Leçon 1

Poésie russe de la seconde moitié du XIXe siècle.

F.I. Tioutchev et A.A. Fet – école d'art pur

La littérature classique russe a toujours participé activement à vie publique pays, répondant avec ardeur aux problèmes sociaux brûlants de l’époque. Ceci est particulièrement caractéristique des années 60 du XIXe siècle, lorsqu'il y avait une démarcation entre les groupes littéraires nobles, aristocratiques et révolutionnaires-démocrates. Mais il y avait des auteurs qui voyaient leur place dans la littérature d'une manière complètement différente - indépendamment des problèmes sociaux, et dans cette situation historique, le refus des paroliers « purs » d'aborder des questions d'actualité dans leur travail ne pouvait que provoquer une réaction négative de la part des critiques.

Il fallait probablement faire preuve d’un courage considérable pour défendre avec obstination et cohérence son credo créatif dans un tel environnement, mener une sorte de « dispute avec le siècle ». Aujourd'hui, nous parlerons de deux auteurs qui ont abandonné l'actualité dans leur œuvre et sont entrés dans la littérature en tant que poètes de « l'art pur » - F.I. Tioutchev et A.A. Fet.

Qu’est-ce que « l’art pur » ?

Au XIXe siècle, une théorie est apparue en Europe proclamant l’idée de « l’art pour l’art », c’est-à-dire l’idée de l’indépendance de l’art, de son indépendance vis-à-vis de la politique, des revendications sociales et de l’éducation. En Russie au milieu du XIXe siècle, le renforcement des tendances dans le développement de « l'art pur » s'explique par le fait que ses défenseurs s'opposaient à la popularité du mouvement démocratique révolutionnaire et aux approches « utilitaires » de l'art. Les poètes de cette direction - A. Grigoriev, A. Maikov, Y. Polonsky, A. Fet, F. Tyutchev et bien d'autres se sont penchés sur la forme artistique de leurs œuvres et ont évité la politique. Ils ont comparé leurs œuvres avec des œuvres d'orientation révolutionnaire-démocratique, dont les auteurs étaient : N. Dobrolyubov, D. Pisarev, N. Nekrasov, M. Saltykov-Shchedrin.

Il convient de noter d’emblée le rejet par F.I. des problèmes sociaux. Tioutchev et A.A. La Feta n'a pas été dictée par leur insensibilité spirituelle ou leur indifférence à l'égard de la souffrance du peuple. Chaque vers poétique de ces auteurs témoigne de leur humanisme, de leur générosité, de leur intérêt pour la vie et de leur ouverture sur le monde. C'était simplement la nature de leur talent poétique. Elle les a attirés vers l'inconnu, les a forcés à scruter le monde complexe et bizarre de l'âme humaine, à percevoir avec acuité et subtilité la beauté et l'harmonie de la nature dans son éternelle variabilité captivante. Poursuivant les traditions des écrivains romantiques russes de la première moitié du XIXe siècle (Joukovsky et début Pouchkine) et de la culture romantique allemande, leurs paroles étaient consacrées aux problèmes philosophiques et psychologiques.

Dans les derniers couples, nous avons discuté du travail de N.A. Nekrasova, dis-moi, qu'est-ce qui le distingue des autres poètes ? L’actualité est devenue la clé du succès de Nekrassov. Rappelons-nous comment Nekrasov a vu sa Muse. Selon le poète, elle est la « sœur » de la jeune paysanne du poème « Hier… » - souffrante, patiente, toute dans les soucis terrestres et la mélancolie :

Hier, vers six heures,

Je suis allé à Sennaya ;

Là, ils ont battu une femme avec un fouet,

Une jeune paysanne.

Pas un bruit venant de sa poitrine

Seul le fouet sifflait en jouant...

Et j'ai dit à la Muse : « Regardez !

Ta chère sœur !

Elle, la muse de Nekrasov, est indifférente à l'univers et il n'y a pas de place dans sa vie pour la passion et les sentiments subtils. Contrairement à Nekrasov, Fet et Tioutchev revendiquent une origine céleste différente de la poésie.

F.I. Tioutchev. Poésie

Parmi le tonnerre, parmi les lumières,

Parmi les passions bouillonnantes,

Dans une discorde spontanée et ardente,

Elle vole du ciel vers nous -

Fils célestes aux fils terrestres,

Avec une clarté azur dans ton regard -

Et à la mer déchaînée

L’huile de la réconciliation coule à flots.

Fet, qui a dédié plusieurs poèmes à sa Muse, la voit dans des vêtements célestes :

Les AA Fet. Muse

Elle est venue et s'est assise. Heureux et inquiet

Je répète votre vers affectueux ;

Et si mon don est insignifiant devant toi,

Je ne suis pas moins jaloux que les autres.

En préservant soigneusement votre liberté,

Je n'ai pas invité les non-initiés chez toi,

Et je fais plaisir à leur déchaînement servile

Je n'ai pas profané vos discours.

Toujours le même toi, sanctuaire chéri,

Sur un nuage, invisible au sol,

Couronnée d'étoiles, déesse impérissable,

Avec un sourire pensif sur le front.

Selon Tioutchev et Fet, la poésie et la créativité sont une sorte de sacrement, inexplicablement soumis à la volonté et à l'esprit humains. Le poète, tel un étudiant assidu, écoute sa voix intérieure.

Nous tenterons d’identifier les traits de la poésie de F.I. Tioutchev et A.A. Fêta.

Une particularité des paroles de ces deux poètes réside dans la profondeur de l'analyse des expériences émotionnelles humaines. Ainsi, le monde intérieur complexe des héros lyriques Tioutchev et Fet est similaire à bien des égards.

1. Le thème de la nature à paysage paroles,
2. Thème philosophique en paroles philosophiques,
3. Le thème de l'amour, ce sont les paroles d'amour.

Paroles de paysage. Les deux poètes sont originaires de la province d'Orel et tous deux ont été imprégnés dès leur enfance d'un amour pour la beauté de la nature russe. Vous connaissez pratiquement depuis l'école primaire tous les vers de leurs poèmes dédiés à leur nature natale.

F.I. Tioutchev. Pas étonnant que l'hiver soit en colère

Pas étonnant que l'hiver soit en colère,

Son temps est révolu -

Le printemps frappe à la fenêtre

Et il le chasse de la cour.

Et tout a commencé à s'embrouiller,

Tout oblige Winter à sortir -

Et des alouettes dans le ciel

La cloche a déjà sonné.

L'hiver est toujours chargé

Et il se plaint du printemps.

Elle rit dans ses yeux

Et ça fait juste plus de bruit...

La méchante sorcière est devenue folle

Et, capturant la neige,

Elle m'a laissé entrer en s'enfuyant,

A un bel enfant...

Le printemps et le chagrin ne suffisent pas :

Lavé dans la neige

Et je suis seulement devenu rougissant

Contre l'ennemi.

Lisons maintenant le poème d'A.A. Fet.

Les AA Fet. Elle est venue et tout a fondu autour

Elle est venue, et tout a fondu autour,

Tout veut se donner à la vie,

Et le cœur, prisonnier des blizzards hivernaux,

Soudain, j'ai oublié comment serrer.

Ça a parlé, ça a fleuri

Tout ce qui hier languissait en silence,

Et le ciel a apporté des soupirs

Des portes dissoutes de l'Eden.

Comme les petits nuages ​​sont joyeux !

Et dans un triomphe inexplicable

Danse en rond à travers les arbres

Des bouffées de fumée verdâtre.

Le ruisseau scintillant chante,

Et du ciel une chanson, comme autrefois ;

Il semble dire :

Tout ce qui a été forgé est passé.

Tu ne peux pas avoir de petits soucis

Même si je n'aurai pas honte un seul instant,

Tu ne peux pas te tenir devant la beauté éternelle

Ne chantez pas, ne louez pas, ne priez pas.

De quoi parlent les deux poèmes ? Thème de la nature, l'arrivée du printemps

Sur quelles bases sont-ils construits ? Personnification

PERSONNALISATION, ou prosopopée (grec prosopopolia, de prosopon - visage et poieo - faire) - une telle image d'objets inanimés ou abstraits, dans lesquels ils sont dotés des propriétés d'êtres vivants - le don de la parole, la capacité de penser et de ressentir. O. était associé dans les temps anciens à la vision animiste du monde et à toutes sortes de croyances (par exemple, O. dans la mythologie ancienne). O. comme allégorie, terme stylistique - l'un des tropes artistiques les plus courants

Dictionnaire des termes littéraires.

Éd. De 48 comp. : L. I. Timofeev et S. V. Turaev. M., « Lumières », 1974. 509 p.

PERSONNALISATION- une technique artistique (trope) dans laquelle un objet, un phénomène ou un concept inanimé se voit attribuer des propriétés humaines (ne vous y trompez pas, exactement humain !). La personnification peut être utilisée de manière étroite, sur une seule ligne, dans un petit fragment, mais elle peut être une technique sur laquelle toute l'œuvre est construite (« Tu es ma terre abandonnée » de S. Yesenin, « Maman et le soir tués par les Allemands », « Le violon et un peu nerveusement » de V. Mayakovsky, etc.). La personnification est considérée comme l'un des types de métaphore (voir ci-dessous).

La tâche de la personnification est de corréler l'objet représenté avec une personne, de le rapprocher du lecteur, de comprendre au sens figuré l'essence intérieure de l'objet, cachée de la vie quotidienne. La personnification est l'un des moyens d'art figuratifs les plus anciens.

http://shkola.lv/index.php?mode=lsntheme&themeid=22

Dans la poésie de Fet et Tyutchev, les descriptions de la nature, d'une part, sont précieuses en elles-mêmes et, d'autre part, elles sont destinées à refléter les expériences du héros lyrique. La nature sympathise avec le héros lyrique : la description du monde extérieur de la nature se transforme en douceur en une description du monde intérieur du héros lyrique.

À cet égard, Tioutchev et Fet perpétuent la tradition russe consistant à identifier les images de la nature avec certaines humeurs de l'âme humaine. Cette technique du parallélisme figuratif a été largement utilisée par Joukovski, Pouchkine et Lermontov.

Ce n'est pas un hasard si Tioutchev est appelé le chanteur de sa nature natale ; dans son œuvre, il affirme l'idée de la souveraineté de la nature et s'adresse aux matérialistes vulgaires qui prêchent une intervention humaine imprudente et arbitraire dans le monde de la nature, sa subordination. à la volonté de l'homme (rappelez-vous Bazarov).

F.I. Tioutchev. Pas ce que tu penses, la nature

Ce n'est pas ce que vous pensez, la nature :

Pas un plâtre, pas un visage sans âme -

Elle a une âme, elle a la liberté,

Il y a de l'amour, il y a un langage...

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Vous voyez la feuille et la couleur sur l'arbre :

Ou est-ce que le jardinier les a collés ?

Ou le fœtus mûrit dans l'utérus

Le jeu de forces extérieures et extraterrestres ?

