son civil de ses toiles contient un message général humaniste, presque religieux, rare dans l'art soviétique, et son style de peinture a ses racines dans la Renaissance italienne.

Non-conformisme

La domination officielle du « réalisme socialiste » a contraint les artistes informels à se frayer un chemin vers le public ou à recourir à l’émigration. M. Shemyakin, I. Kabakov, O. Rabin, E. Neizvestny et bien d'autres sont partis. Il s'agissait d'artistes du XXe siècle en Russie, porteurs de valeurs spirituelles nées de l'avant-garde du début du siècle, et qui sont retournés dans leur pays après l'effondrement de l'idéologie communiste.

Et sous son règne apparaît l’émigration interne, donnant naissance au motif populaire d’un artiste fou, toujours ivre, habitant des hôpitaux psychiatriques, persécuté par les autorités et les dirigeants des syndicats créatifs, mais très apprécié par les experts occidentaux indépendants. Un porteur typique de cette image était A. Zverev, une personnalité légendaire de Moscou à l'ère du socialisme développé.

Polystylistique et pluralisme

Libérés de la dictature d'État de l'ère soviétique, les beaux-arts russes du XXe siècle sont entrés dans le processus mondial en tant que partie indissociable de celui-ci, partageant des propriétés et des tendances communes. De nombreuses formes de créativité familières à l’Occident pendant longtemps, ont été rapidement maîtrisés par les artistes nationaux. Les mots « performance », « installation vidéo », etc. sont devenus familiers dans notre discours, et parmi les maîtres contemporains les plus importants de renommée mondiale figurent des artistes aux vues diamétrales : Z. Tsereteli, T. Nazarenko, M. Kishev, A. . Bourganov et bien d'autres.

L'histoire récente, mouvementée et imprévisible, du pays, qui occupe un sixième de la superficie de la planète, se regarde dans son miroir - l'art de la Russie du XXe siècle - et s'y reflète avec des milliers d'images inoubliables...