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Ils ne voient ni n'entendent

Ils vivent dans ce monde comme dans le noir,

Pour eux, même les soleils, tu sais, ne respirent pas,

Et il n’y a pas de vie dans les vagues de la mer.

Les rayons ne sont pas descendus dans leurs âmes,

Le printemps n'a pas fleuri dans leurs poitrines,

Les forêts ne parlaient pas devant eux,

Et la nuit dans les étoiles était silencieuse !

Et dans des langues surnaturelles,

Rivières et forêts vacillantes,

Je ne les ai pas consultés la nuit

Il y a un orage dans une conversation amicale !

Ce n'est pas de leur faute : comprenez, si possible,

Organa la vie des sourds-muets !

Dans le monde poétique de Tioutchev, il n’y a pas de frontière claire entre le monde naturel et le monde humain.

F.I. Tioutchev. Vague et pensée

Pensée après pensée, vague après vague -

Deux manifestations d'un même élément :

Que ce soit dans un cœur étroit ou dans une mer sans limites,

Ici - en prison, là - en plein air -

Le même surf et rebond éternels,

Le même fantôme est toujours désespérément vide.

Paroles philosophiques . Les poèmes sur la nature contiennent souvent des réflexions sur le sort de l'homme. Les paroles paysagères acquièrent un contenu philosophique. Pour lui, la nature est un interlocuteur mystérieux et un compagnon constant dans la vie, comprenant mieux que quiconque le héros lyrique.

F.I. Tioutchev. Pourquoi tu hurles, nuit verte ?

Pourquoi hurles-tu, vent de la nuit ?

Pourquoi te plains-tu si follement ?..

Soit terne et plaintif, soit bruyant ?

Dans une langue compréhensible au cœur

Vous parlez de tourments incompréhensibles -

Et tu creuses et tu exploses dedans

Des sons parfois frénétiques !..

À PROPOS DE! Ne chante pas ces chansons effrayantes

À propos du chaos antique, à propos de ma chère !

Comme le monde de l'âme est avide la nuit

Entend l'histoire de sa bien-aimée !

Il s'arrache à un sein mortel,

Il aspire à fusionner avec l'infini !..

À PROPOS DE! Ne réveille pas les tempêtes endormies

Le chaos gronde sous eux !..

Ici, la description des éléments traduit les expériences du héros. Et la description de la nature par Fet reflète la condition humaine.

Les AA Fet. Quelle tristesse ! Fin de l'allée

Il n'y a pas une once d'azur dans le ciel,

Dans la steppe tout est lisse, tout est blanc,

Un seul corbeau contre la tempête

Il bat lourdement des ailes.

Et cela ne vient pas à mon âme,

Il fait le même froid qu'autour,

Les pensées paresseuses s'endorment

Sur le travail mourant.

Le thème de la solitude humaine revêt une sonorité particulièrement tragique dans les paroles de Tioutchev ; il est révélé le plus profondément dans le poème Silentium.

F.I. Tioutchev. SILENTIUM !

Tais-toi, cache-toi et cache-toi

Et tes sentiments et tes rêves -

Que ce soit au plus profond de ton âme

Ils se lèvent et entrent

Silencieusement, comme les étoiles dans la nuit, -

Admirez-les - et taisez-vous.

Comment le cœur peut-il s’exprimer ?

Comment quelqu’un d’autre peut-il vous comprendre ?

Comprendra-t-il pourquoi vous vivez ?

Une pensée parlée est un mensonge.

En explosant, vous dérangerez les clés, -

Nourrissez-vous d'eux - et gardez le silence.

Sachez simplement comment vivre en vous-même -

Il y a tout un monde dans ton âme

Pensées mystérieusement magiques ;

Ils seront assourdis par le bruit extérieur,

Les rayons de la lumière du jour se disperseront, -

Écoutez leur chant - et taisez-vous !..

1829, début des années 1830

Il est courant pour tout poète de résumer son œuvre. Fet glorifie la mort à la fin de sa vie, espérant la paix après elle. Cela est dû aux contradictions de sa vie. (Fet a déployé beaucoup d'efforts pour prouver qu'il était un noble Shenshin).

Les AA Fet. La mort"

« Je veux vivre ! » crie-t-il, audacieux.

Que ce soit une tromperie ! Oh, trompe-moi ! »

Et je ne pense pas que ce soit de la glace instantanée,

Et là, en dessous de lui, se trouve un océan sans fond.

Courir? Où? Où est la vérité, où est l’erreur ?

Où est le support pour lui tendre la main ?

Peu importe la fleur vivante, peu importe le sourire, -

La mort triomphe déjà sous eux.

La recherche aveugle en vain de l'endroit où se trouve la route,

Confier ses sentiments à des guides aveugles ;

Mais si la vie est le bazar bruyant de Dieu,

Seule la mort est son temple immortel.

Tioutchev a une perception différente de la vie et de la mort :

F. I. Tioutchev. "Quand les forces décrépites..."

Quand les forces décrépites

Ils commencent à nous tromper

Et nous devons, comme les anciens,

Donnez une place aux nouveaux arrivants, -

Sauve-nous alors, gentil génie,

De lâches reproches,

De la calomnie, de l'amertume

Pour changer la vie ;

D'un sentiment de colère cachée

Vers un monde renouvelé,

Où s'assoient les nouveaux invités

Pour la fête préparée pour eux ;

De la bile de la conscience amère,

Que le ruisseau ne nous porte plus

Et que d'autres ont des appels,

D’autres sont appelés ;

De tout ce qu'il y a de plus fervent,

Plus ce qui est caché depuis longtemps est profond,

Et l'amour sénile est plus honteux

La ferveur du vieil homme grincheux.

Début septembre 1866

Tioutchev ne regrette pas ce qu'il a vécu, même si sa vie a été pleine de souffrance. Il perçoit la mort non pas comme un salut contre la vie, mais comme un phénomène naturel et naturel

Paroles d'amour. L'amour est le plus grand don du destin, apportant la plus grande joie et la plus grande souffrance. C'est l'interprétation de ce thème éternel dans les paroles de deux poètes marquants. Les paroles d'amour de Fet et Tyutchev sont remplies d'un son tragique puissant. Il naît d'une douleur réelle, réelle, d'une souffrance insupportable, d'un sentiment aigu de perte, d'une conscience de culpabilité et de remords.

Les deux poètes ont vécu une tragédie. La première épouse de Tioutchev, Eleanor Peterson, est décédée prématurément ; un amour tardif et socialement condamné pour Elena Alexandrovna Denisyeva a conduit à la mort de la pauvre femme.

Le suicide de Maria Lazic, une jeune fille qui aimait Fet et qui fut abandonnée par lui à cause de sa pauvreté, a laissé une marque indélébile dans l’âme du poète. Le sentiment dans leurs paroles est tragique.

Dans le célèbre « Cycle Denisevski » de F. I. Tyutchev, il y a des poèmes d'une profondeur et d'une puissance étonnantes :

F.I Tioutchev. Oh ce Sud, oh ce Nice

Oh, ce Sud, oh, ce Nice !..

Oh, comme leur éclat m'alarme !

La vie est comme un oiseau abattu

Il veut se lever, mais il ne peut pas...

Il n'y a pas de vol, pas de portée -

Les ailes brisées pendent

Et toute elle, accrochée à la poussière,

Tremblant de douleur et d'impuissance...

L'image inattendue et vivante d'un oiseau aux ailes brisées transmet avec une précision cruelle les sentiments d'une personne choquée par le chagrin, incapable de surmonter une grave crise mentale et de trouver la force de vivre.

Poèmes des A.A. Feta, dédiée à Maria Lazic, est également imprégnée de douleur et d'un lourd sentiment de culpabilité. Dans « Vieilles lettres », le poète revit encore et encore le drame passé :

Les AA Fet. Lettres anciennes

Oublié depuis longtemps, sous une légère couche de poussière,

Caractéristiques précieuses, tu es à nouveau devant moi

Et dans une heure d'angoisse mentale, ils ont instantanément ressuscité

Tout ce que l’âme a perdu depuis très longtemps.

Brûlant du feu de la honte, leurs regards se croisent à nouveau

Juste confiance, espoir et amour,

Et les mots sincères ont effacé les motifs

Le sang coule de mon cœur vers mes joues.

Je suis condamné par vous, témoins silencieux

Le printemps de mon âme et le sombre hiver.

Tu es le même brillant, saint, jeune,

Comme à cette heure terrible où nous nous sommes dit au revoir.

Et j'ai fait confiance au son perfide, -

Comme s'il y avait autre chose au monde que l'amour ! -

J'ai repoussé hardiment la main qui t'écrivait,

Je me suis condamné à une séparation éternelle

Et avec une sensation de froid dans la poitrine, il partit pour un long voyage.

Pourquoi, avec le même sourire de tendresse ?

Me murmurer de l'amour, me regarder dans les yeux ?

Même une larme brûlante n’effacera pas ces lignes.

Afin de dissiper d'une manière ou d'une autre la triste impression de la perception tragique de l'amour par ces auteurs, tournons-nous vers un autre poème emblématique dédié à ce sujet.

Les AA Fet. Chuchotement, respiration timide

Chuchotement, respiration timide,

Le trille d'un rossignol,

Argent et influence

Flux endormi.

Veilleuse, ombres nocturnes,

Des ombres sans fin.

Une série de changements magiques

Doux visage.

Il y a des roses violettes dans les nuages ​​enfumés,

Le reflet de l'ambre

Et des baisers et des larmes,

Et l'aube, l'aube !

Le poème est construit uniquement sur des noms et des adjectifs, sans un seul verbe. Les virgules et les points d'exclamation transmettent également la splendeur et la tension du moment avec une spécificité réaliste. Ce poème crée une image ponctuelle qui, vue de près, donne le chaos, « une série de changements magiques », et au loin, une image précise. Fet fonde la description des expériences et des souvenirs amoureux sur l'enregistrement direct de ses observations et impressions subjectives. La nature dans le poème apparaît comme un participant à la vie des amoureux, aide à comprendre leurs sentiments, leur donnant une poésie, un mystère et une chaleur particuliers.

Les rencontres et la nature sont décrites comme plus que deux mondes parallèles- le monde des sentiments humains et de la vie naturelle. L'innovation du poème réside dans le fait que la nature et la date sont représentées dans une série de fragments fragmentaires, que le lecteur lui-même doit relier en une seule image. A la fin du poème, la description des sentiments et du paysage se confondent : le monde de la nature et le monde des sentiments humains sont inextricablement liés.

Nous avons donc essayé de comprendre les particularités du talent créatif de F.I Tyutchev et A.A. Fêta. Leurs noms se côtoient toujours dans l’histoire de la littérature. Et non seulement parce qu'ils sont contemporains, poètes de la même époque, Nekrasov est aussi un créateur proche d'eux dans le temps, mais son élément est une poésie complètement différente.

« L'art pur » (ou « l'art pour l'art », ou « critique esthétique »), une direction de la littérature et de la critique russes des années 50-60 du XIXe siècle, caractérisée par une attention approfondie portée au spirituel et à l'esthétique. caractéristiques de la littérature en tant que forme d'art qui a une source divine de bonté, d'amour et de beauté. Traditionnellement, cette direction est associée aux noms de A.V. Druzhinin, V.P. Botkin, P.V. Annenkov, S.S. Dudyshkin. Parmi les poètes, la position de « l'art pur » était partagée par A. A. Fet, A. N. Maikov, N. F. Shcherbina. Le directeur de l'école était A.V. Druzhinin. Dans leurs évaluations littéraires, les critiques ont développé non seulement les concepts de beauté, l'esthétique elle-même, mais aussi les catégories d'ordre moral, philosophique et parfois social. L'expression « art pur » avait un autre sens : « pur » dans le sens de parfait, idéal, absolument artistique. Pure est avant tout un art rempli de spiritualité, fort dans ses méthodes d’expression de soi. La position des partisans de « l’art pur » n’était pas de séparer l’art de la vie, mais de pour protéger ses principes véritablement créatifs, son originalité poétique et la pureté de ses idéaux. Ils ne cherchaient pas à s'isoler de la vie publique (cela est impossible à réaliser pour quiconque), mais à la liberté de création au nom de l'établissement des principes de l'idéal parfait de l'art, « pur », c'est-à-dire indépendant des petits besoins et des préférences politiques. . Par exemple, Botkin a parlé de l'art en tant qu'art, mettant dans cette expression l'ensemble des concepts liés à la créativité libre de l'ordre social et parfait à son niveau. L’esthétique n’est qu’une composante, quoique extrêmement importante, du système d’idées sur l’art véritable. Annenkov a publié des articles critiques plus souvent que Botkin. Il possède plus de deux douzaines d'articles et de critiques volumineux, l'ouvrage fondamental « Matériaux pour la biographie d'Alexandre Sergueïevitch Pouchkine » et, peut-être, le plus riche en mémoires du XIXe siècle. "Mémoires littéraires". Un point important dans les vues esthétiques d’Annenkov était la question du talent artistique de l’art. Annenkov ne nie pas « l’influence » de l’art sur la société, mais considère que cela est possible à condition d’un véritable talent artistique. Et l’expression « pur » ne signifie pas ici l’isolement de l’art des exigences urgentes de la vie sociale, mais la perfection de sa qualité, et pas seulement en termes de forme, mais aussi de contenu. Druzhinin a fondé ses jugements sur l'art sur trois dispositions qui étaient les plus importantes du point de vue de son système esthétique : 1) L'art est le plus haut degré de manifestation de l'esprit humain, qui a une source divine, dans laquelle « l'idéal » et « réel » sont combinés d’une manière très complexe et spécifique ; 2) L'art traite du généralement significatif, le révélant cependant à travers le monde « intérieur » d'un individu et même les « particuliers » à travers la beauté, les belles images (s'il existe un idéal) ; 3) Tout en stimulant les aspirations d'une personne à l'idéal, l'art et la littérature ne peuvent cependant pas se subordonner au pragmatisme social au point de perdre leur principal avantage : rester une source de transformation morale, un moyen d'initier une personne à l'idéal. valeurs les plus élevées et éternelles de l'existence spirituelle.

2. Les grands thèmes de la poésie de « l’art pur »

La littérature russe des années 50-60 compte aujourd'hui plusieurs poètes célèbres, qui constituent la galaxie des prêtres de l'art pur. Il s'agit notamment de Tioutchev, Alexei Tolstoï, Polonsky, Maikov et Fet. Tous ces poètes du passé de la littérature russe remontent à Pouchkine, qui, dans la plupart de ses poèmes de jeunesse, était un théoricien de l'art pur et soulignait pour la première fois dans la littérature russe l'importance du poète.

La poésie est une fin en soi pour le poète ; une contemplation calme est nécessaire, s'éloignant du monde agité et se plongeant dans le monde exclusif des expériences individuelles. Le poète est libre, indépendant des conditions extérieures. Son but est d’aller là où son esprit libre le mène. La libre créativité est un exploit du poète. Et pour ce noble exploit, aucun éloge terrestre n’est nécessaire. Ils ne déterminent pas la valeur de la poésie. Il existe un tribunal supérieur, et il n'a qu'à le dire, pour évaluer la poésie comme un son doux, comme une prière. Et cette cour suprême se trouve au sein du poète lui-même. C'est ainsi que Pouchkine a déterminé la liberté de créativité et le monde individuel du poète dans la première période de son activité créatrice.

La poésie pure est élevée, sacrée, les intérêts terrestres lui sont étrangers, tant avec toutes les approbations, hymnes de louange, que censures, instructions et exigences pour ce qui leur est utile. Les poètes - partisans de l'art pur - allaient consciemment à contre-courant du flux intensifié de leur époque. Il s'agissait d'une réaction consciente contre les exigences du devoir civique et contre toutes les revendications sociales. Par conséquent, leurs thèmes sont pour la plupart choisis par des laïcs et des aristocratiques. D'où le lyrisme dominant de l'amour, le lyrisme de la nature, un vif intérêt et une attirance pour les modèles classiques, pour le monde antique (Maykov A.T.) ; poésie du chaos mondial et de l'esprit du monde Tioutchev ; aspiration vers le haut, poésie du moment, impressions directes du monde visible, amour mystique pour la nature et le mystère de l'univers.

En même temps, tous ces poètes se caractérisent par une totale indifférence à l'égard des tendances révolutionnaires et libérales qui dominaient la vie sociale de l'époque. Il est profondément logique que dans leurs œuvres on ne retrouve aucun des populaires des années 40-50. les sujets - la dénonciation du régime policier féodal sous ses divers aspects, la lutte contre le servage, la défense de l'émancipation des femmes, le problème des personnes supplémentaires, etc. n'intéressent pas ces poètes engagés dans ce qu'on appelle. thèmes « éternels » - admirer la nature, représenter l'amour, l'imitation des anciens, etc.

Ces poètes avaient leurs propres professeurs de poésie mondiale ; dans la poésie moderne, ils étaient majoritairement des romantiques allemands, proches d'eux par leur passionisme politique et esthétique. Les poètes de « l’art pur » n’étaient pas moins proches de la littérature antique, des œuvres d’Anacréon, d’Horace, de Tibulle et d’Ovide.

Analyse du poème de F.I. Tioutchev "Oh, comme nous aimons de manière meurtrière..."

"Oh, comme nous aimons meurtrièrement..." (1851) - le 3ème couplet du cycle "Denisyev", c'est-à-dire un cycle de paroles d'amour composé de quinze poèmes dédiés à Elena Alexandrovna Denisyeva. Ce poème (il se compose de dix strophes) exprime le plus pleinement l'idée de Tioutchev de l'amour comme une « rencontre fatale », comme une « terrible sentence du destin ». « Dans l'aveuglement violent des passions », un être cher détruit la joie et le charme de l'amour : « Nous détruisons bien sûr / Ce qui est cher à notre cœur !

F. I. Tyutchev pose ici le problème complexe de la culpabilité d'une personne qui, au nom de l'amour, a violé les lois du monde - les lois du mensonge et du mensonge. L’analyse psychologique de F. I. Tyutchev dans ses dernières paroles est indissociable de l’éthique, des exigences de l’écrivain envers lui-même et envers les autres. Dans le cycle « Denisyev », il s'abandonne à ses propres sentiments, tout en les vérifiant et en les analysant : quelle est la vérité, quel est le mensonge, quelle est l'illusion et même le crime. Cela se manifeste souvent dans la déclaration lyrique elle-même : dans un certain doute de soi et de sa propre justesse. « Sa » culpabilité est déjà définie dès la première ligne : « comme nous aimons de manière meurtrière », bien que dans le sens le plus général et le plus abstrait. L’« aveuglement violent des passions » et leur caractère destructeur éclairent quelque chose.

« Elle » est victime, mais pas seulement et pas tant de la passion égoïste et aveugle de son amant, mais de « l'anarchie » éthique de son amour du point de vue de la morale laïque ; Le défenseur de cette moralité légalisée par F. I. Tioutchev est la foule : « La foule, déferlante, piétinée dans la terre / Ce qui fleurissait dans son âme. / Et qu'a-t-elle réussi à sauver d'un long tourment, / Comme des cendres ? / Douleur, la douleur maléfique de l'amertume, / Douleur sans joie et sans larmes ! Ces dix quatrains sont en accord avec l'histoire d'Anna Karénine, que L.N. Tolstoï a développée en un long récit de roman.

Ainsi, dans la « lutte inégale de deux cœurs », le cœur de la femme s'avère plus tendre, et c'est donc elle qui doit inévitablement « languir » et se faner, mourir dans le « duel fatal ». La moralité publique imprègne également les relations personnelles. Selon les lois de la société, il est fort, elle est faible et il ne peut pas renoncer à ses avantages. Il se bat contre lui-même, mais aussi contre elle. C’est le sens « fatal » de leur relation, de leur amour désintéressé. "Dans le cycle de Denisiev", écrit N. Berkovsky, "l'amour est malheureux dans son bonheur même, les héros aiment et dans l'amour lui-même restent ennemis".

A la fin, Tioutchev répète le premier quatrain. Elle le répète avec une amertume redoublée, se reprochant une fois de plus que son amour soit devenu pour elle une vie de renoncement et de souffrance. » Répète-t-il avec une pause, comme s'il faisait une pause dans les sentiments qui sont venus si rapidement. Tioutchev se souvient pour la dernière fois des roses sur ses joues, du sourire de ses lèvres et de l'éclat de ses yeux, de son regard et de sa parole magiques, de son rire infantile et vif ; tire un trait sur ce qui s'est passé pour la dernière fois. En même temps, en répétant le premier quatrain, Tioutchev montre que tout se répète : chacun de ses nouvel amour traverse des difficultés similaires, et c'est un cercle vicieux dans sa vie et il ne peut en aucun cas briser ce cercle.

Tioutchev écrit en pentamètre trochée et en rimes croisées, ce qui affecte la douceur du poème, et donc la fluidité des pensées de l'auteur. Tioutchev n'oublie pas non plus la tradition odique du XVIIIe siècle : il utilise des archaïsmes (lanits, yeux, joie, renoncement, regard), dans le tout premier vers il y a une interjection « O », qui a toujours fait partie intégrante de dans les odes, un certain pathétique prophétique se fait sentir : Tioutchev semble dire que tout cela attend toute personne « bâclée » qui tombe amoureuse.

Quoi qu’il en soit, le « dernier amour » de F. I. Tioutchev, comme toute son œuvre, a enrichi la poésie russe de poèmes d’une puissance lyrique extraordinaire et d’une révélation spirituelle.

Analyse du poème de F.I. Tioutchev « Silentium ! »

Il est peu probable qu’une autre œuvre de Fiodor Ivanovitch Tioutchev (1803-1873) ait fait l’objet d’autant d’interprétations contradictoires que son brillant poème « Silentium ! (« Silence ! ») (au plus tard en 1830). Le poème « Silentium ! a été écrit en 1830 en tétramètre iambique. Le poème se compose de 18 vers, divisés en trois vers de six vers, chacun étant relativement indépendant à la fois en termes sémantiques et intonation-syntaxiques. Le lien entre ces trois parties réside uniquement dans le développement du thème lyrique. Parmi les moyens formels, comme début qui unit ces trois parties, on peut noter des rimes finales homogènes - précises, fortes, masculines, percutantes - et les dernières rimes qu'elles riment dans chacun des trois vers de six vers. La principale chose qui relie les trois parties en un tout artistique est l'intonation, oratoire, didactique, persuasive, invitante et imposante. « Tais-toi, cache-toi et cache-toi », le commandement incontestable de la toute première ligne est répété trois fois de plus, dans les trois lignes de six lignes. La première strophe est une conviction énergique, un ordre, une force volontaire.

Dans la deuxième strophe, l'énergie de pression et de dictature s'affaiblit, elle cède la place à l'intonation de conviction dont le sens est de clarifier les consignes décisives de la première strophe : pourquoi les sentiments et les rêves doivent-ils être cachés au plus profond de l'âme ? Il existe une chaîne d’évidences : « Comment le cœur peut-il s’exprimer ? / Comment quelqu'un d'autre peut-il vous comprendre ? / Comprendra-t-il pourquoi vous vivez ? / Une pensée exprimée est un mensonge. Nous parlons de sociabilité, de la capacité d'une personne à transmettre à une autre non pas ses pensées - c'est plus facile - mais la vie de son âme, de sa conscience et de son subconscient, de son esprit - ce qui n'est pas réductible à la raison, mais qui est beaucoup plus large et plus subtil. Un sentiment formalisé en pensée par un mot sera évidemment incomplet, et donc faux. La compréhension que les autres auront de vous sera également insuffisante et fausse. En essayant de raconter la vie de votre âme, vos sentiments, vous ne ferez que tout gâcher, sans atteindre votre objectif ; vous ne ferez que vous alarmer, perturber l'intégrité et la paix de votre vie intérieure : « En explosant, vous troublerez les sources, - / Vous vous nourrirez d'elles - et vous vous taisez. »

Le premier vers de la troisième strophe contient un avertissement sur le danger que représente la possibilité même d'un contact entre deux sphères incompatibles - la vie interne et externe : « Sachez simplement vivre en vous-même... ». C'est possible : « Il y a tout un monde dans votre âme / De pensées mystérieusement magiques ; / Ils seront assourdis par le bruit du dehors, / Les rayons du jour les disperseront. Les "pensées magiques mystérieuses" renvoient la pensée à la première strophe, car elles sont analogues aux "sentiments et rêves", qui, comme les êtres vivants, "tous deux se lèvent et entrent" - c'est-à-dire que ce ne sont pas des pensées, ce sont des rêves , sensations, nuances des états d'âme, constituant dans leur totalité la vie vivante du cœur et de l'âme. Ce sont eux qui peuvent être « assourdis » par le « bruit extérieur », dispersés par les « rayons » « diurnes » - toute la confusion de l'agitation « diurne » de la vie. Nous devons donc les protéger au plus profond de notre âme ; seulement là, ils conservent leur harmonie, leur structure, leur « chant » de consonnes : « Écoutez leur chant - et taisez-vous !

21. Image romantique et détails réalistes dans la poésie de Fet.

une certaine tradition de poésie romantique"poésie des indices."L’inexprimable n’est que le thème de la poésie de Fet, mais pas une propriété de son style. dans le monde artistique de Fet, l'art, l'amour, la nature, la philosophie, Dieu - tout cela sont des manifestations différentes de la même force créatrice - la beauté.

A. Fet s'intéressait à la philosophie allemande ; les opinions des philosophes idéalistes, en particulier de Schopenhauer, ont eu une forte influence sur la vision du monde du poète en herbe, qui s'est reflétée dans l'idée romantique de deux mondes, qui a trouvé son expression dans les paroles de Fet.

La créativité de Fet se caractérise par le désir de s'échapper de la réalité quotidienne vers le « royaume lumineux des rêves ». Le contenu principal de sa poésie est l'amour et la nature. Ses poèmes se distinguent par la subtilité de leur ambiance poétique et leur grande compétence artistique. La particularité de la poétique de Fet est que la conversation sur le plus important se limite à une allusion transparente. L’exemple le plus frappant est le poème « Chuchotement, respiration timide… »

Fet est un représentant de la poésie dite pure. À cet égard, tout au long de sa vie, il s'est disputé avec N.A. Nekrasov, un représentant de la poésie sociale.

Avec des paroles paysagères d'A.A. La feta est inextricablement liée au thème de l'amour. Les paroles d'amour de Fet se distinguent par leur richesse émotionnelle ; elles contiennent de la joie et des notes tragiques, un sentiment d'inspiration et un sentiment de désespoir. Le centre du monde pour le héros lyrique est sa bien-aimée. (« Chuchotement, respiration timide », « Ne la réveille pas à l'aube », « J'aime toujours, je languis encore... », etc.). Le prototype de l'héroïne lyrique Fet était la fille d'un propriétaire foncier serbe Maria Lazic. Fet a gardé toute sa vie le souvenir de sa bien-aimée tragiquement décédée. Elle est présente dans son paroles d'amour comme une belle image-souvenir romantique, un « ange lumineux de douceur et de tristesse ». L'héroïne lyrique sauve le poète de la vanité du quotidien (« Comme un génie toi, inattendu, élancé, / Une lumière s'est envolée du ciel vers moi, / Tu as humilié mon esprit agité... »).

L’état émotionnel du « je » lyrique des poèmes de Fet n’a pas non plus de biographie externe (sociale, culturelle et quotidienne) ni interne claire et peut difficilement être désigné par le terme habituel de héros lyrique.

Peu importe ce que Fet écrit, l'état dominant de son « je » lyrique sera toujours le plaisir et l'admiration pour l'inépuisabilité du monde et de l'homme, la capacité de ressentir et d'expérimenter ce qu'il a vu comme pour la première fois, avec un nouveau , je viens de naître. (poème « J'attends », 1842) On pourrait penser que le héros attend sa bien-aimée, mais l'état émotionnel du « je » lyrique de Fet est toujours plus large que la raison qui l'a provoqué. Et maintenant, sous les yeux du lecteur, l’attente tremblante d’une rencontre intime se transforme en une jouissance tremblante des beaux moments de l’existence. En conséquence, on a l'impression d'une fragmentation délibérée, d'une intrigue brisée du poème.

A. A. Fet ressent intensément la beauté et l'harmonie de la nature dans sa fugacité et sa variabilité. Ses paroles paysagères contiennent de nombreux détails infimes de la vie réelle de la nature, qui correspondent aux manifestations les plus diverses des expériences émotionnelles du héros lyrique. Par exemple, dans le poème « C'est encore une nuit de mai », le charme d'une nuit de printemps crée chez le héros un état d'excitation, d'attente, de désir et d'expression involontaire de sentiments :

Quelle nuit ! Chaque étoile

Chaleureusement et docilement, ils regardent à nouveau l'âme,

Et dans l'air derrière le chant du rossignol

L'anxiété et l'amour se propagent.

Dans chaque strophe de ce poème, deux concepts opposés se combinent dialectiquement, qui sont dans un état de lutte éternelle, évoquant à chaque fois une nouvelle ambiance. Ainsi, au début du poème, le nord froid, le « royaume des glaces », non seulement s'oppose au printemps chaud, mais en fait également naître. Et puis deux pôles surgissent à nouveau : d'un côté, la chaleur et la douceur, et de l'autre, « l'anxiété et l'amour », c'est-à-dire un état d'anxiété, d'attente, de vagues pressentiments.

Un contraste associatif encore plus complexe entre les phénomènes naturels et la perception humaine de ceux-ci se reflète dans le poème « Un feu brûle dans la forêt avec un soleil éclatant ». Voici une image réelle et visible dans laquelle les couleurs vives sont extrêmement contrastées : rouge feu flamboyant et noir charbon. Mais à côté de ce contraste saisissant, il en existe un autre, plus complexe, dans le poème. Par une nuit sombre, le paysage est lumineux et coloré :

Un feu brûle dans la forêt avec le soleil éclatant,

Et, en rétrécissant, le genévrier craque,

Un chœur bondé comme des géants ivres,

La forêt d'épicéas est stupéfiante, rougie.

Le poème qui ressemble le plus à Fetov, reflétant son individualité créatrice, est peut-être « Chuchotement, respiration timide... » Il a étonné les contemporains du poète et continue toujours de ravir et d'enchanter les nouvelles générations de lecteurs par sa richesse psychologique avec le laconisme maximum des moyens d'expression. . Il y a là une absence totale d'événementiel, renforcée par l'énumération muette d'impressions trop personnelles. Cependant, chaque expression ici est devenue une image ; en l’absence d’action, il y a un mouvement interne. Et cela réside dans le développement compositionnel sémantique du thème lyrique. Voici d’abord les premiers détails discrets du monde nocturne :

Chuchotement, respiration timide, Trille d'un rossignol,/ Argent et balancement/ d'un ruisseau endormi...

Puis, de grands détails plus lointains, plus généralisés et vagues, brumeux et vagues, entrent dans le champ de vision du poète :

Veilleuse, ombres nocturnes, / Ombres sans fin, / Une série de changements magiques / D'un doux visage.

Dans les dernières lignes, des images spécifiques et généralisées de la nature fusionnent pour former un tout immense : le ciel couvert de l'aube. Et l'état interne d'une personne est également inclus dans cette image tridimensionnelle du monde en tant que partie organique de celui-ci :

Il y a des roses violettes dans les nuages ​​enfumés,

Le reflet de l'ambre

Et des baisers et des larmes,

Et l'aube, l'aube !..

Autrement dit, nous voyons ici l'évolution de l'humanité et plans naturels, bien que l’élément analytique soit totalement absent, seulement un enregistrement des sentiments du poète. Il n'y a pas de portrait précis de l'héroïne, seulement des signes vagues et insaisissables de son apparition dans la perception subjective de l'auteur. Ainsi, le mouvement, la dynamique des sentiments insaisissables et fantaisistes transmettent le monde complexe de l'individu, évoquant un sentiment de fusion organique de la vie naturelle et humaine.

La poésie des années quatre-vingt se caractérise par la combinaison de deux principes : l'éclatement du « néo-romantisme », la renaissance d'un vocabulaire poétique élevé, l'énorme croissance de l'influence de Pouchkine, la reconnaissance définitive de Fet, d'une part, et d'autre part. l'autre, l'influence évidente de la prose russe réaliste, principalement de Tolstoï et de Dostoïevski (en particulier, bien sûr, la compétence de l'analyse psychologique). L'influence de la prose est renforcée par la propriété particulière de cette poésie, son caractère rationaliste et enquêteur, héritage direct des Lumières des années soixante.

Parallèlement à une inclination générale vers les faits, vers une analyse psychologique approfondie, ces poètes ont une inclination sensiblement accentuée vers détail réaliste et précis introduit dans le verset. Avec l'attraction mutuelle aiguë de deux pôles - le réaliste, voire naturaliste, et l'idéal, romantique - le détail réaliste lui-même apparaît dans une atmosphère conventionnellement poétique, entouré des clichés romantiques habituels. Ce détail, avec son naturalisme et sa fantaisie, n'est pas tant corrélé aux réalisations de l'ère poétique réaliste précédente qu'aux concepts esthétiques de l'ère à venir de décadence et de modernisme. Un détail aléatoire qui viole les proportions de l'ensemble et des parties est un trait stylistique caractéristique de cette époque de transition : le désir de trouver et de capturer la beauté non pas dans la beauté éternelle, sanctifiée par le temps et l'art, mais dans l'accidentel et l'instantané.

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Gaponenko, Petr Adamovitch. Poésie de « l'art pur » : traditions et innovation : mémoire... Docteur en philologie : 10/01/01 / Gaponenko Petr Adamovich ; [Lieu de soutenance : Établissement d'enseignement fédéral d'État d'enseignement professionnel supérieur « Université d'État de Moscou »]. - Moscou, 2011. - 377 p. : ill.

Introduction

Chapitre I. Les AA Fet. Esthétique et poétique. Connexions créatives avec F.I. Tioutchev et I.S. Tourgueniev 46

1. La philosophie de la beauté de Fetov et sa relation avec la tradition de Pouchkine 46

2. Portrait créatif de Fet dans deux messages poétiques 57

3. Nouveauté du langage métaphorique de Fet 66

4. La nature dans le monde poétique de Fet et Tioutchev. Similitudes et différences dans les vues philosophiques naturelles des poètes 75

5. La nature et l'homme dans les œuvres de Fet et Tourgueniev : typologie des situations esthétiques du poète et prosateur 85

Chapitre II. Monde esthétique A.K. Tolstoï 109

1. Tolstoï dans les appréciations des critiques et le travail des écrivains 109

2. Le début du parcours créatif de Tolstoï 122

3. Méthode artistique et processus créatif de Tolstoï le poète 135

3.1 Discours et forme de genre des poèmes de Tolstoï 135

3.2 Principes de travail sur une image artistique 143

3.3 L’intuition romantique de Tolstoï 151

3.4 Tolstoï en tant que maître du vers 158

4. Tolstoï et la tradition poétique 166

Chapitre III. Sphères de « l'idéal » et du « réel » dans les œuvres d'A.N. Maykov 187

1. La parole poétique d'A.N. Maykova et F.I. Tioutcheva 187

2. Le cycle poétique de Maïkov « Excelsior » : idées, images, poétique 193

3. Rêve et réalité dans les paroles de Maykov 202

4. L'épopée de Maykov : les poèmes « Le Vagabond » et « Rêves » et le « drame lyrique » « Trois morts » 216

4.1 Poétique du poème « Le Vagabond » 216

4.2 L'idéal moral et esthétique du poète dans le poème « Rêves » 226

4.3 Le concept historique de Maykov dans le « drame lyrique » « Trois morts » 237

Chapitre IV. Ya.L. Polonsky et « l’art pur » : attraction et répulsion 264

1. Cycle « caucasien » de poèmes de Polonsky : idées, motifs, images 264

2. La formation du système poétique de Polonsky. Particularités de la vision du monde du poète 277

3. Quêtes spirituelles et morales de feu Polonsky 295

Chapitre V « Fetovskoe » et « Nekrasovskoe » dans les œuvres d'A.H. Apoukhtine 306

1. Caractéristiques du contenu de la poésie d’Apoukhtine. Principes de conscience et de représentation de la vie 306

2. Le genre de la nouvelle psychologique dans les œuvres d'Apukhtin et de Polonsky. Liens avec la prose psychologique réaliste russe 319

3. Apoukhtine et tradition poétique 330

Conclusion 350

Littérature 360

Introduction au travail

« L’art pur, ou « l’art pour l’art », comme l’interprète le concept moderne. » Encyclopédie littéraire termes et concepts » est un nom conventionnel pour un certain nombre d’idées et de concepts esthétiques, dont la caractéristique extérieure commune est l’affirmation de la valeur intrinsèque de la créativité artistique, l’indépendance de l’art par rapport à la politique, aux exigences sociales et aux tâches éducatives 1.

En règle générale, les concepts d’« art pur » sont une réaction à l’« utilitarisme » croissant de certaines écoles et mouvements ou aux tentatives de subordonner l’art au pouvoir politique ou à la doctrine sociale.

Les origines du mouvement de « l'art pur » dans la littérature russe remontent aux années 40 du XIXe siècle, lorsque ses principaux représentants ont commencé leur activité poétique. A cette époque, la poésie « pure » aux yeux du public pouvait encore en partie être évaluée comme le résultat d'une opposition passive aux autorités, mais à partir du milieu des années 50, les slogans de « l'art pur » sont devenus militants, ils ont été polémiquement opposés. à « l’école naturelle » ou à la « direction gogolienne ».

À partir de la seconde moitié du XIXe siècle, le sujet de controverse le plus aigu fut les jugements de Pouchkine sur la liberté de l'artiste, exprimés dans les poèmes « Le poète », « Le poète et la foule », « Au poète » et d'autres. Les opposants à la « direction gogolienne » (A.V. Druzhinin, S.S. Dudyshkin, P.V. Annenkov) ont absolutisé certaines formules lyriques du poète (« Pas pour l'excitation quotidienne », etc.), les faisant passer pour le motif principal de l'esthétique de Pouchkine et ignorant leur signification historique spécifique. Ils réduisirent la sensation synthétique de Pouchkine à son premier membre, la déchirèrent en thèse et antithèse.

Rejetant résolument « l’art pour l’art », N.G. Chernyshevsky et N.A. Dobrolyubov, en raison de ses limites bien connues, de sa nature métaphysique et de son parti pris polémique, n'a pas révélé l'étroitesse de l'interprétation esthétique d'un certain nombre d'œuvres de Pouchkine par les partisans de la théorie du « talent artistique » et a tourné sa critique contre le poète lui-même, reconnaissant lui seulement comme un grand maître de la forme.

Les contemporains incluaient les AA dans ce qu'on appelle l'école de « l'art pur ». Feta, A.N. Maïkova, A.K. Tolstoï, N.F. Shcherbin, L.A. Meya, Ya.P. Polonsky, A.N. Apoukhtina, A.A. Golenishcheva-Kutuzova, K.K. Sluchevsky, K.M. Fofanova et autres.

Dans la thèse, nous n'en considérons que cinq, à savoir Fet, Tolstoï, Maikov, Polonsky, Apukhtin. Le choix des personnalités est dicté à la fois par la signification et la représentativité de ces noms, et par la présence dans l'œuvre de ces poètes de traits caractéristiques et de particularités bien tangibles inhérents à la poésie « pure ». Presque tous ces poètes sont comparés dans leur travail de thèse avec F.I. Tioutchev, cependant, ne s'inscrit pas complètement dans le programme esthétique de l'école de « l'art pur », bien que dans certains aspects de l'activité poétique il entre en contact avec celui-ci. En général, les paroles de Tioutchev sont des paroles tragiques parallèlement au roman tragique de F.M. Dostoïevski, et lui-même, se sont retrouvés, pour ainsi dire, au-dessus du temps, au carrefour historique le plus complexe de la Russie et de l'Occident, résolvant les principales « damnées », les « dernières » questions.

La poésie de « l'art pur », en tant qu'une des branches de la poésie russe du milieu et de la seconde moitié du XIXe siècle, constitue une direction particulière de la littérature, très fructueuse et interagissant activement avec la prose classique russe, la complétant de nombreuses manières. Si la prose résolvait le problème de l'homme sur un matériau socio-historique spécifique, sans pour autant ignorer les aspects humains universels de la personnalité des héros, alors la poésie de « l'art pur » cherchait à le résoudre à une échelle universelle, à partir d'une perspective métaphysique. position. Le moyen d'affirmation de soi d'une personnalité créatrice était la recherche de moyens non conventionnels d'incarnation artistique du thème ontologique de la relation entre l'homme et le principe métaphysique unifié. Les poètes ont développé leur forme poétique, pointue et originale, dans un souci de prose psychologique.

Il y a beaucoup de points communs dans la vision du monde et les principes esthétiques des représentants de la poésie « pure » - ce qui les rassemble et constitue l'essence du mouvement, sa physionomie. Il s'agit d'un degré plus ou moins grand de méfiance à l'égard du camp démocrate, d'une compréhension générale de l'essence et des tâches de l'art, d'une distinction stricte entre le « bas » et le « poétique » dans la réalité, d'une orientation vers un cercle de lecteurs relativement restreint, opposition de la réalité au monde libre des rêves poétiques, concentration sur la représentation du monde intérieur de l'homme, immersion dans les profondeurs de l'esprit, intérêt intense pour les passions, les secrets de l'âme humaine, soif d'intuitif et d'inconscient, attention accrue au individuel, unique chez une personne.

Dans leur œuvre, les poètes de « l'art pur » ont été d'une manière ou d'une autre influencés par certains philosophes - Platon, Schelling, Schopenhauer, Vl. Soloviev avec leur attention particulière jusqu'aux profondeurs irrationnelles de la psyché, le désir de fournir un fondement logique et gnoséologique fiable à la métaphysique de « l'être tout-un ».

L’art est la seule forme désintéressée de connaissance, fondée sur l’essence contemplative des choses, c’est-à-dire les idées. Les A.A. le pensaient. Fet. Pour A.K. L'art de Tolstoï est un pont entre monde terrestre et « d'autres mondes », le chemin de la connaissance de l'éternel et de l'infini sous les formes de la réalité terrestre. Des opinions similaires étaient partagées par A.N. Maikov et d'autres poètes.

Les paroliers « purs » se caractérisent par la tranquillité et l’idyllicité. On peut dire que l’une des constantes de leur vision holistique du monde est un chronotope idyllique, qu’ils ont interprété de différentes manières au cours du processus créatif. Le topos idyllique est devenu la dominante structurante et signifiante de l’image artistique du monde des poètes. À l'échelle paneuropéenne, l'école de « l'art pour l'art » était analogue à des phénomènes tels que le groupe des « Parnassiens » en France ou les préraphaélites en Angleterre, qui rejetaient la société capitaliste moderne du point de vue de l'esthétisme pur. .

L'œuvre des poètes appartenant au mouvement de « l'art pur » ne rentre pas dans ces cadres, et en général il est impossible d'assimiler les déclarations esthétiques des poètes à leur pratique créatrice. Tout en déclarant l’art isolé des problèmes sociopolitiques modernes, ils n’ont pas systématiquement adhéré à ces principes. En pratique, aucun d'entre eux - ni Fet, ni Maikov, ni A.K. Tolstoï, ni Polonsky ni Apoukhtine, était un contemplateur impartial de la vie.

Tous ces poètes cherchaient à trouver la beauté dans le terrestre et l'ordinaire, à voir l'idéal et l'éternel dans le quotidien et le transitoire. La source de créativité peut être « la musique de Dubrova » (« Octave » de A. Maykov), et une promenade dans la forêt d'automne (« Quand toute la nature tremble et brille... » de A.K. Tolstoï), et « un samovar qui a été rechargé plus d'une fois », et la « casquette et les lunettes » de la vieille femme (« Village » de A. Fet), et une dispute insensée entre amis (« Querelle » de A. Apukhtin). La muse apparaît au poète sous les traits d'une jolie fille tout à fait terre-à-terre (« Muse » de A. Fet), erre avec lui dans les rues de la ville (« Muse » de Ya. Polonsky).

La méfiance de longue date à l’égard des paroliers « purs » ne s’explique pas par le contenu de leur œuvre en tant que telle. Un rôle fatal dans leur destin a été joué par le fait qu'ils ont tenté de faire revivre la liberté de la poésie, son indépendance des besoins pratiques et du « dépit du jour » dans une situation dramatique - une situation que Dostoïevski dans son article « G.- Bov et la question de l'art » comparé assez sérieusement au tremblement de terre de Lisbonne. Le monde était divisé en deux camps, chacun cherchant à mettre la poésie au service de ses besoins et de ses exigences.

Les travaux de nombreux scientifiques ont révisé de manière décisive les clichés habituels dans la caractérisation de ces poètes importants de cette époque difficile. Les œuvres d'éminents érudits littéraires D.D. Blagogo, B.Ya. Bukhshtaba, V.V. Kozhinova, B.O. Korman, N.N. Skatova, B.M. Eikhenbaum, I.G. Yampolsky a créé une base d'étude textuelle et source pour résoudre de nombreux problèmes associés au travail des poètes de « l'art pur », y compris les problèmes qui nous intéressent particulièrement : la continuité et l'innovation.

Les dernières recherches ont considérablement enrichi notre compréhension de la place de chacun des poètes dans l'histoire de la culture et de la poésie russes, du caractère unique de leurs systèmes poétiques, de leurs vues esthétiques, etc. Les chercheurs ne sont pas attirés avant tout par l'idéologie, mais par cette « liberté secrète » dont parlait A. Blok.

Dans la communauté scientifique, il y a eu une tendance vers une compréhension approfondie de l'essence et de l'indépendance des systèmes poétiques créés par les artistes de mots et mondes artistiques, comprendre comment un seul et même motif dans le système artistique d’un auteur particulier se développe en un complexe figuratif particulier, dont l’analyse ouvre la voie à l’identification de la manière créatrice du poète.

Pour dernièrement des recherches sont apparues : à propos de Fet - A.A. Faustov « Le cercle secret : vers la sémantique de la liberté chez A. Fet » (Revue philologique - Numéro 9. - Voronej, 1997), A.V. Uspenskaya « Poésie anthologique des A.A. Feta" (Bibliographie de l'Académie russe des sciences, Saint-Pétersbourg, 1997), N.M. Arsenyakova « Paroles de A.A. Feta : Intermédiaire. aspects de la poétique » (Orenbourg : OGPU, 2003) et « Problèmes de poétique des A.A. Feta : un manuel pour les étudiants universitaires..." (Orenbourg : OGPU, 2004), L.M. Rosenblum : « Fet et l'esthétique de « l'art pur » (Dans le livre : « A.A. Fet et son environnement littéraire. » – M. : IMLI RAS, 2008). (Lit. héritage. T. 103. Livre 1); I.A. Kuzmina « Matériaux pour la biographie de Fet » (littérature russe. – 2003. – N° 1) ; sur l'œuvre des poètes de la fin du XIXe siècle L.P. Shchennikova « Néo-romantisme poétique russe des années 1880-1890 : esthétique, mythologie, phénoménologie » (Saint-Pétersbourg, 2010). Des thèses sont également consacrées à l'héritage créatif des poètes de « l'art pur ».

Si nous résumons les différentes évaluations et conclusions contenues dans les recherches des scientifiques les plus récents concernant le concept d’« art pur », nous pouvons déduire la définition suivante de ce mouvement littéraire. « L'art pur » est un art « expédient sans but », inspiré par un idéal sublime, adressé en premier lieu aux problèmes substantiels de l'existence, à la compréhension de l'essence la plus intime du monde, l'art, libre de tout but extérieur, faisant appel au principe transcendantal de la personnalité humaine comme porteur de liberté absolue et de spiritualité absolue.

Dans les derniers travaux de théorie littéraire, on trouve un usage différencié du terme « art pur », comme libre, d'une part, d'une orientation didactique, et d'autre part, comme un art qui revendique « l'autonomie... isolé de l'orientation didactique ». réalité extra-artistique » 1 .

Dans notre thèse, nous avons essayé de nous concentrer sur des questions mal comprises et controversées au sein de la communauté scientifique. Nous ne nous fixons pas pour tâche de donner une analyse systématique et cohérente de l'œuvre de tel ou tel poète. Nous nous intéressons principalement à leur poétique, leur système artistique, leur processus créatif, leur méthode. Le choix d'une analyse détaillée de certains poèmes d'un poète particulier est dicté par la volonté d'identifier la composante philosophique et esthétique de la créativité et est subordonné non pas tant à la justification de la continuité entre les œuvres, mais à la clarification des attraits fonctionnels entre eux.

Tige nodale problèmes les thèses sont continuité, innovation, implication poètes classiques étudiés Tradition Pouchkine, psychologisme comme l'élément le plus essentiel de leur style créatif. Ces questions sont une sorte de « renfort », grâce auquel nos observations sur la poétique des A.A. Fet et A.K. Tolstoï, Ya.P. Polonsky et A.N. Maïkova, A.N. Apukhtin forme une image complète, permettant de voir clairement à la fois les choses communes qui les unissent et les choses uniques qui composent la physionomie créatrice de chacun.

Ces problèmes sont révélés sur la base des principes méthodologiques d'A.S. Bushmina, D.D. Blagoy, articles publiés dans la collection « La tradition artistique dans le processus historique et littéraire » (LGPI, 1988), B.A. Gilenson, T.N. Guryeva, recherches sur l'œuvre des poètes de « l'art pur » (N.N. Skatov, V.I. Korovin, V.A. Koshelev, V.N. Kasatkina, L.M. Rosenblum, A.I. Lagunov, N.P. Kolosova, N.P. Sukhova, A.V. Uspenskaya, M.V.

De nombreux poètes de l'école de « l'art pur » se considéraient comme les héritiers de Pouchkine et, objectivement, avec certaines restrictions inévitables, ils poursuivirent les traditions de leur grand professeur. Plus important encore, par rapport à la poésie, pour comprendre son rôle ministres, effectuant devoir, - ils l'ont certainement suivi. Même si, bien entendu, leurs liens avec le fondateur de la nouvelle poésie russe avaient des limites.

La thèse examine également les réflexions de M.Yu. Lermontova, V.A. Joukovski, K.N. Batyushkova, E.A. Boratynsky, F.I. Tyutchev dans les œuvres des poètes qui nous intéressent.

Il existe une difficulté bien connue problème de méthode artistique des paroliers « purs » en raison de son développement insuffisant et de son caractère discutable. Nous avons étudié cette question plus ou moins en profondeur à l'aide de l'exemple des travaux d'A.K. Tolstoï. Il s'est avéré que dans un système complexe d'interdépendance, d'influence mutuelle de la base thématique, du contenu figuratif et idéologique, de la forme genre-discours - toutes ces composantes de l'œuvre - réside l'essence artistique et esthétique du type de créativité romantique.

En général, la méthode créatrice des poètes que nous étudions est une fusion complexe et hautement artistique d'éléments hétérogènes, où le principe romantique est encore déterminant. Cependant, l'accent mis par la poésie sur la réalité, les « racines terrestres » de la vie, la plasticité des images de la nature et les associations poétiques populaires rapprochent les poètes du réalisme du XIXe siècle. Dans le même temps, le système de poésie romantique d’A. Maykov entre en contact avec le néoclassicisme, et celui de Fet avec le symbolisme et l’impressionnisme.

Associé à la méthode créative style artistique. Chacun des poètes, outre les traits stylistiques génériques qui le caractérisent en tant que représentant de l'école de « l'art pur », est également doté de sa propre signature stylistique. Fet, par exemple, se tourne vers un mot sémantiquement mobile, vers ses connotations et ses associations fantaisistes. Maikov, précis et clair dans l'usage des mots, dans le rendu des couleurs et des sons, confère au mot une certaine beauté, l'esthétise. L’associativité de la pensée poétique, multipliée par le « sens » de l’histoire et compliquée par une corrélation consciente avec le monde artistique de Pouchkine et d’autres poètes, a prédéterminé la profonde originalité du style stylistique d’A.K. Tolstoï. Son penchant pour les couleurs épaisses et vives se conjugue aux demi-teintes et aux allusions. La vie quotidienne - et une percée métaphorique dans la sphère de l'idéal, menant à une perspective profonde, élargissant l'espace de l'âme du poète - tels sont les signes du style individuel de Polonsky. Un ensemble de phraséologie et de vocabulaire traditionnels - et une percée dans le privé, le constructif et le concret - sont les caractéristiques du style stylistique d'Apoukhtine.

La thèse parle également de la nature psychologisme poètes romantiques, sur l'impact de la poésie, avec sa capacité à élargir et à généraliser les significations, les concepts et les idées qui y sont inhérents, sur la prose d'I.S. Tourguenieva, L.N. Tolstoï, F.M. Dostoïevski.

Grâce à leur capacité à capturer la vie mentale subtile et fragile, les poètes anticipaient la « dialectique de l’âme » de Tolstoï, la psychologie « secrète » de Tourgueniev et la découverte par Dostoïevski de l’analyse psychologique dans le domaine de la vie mentale. La personnification romantique dans les paroles de Fet (ainsi que de Tioutchev) a suscité de nombreux adeptes parmi les écrivains réalistes russes, principalement I.S. Tourgueniev. Cela se reflétait, par exemple, dans le transfert de traits subtils de la nature, dans l'élévation des relations avec la nature jusqu'à sa spiritualisation philosophique. Ce n’est pas un hasard si les contemporains considéraient que la qualité caractéristique de Tourgueniev était la « poésie », c’est-à-dire l’attention portée aux mouvements « idéaux » de l’âme. Sous l'influence de Fet dans la prose de L.N. Tolstoï, une sorte d'« insolence » lyrique est apparue, remarquée par B.M. Eikhenbaum (Voir son ouvrage « Léon Tolstoï. Les années soixante-dix. » - L., 1960. - P. 214-215).

À leur tour, les poètes eux-mêmes ont pris en compte les réalisations de la prose psychologique russe. À propos, ils écrivaient de la prose en même temps que de la poésie. Ils étaient attirés vers elle par une soif de psychologisme artistique détaillé, la capacité de Tolstoï à capturer et à consolider en un mot une nuance psychologique volatile, une nuance d'humeur. La psychologisation de la littérature était une expression particulière du vaste processus d’émancipation personnelle en Russie au XIXe siècle.

Dans un large contexte historique et littéraire, nous examinons les passions intellectuelles artistiques, esthétiques et spirituelles des poètes dans le contexte des quêtes et des luttes littéraires de leur époque plutôt difficile. Nous avons essayé, cependant, de ne pas nous isoler dans un cercle étroit de contextes et de sous-textes, toutes ces « analyses intertextuelles », en rappelant que les poèmes ne naissent pas de la poésie, mais de ces traumatismes et meurtrissures que la vie laisse dans l’âme du poète. « Le pouvoir créateur ne forge sa couronne qu'à partir de l'angoisse mentale » (A. Maikov).

La pertinence de nos recherches est conditionné à la fois par la situation culturelle moderne, inimaginable sans l'œuvre de poètes importants de « l'art pur », et par la nécessité de créer une image holistique de ce phénomène phénoménal de la littérature russe en tant qu'unité esthétique et philosophique. Le fait que, dans la perception de nos contemporains, les poètes de l'école Nekrasov et les représentants de la poésie « pure » ne s'opposent plus, mais l'un se complète, n'est pas négligeable.

Le but de notre travail est identifier les caractéristiques de la réfraction et du fonctionnement de la tradition classique dans l'œuvre des poètes étudiés, révéler la notion de personnalité dans leur œuvre, l'originalité de la méthode et du style artistiques, compléter et clarifier leur littérature, esthétique et contextes idéologiques. Pour y parvenir, les éléments suivants sont définis : tâches :

déterminer les définitions par lesquelles se révèle l'individualité créatrice et qui ne sont pas un ensemble arbitraire de caractéristiques, mais un paradigme, identifier ce qui est invariant pour chacun des poètes ;

montrer l'indépendance des systèmes poétiques et des mondes artistiques créés par des paroliers « purs » partageant des idéaux philosophiques, éthiques et esthétiques communs ;

considérez les liens créatifs dans lesquels les poètes étaient les uns avec les autres ;

Étudier les compositions lyriques, le mouvement du temps artistique, la composition métaphorique des textes ;

montrer l'implication organique des poètes dans la tradition classique de Pouchkine.

Dispositions fondamentales soumises pour défense.

1. De nombreux poètes appartenant au mouvement de « l'art pur », dans leur pratique poétique, ont souvent violé ses principes et principes. D'un autre côté, tous n'étaient pas également caractérisés par littéralement toutes les caractéristiques et tendances de la direction considérée ; Cela ne signifie pas du tout que la direction elle-même cesse pour cela d’être un phénomène historique réel et concret. Cela a été compris par ses contemporains, tant ceux qui sympathisaient avec lui que ses opposants.

2. La véritable base de la créativité des paroliers « purs », en fin de compte, n'est pas le monde des « idées éternelles », des « prototypes » (qu'ils répétaient inlassablement et de manière polémique dans leurs déclarations esthétiques), mais le monde des phénomènes, le monde réel (dans lequel ils sont connus pour ignorer les conflits sociaux). Leur œuvre ne peut être complètement séparée du développement du réalisme russe, bien que dans certaines limites. Le concept d'« art pur » englobe une grande partie de ce qui a fait la renommée de la littérature russe au cours de la période de division sociale aiguë des années 50 et 70 du XIXe siècle : le réalisme (comme manière de représenter la vie) et la spiritualité romantique (psychologisme) de l'image, et le lien le plus subtil avec les quêtes spirituelles et morales de l'homme, et la protection de la liberté, de la beauté, la poétisation des possibilités créatrices de l'individu et, enfin, la « pureté » elle-même, c'est-à-dire la perfection des formes de créations artistiques.

3. En réduisant l'évaluation de chacun des poètes à clarifier les propriétés individuelles d'un talent poétique donné à ce qui constitue la particularité personnelle de son monde poétique intérieur, il faut en même temps prendre en compte la dépendance interne du poète vis-à-vis du précédent mouvement historique de la littérature et les diverses relations dans lesquelles il se trouvait avec ses frères dans l'atelier de poésie.

4. Les vues politiques et philosophico-esthétiques, ainsi que les caractéristiques de la vision du monde, déterminent la nature du « je » lyrique qui unit les poèmes d'un poète particulier dans la perception du lecteur. Quant aux poètes du mouvement considéré, pour beaucoup d'entre eux, l'un des traits remarquables du « je » lyrique est l'accent mis constamment sur la relation de ce dernier avec l'univers, avec le cosmos, et le thème « Je et le cosmos ». » est souvent contrasté avec le thème « Moi et la société », « Moi et les gens ». Le « je » lyrique et son environnement naturel sont indissociables d'un socle commun, ils vont dans une seule source d'être, dans une seule racine de vie. Dans le système lyrique d'un tel poète romantique, l'essentiel n'est pas l'image directe d'une personne, mais une certaine vision de la réalité qui organise l'image poétique.

5. La nature de la méthode artistique des poètes étudiés : la méthode est fondamentalement romantique, mais enrichie d'éléments de réalisme, et dans d'autres cas – de néoclassicisme (A. Maikov) et d'impressionnisme et de symbolisme (A. Fet).

6. Le psychologisme de l'œuvre lyrique des poètes qui ont été influencés par la prose psychologique russe et, à leur tour, ont influencé la prose avec son attention croissante aux « détails du sentiment » est une caractéristique importante de leur manière créative. À la suite d'une telle interaction, non seulement la poésie lyrique des poètes s'est enrichie, mais elle a elle-même eu une forte influence sur le caractère de la prose. En poésie, en règle générale, prévaut la synthèse, une combinaison audacieuse de détails poétiques avec une large généralisation - des qualités qui ont particulièrement attiré les prosateurs.

7. « L'art pur » a joué un rôle important dans la formation du symbolisme et d'autres mouvements modernistes à la fin du XIXe siècle. Dans les écoles littéraires nées après le symbolisme (ego-futurisme, imagisme et en partie acméisme), l'idée de « l'art pur » s'est essentiellement épuisée sur le sol russe.

Signification théorique et nouveauté scientifique travail est qu'il - en tenant compte des définitions privées formulées par les scientifiques - donne sa propre définition du concept d'« art pur », qui prend en compte autant que possible la complexité de ses caractéristiques typologiques, mais n'en dissout pas l'essence conceptuelle. complexité. La question a été clarifiée sur les caractéristiques et les tendances qui nous permettent de parler de l'appartenance réelle des poètes à la direction appelée « l'art pur » ou « l'art pour l'art ». Les thèses apportent des précisions et des ajouts à des problèmes tels que la philosophie de la beauté et de l'harmonie universelle dans les travaux de A. Fet et I.S. Tourgueniev et sa relation avec la tradition Pouchkine ; évolution de la méthode artistique d'A.K. Tolstoï ; l’originalité du romantisme de Maïkov, revêtu de formes strictement « classiques », mais non réduit à la contemplation passive ; interaction entre poésie et prose ; spécificité du genre de la nouvelle poétique-psychologique.

Sujet de recherche– le problème de la continuité des liens et des aspirations innovantes dans l'œuvre des poètes de « l'art pur ».

Objet d'étude est l'œuvre lyrique des poètes, dans certains cas - des œuvres épiques et dramatiques (poèmes « Rêves », « Vagabond », « drame lyrique » « Trois morts » de Maykov).

Base méthodologique de la thèse a servi de développements théoriques aux chercheurs sur les modalités d'étude du texte d'une œuvre d'art, sur le système lyrique et le héros lyrique, sur le problème de l'auteur dans la poésie lyrique, sur les fondements de la poétique réaliste et romantique, sur le romantisme comme méthode et en tant que système artistique (œuvres de V. Vinogradov, G. Vinokur, O. Larmina, A. Fedorova, A. Chicherina, L. Ginzburg, Y. Lotman, S. Kibalnik, V. Toporov, Y. Lebedeva, V . Kotelnikova, S. Fomichev, F. Stepun...).

En développant les positions philosophiques et vision du monde des poètes, nous nous appuyons sur les constructions philosophiques de Platon, Schelling, Schopenhauer, Vl. Solovieva.

Méthodes de recherche. L'ouvrage utilise les principes d'une analyse holistique des œuvres d'art en étroite interdépendance avec des méthodes historico-littéraires, comparatives-typologiques et systématiques.

Importance scientifique et pratique du travail est que ses résultats peuvent être utilisés dans l'élaboration de cours généraux et spéciaux sur l'histoire de la littérature russe du milieu et de la seconde moitié du XIXe siècle.

Approbation des résultats de travail obtenus a été réalisée sous forme de rapports lors de conférences scientifiques interuniversitaires à l'Université d'État de Kalinin (1974, 1979), à l'Institut pédagogique d'État de Kuibyshev (1978), à l'Université d'État de Kaliningrad (1994), ainsi qu'à une conférence scientifique à l'Université d'État d'Oryol consacrée à la 180e anniversaire de la naissance d'A. Fet (2000), et Lectures pédagogiques à l'Institut de formation avancée des enseignants d'Orel, dédiées aux écrivains d'Orel (1998, 2000, 2002, 2005, 2010). Les documents de thèse ont été discutés lors des réunions du Département d'histoire de la littérature russe des XIe-XIXe siècles de l'OSU.

Les travaux préparés par le doctorant sur la base des matériaux de recherche ont été publiés dans les revues « Littérature russe », « Littérature à l'école », « Langue russe à l'école », « Littérature russe », « Discours russe », ainsi que dans son livres « Fils étoiles de poésie. Essais sur la poésie russe » (Orel, 1995), « Une source d'inspiration sonore. Au-dessus des pages de poésie russe » (Orel, 2001).

Structure de travail : se compose d'une introduction, de cinq chapitres, d'une conclusion et d'une liste de références.

Portrait créatif de Fet dans deux messages poétiques

En janvier 1889, des célébrations ont eu lieu pour marquer le cinquantième anniversaire de l’activité poétique des AA. Fêta. UN. Maikov et Ya.P. Polonsky s'est adressé au héros du jour avec des messages poétiques.

Les deux messages, comme Fet l'a rapporté dans des lettres à leurs auteurs, ont fait une grande impression sur L. Tolstoï. « Au moment d'écrire ces lignes, lisons-nous dans une lettre à Maïkov, Léon Tolstoï est venu vers moi, regardant non sans mépris notre frère le poète ; mais lui aussi, lorsque je lui ai lu à haute voix vos poèmes et ceux de Polonsky, a dit : « Les poèmes écrits pour une certaine raison ont toujours une certaine nuance d'intentionnalité ; mais dans les poèmes que vous lisez, l'inspiration libre est visible et tout ce qui, d'une part, était visible à Maïkov et, d'autre part, à Polonsky, s'y reflétait pleinement. Commentant cette remarque de Tolstoï, Fet a souligné : « Je considère ces paroles dans la bouche de l'ennemi comme un triomphe de la beauté de votre muse, comme celui mérité par Hélène des anciens de la tour Skei »2.

Le héros du jour lui-même a été touché par les « vers vraiment précieux » du poème de Maïkovski et a appelé au sens figuré le message de Polonsky « la rose parfumée et luxuriante de Paestum », ajoutant qu'il s'agit d'un poème « incomparablement élégant, toujours exemplaire », le contenu dont, à son avis, ne peut être expliqué « il y a un blasphème grossier »1.

La remarque sur le « blasphème » pour expliquer le contenu d’un poème, polémique et non sans quelque chose de choquant, est généralement juste, et juste non seulement par rapport au poème de Polonsky, mais aussi par rapport à tout texte poétique. Lui seul peut dire au poète que c'est la vérité. Et pourtant, il est parfois difficile de se passer d’essayer d’expliquer d’une manière ou d’une autre le contenu d’une création poétique, de comprendre le « secret » de son impact esthétique, de pénétrer dans l’intention artistique du poète. Essayons de lire les messages poétiques des deux poètes et de comprendre pourquoi chez eux, écrits « à l'occasion », ce « à l'occasion » ne se fait pas sentir. Voici le message de Ya Polonsky :

Les larmes coulaient, l'amour sanglotait ; et alel

Aube chaude et ces rêves que nous chérissions secrètement dans nos cœurs,

Le trille du rossignol porté - et faisait un bruit comme une tempête

Les mers d'une vague en colère - les pensées mûrissaient et rugissaient

Des mouettes grises....

Les dieux ont commencé ce jeu ; Fet s'est impliqué dans leur jeu mondial et a chanté...

Ses chansons étaient étrangères aux vanités et aux moments d'enthousiasme, étrangères au flux de nos idées favorites ; - Ses chants séculaires - en eux la loi éternelle de la gravité Vers la vie - et le bonheur des bacchantes et la plainte des fées - La nature y trouvait ses reflets, Son inspiration était inarticulée et sauvage pour Beaucoup ; mais le secret des dieux requiert des personnes sensibles.

Ce n'est pas pour rien que le haut génie de la musique aimait les combinaisons de ses mots, soudés en « quelque chose » par le feu spirituel, le génie de la poésie voyait dans les vers de sa vérité un scintillement, des gouttes là où se trouve le soleil avec son rayon réfléchi

Ils nous ont dit : « Je suis le soleil ! » Et laisse le génie de la connaissance

Avec un esprit toujours curieux, allant dans le déni,

De passage ! - Fet nu est familier au cœur russe...

Toute la charge du message poétique est cachée dans sa première strophe, émotionnellement intense et psychologiquement riche, et les deux dernières strophes « expliquent » le contenu de la première, révélant le sens de la métaphore qu'elle contient. C'est cette strophe initiale qui est la plus difficile à « raconter » et à expliquer son contenu. Construit" sur le parallélisme psychologique entre ce qui se passe dans la nature et ce qui se passe dans l'âme humaine, il évoque toute une série d'associations qui élargissent la perspective spatiale et temporelle du poème et mènent au monde : les images de Fetov.

La nuit, le rayonnement tremblant des étoiles, les sanglots de l’amour, les rêves, le trille d’un rossignol, autant de signes familiers du monde artistique de Fetov. Et l'essentiel n'est pas tant dans ces signes, signalant que dès les premières lignes nous sommes immergés dans l'élément de Fetov, mais dans le fait que les images de Fetov se révèlent liées les unes aux autres à la manière de Fetov - non pas par une intrigue, mais par un coloration émotionnelle commune. C'est ainsi que Polonsky combine les images de larmes, d'amour, d'aube, le trille d'un rossignol, d'une part, et la vague en colère de la mer, les pensées, les mouettes, d'autre part. A l'instar de Fet, Polonsky affronte des images verbales qui expriment des idées hétérogènes (le trille d'un rossignol et d'une tempête). Il trouve également d'autres moyens qui augmentent l'expression de la poésie, optimisent la structure rythmique et intonative du discours poétique et le saturent d'informations sémantiques et esthétiques. Ceux-ci incluent : l'inversion, le transfert d'une partie d'une phrase syntaxiquement entière d'une ligne de vers à une autre, les pauses de vers et intraligne, le jeu de consonances, ainsi qu'un arrangement spécial de signes de ponctuation. Cela devrait être discuté séparément. Polonsky surmonte les "imperfections" de la ponctuation traditionnelle en créant la sienne, celle de l'auteur - ceci est dicté par le désir de transmettre la plénitude des sentiments et des humeurs qui le possédaient. Il s'agit du placement du signe du lien de subordination des phrases - une virgule avec un tiret - entre les phrases composées :

Les larmes coulaient, l'amour sanglotait...

Le signe de ponctuation préféré de Polonsky dans la première strophe de sa dédicace poétique à Fet s'avère être un tiret, divisant les phrases en segments émotionnels. Dans d'autres cas, il manque au poète un tiret, puis il l'utilise en conjonction avec d'autres caractères, par exemple un point-virgule. Nous rencontrons une conception de ponctuation si particulière et inhabituelle d'une structure syntaxique complexe, en raison de la signification sémantique accrue des relations entre ses parties, dans la deuxième strophe du poème :

Ses chansons étaient étrangères aux vanités et aux moments d'enthousiasme, étrangères au flux de nos idées favorites ; -Ses chansons sont séculaires - en elles se trouve la loi éternelle de la gravitation vers la vie - et le bonheur d'une bacchante, et la plainte des fées...

La signification émotionnelle de l'intonation est également renforcée par les ellipses, que Polonsky utilise non pas pour transmettre une incomplétude ou une réticence sémantique, mais pour exprimer les particularités de l'intonation d'une phrase vocale - émotionnellement élevée et lente. Étant donné que Polonsky préfère les constructions syntaxiques étendues-points, il n'utilise presque jamais de point comme signe de ponctuation.

Utilise largement le transfert Polonsky (enjambement). Causé par la divergence entre la division rythmique du discours poétique et sa division syntaxique, le transfert, comme on le sait, donne naissance à des vers parlés, caractérisés par un grand nombre de pauses expressives intralignes.

La répétition sonore est également très expressive. Le premier couplet nous fascine par la douceur des voyelles :

Les nuits coulaient - les étoiles tremblantes envoyaient leurs rayons dans l'abîme...

Avec la répétition sonore des r, m, l sonores, le poète crée une sensation presque physique du bruit de la digue : et la tempête faisait du bruit

Les mers de vagues en colère - les pensées mûrissaient et les mouettes grises s'envolaient...

L'organisation sonore expressive est ici soutenue par une rime interne : mûr - rai.

La forme rythmique-strophique particulière du poème laisse place au mouvement intonatif. Chaque strophe se compose de sept vers avec deux rimes alternées. Cette forme rare de structure strophique du discours poétique avec son organisation rythmique (hexamètre dactyle) permet au poète d'exprimer l'ambiance correspondante avec un maximum d'exhaustivité. La strophe de sept vers s'est avérée dans ce cas être la forme parfaite pour combiner musicalité verbale et psychologisme subtil.

Le destinataire du message (A. Fet) admirait « le courant de guérison immédiat... l'inspiration rafraîchissante et enivrante » de Polonsky et remarqua immédiatement : « Notre routine stupide bute souvent même sur le mécanisme merveilleux de vos poèmes, qui recherchent un rythme original. Pour ces adeptes de la routine, le mot poésie signifie tétramètre iambique, et ils ne comprendront jamais que les sauts fantaisistes de vos fées danseuses sont liés par une harmonie commune et impeccable.

Forme de discours et de genre des poèmes de Tolstoï

Tolstoï n'a pas peur de l'usage traditionnel des mots, des épithètes poétiques familières et des comparaisons. Il opère librement avec un certain ensemble de moyens phraséologiques présentés par la tradition. Dans presque tous les poèmes de Tolstoï, on retrouve facilement certains modèles phraséologiques adoptés pour désigner un nombre relativement limité de sentiments et d'états. Ainsi, pour décrire un sentiment douloureux, un état d'oppression, le poète utilise l'image d'un fardeau (« J'ai entendu parler de l'exploit du combattant Krotonsky... »), des liens, des chaînes, des chaînes (« À B.M. Markevich », « Le brouillard monte au pied des rapides..."). Tolstoï utilise largement les images de « chaque tourbillon » (« Pas le vent, soufflant d'une hauteur... »), du « bruit de la vie », du « bourdonnement anxieux » (« Parfois, parmi les soucis et le bruit de la vie... »). Pour exprimer l'état qui engloutit une personne, ou dans le but de nommer périphrase la mer, le poète se tourne vers l'image de l'abîme (« Il conduisit le long des cordes ; ils tombèrent... », « Les vagues s'élèvent comme des montagnes. ...”).

Cependant, les phrases poétiques traditionnelles du système artistique de Tolstoï se sont adaptées aux nouvelles exigences stylistiques, se sont transformées et ont acquis des significations spécifiques perdues dans la tradition poétique. Dans le poème « Oh, si seulement tu pouvais ne serait-ce qu’un seul instant… » Tolstoï semble recourir à une imagerie stable et traditionnelle :

Oh, si seulement tu pouvais, ne serait-ce qu'un seul instant, Oublier ta tristesse, oublier tes malheurs ! Oh, si seulement une fois je pouvais voir ton visage, tel que je l'ai connu dans mes années les plus heureuses.

Quand une larme brille dans tes yeux, Oh, si seulement cette tristesse pouvait passer précipitamment, Comme un orage passager dans un printemps chaud, Comme une ombre de nuages ​​courant à travers les champs !

Ici, le poète poursuit en grande partie la tradition de Joukovski, en se tournant vers une intonation romantique et mélodique, en soulignant le principe lyrique subjectif. « Tristesse », « adversité », « années les plus heureuses » - autant de « poétismes » qui sont devenus une phraséologie poétique ordinaire. Mais dans le style du parolier Tolstoï (le poème a un sous-texte biographique clairement exprimé, il s'adresse à Sofya Andreevna Miller), ils changent. Tolstoï rend le concret poétique aux formules abstraites de la tristesse élégiaque. Valeurs possibles ; Ces formules sont mises en œuvre par le contexte. Poétique : l'image, « une larme s'éclairera », éclaire de l'intérieur toute l'œuvre, l'informant ; de nouvelles nuances pour lui : sous l’influence de cette image, les mots commencent à paraître poétiquement inattendus. Cette image semble concentrer l’atmosphère de spiritualité caractéristique des paroles psychologiques intimes de Tolstoï. Il s'agit d'une sorte d'explosion sémantique : il y a deux autres images dans ce poème, grâce auxquelles l'individu remporte la victoire sur « l'éternel » - un orage qui passe et une ombre des nuages ​​​​qui coule sur la queue de cheval. Ils détournent notre attention de la vie spirituelle de l'homme vers les phénomènes naturels et nous obligent également à « faire revivre » poétiquement les mots de la phraséologie poétique traditionnelle et classique :

Malgré sa grande simplicité, le poème : « Il faisait sombre, la journée chaude pâlissait de manière insaisissable ;... » s'appuie également sur des images très traditionnelles et familières : « le brouillard sur le lac », « l'heure tranquille du soir » », « des yeux tristes », « ta douce image ». Toute la structure poétique du poème repose sur des répétitions romanesques mélodiques, sur un vocabulaire aux couleurs romantiques : Et c’est tout. le poème ne s'inscrit pas complètement dans la tradition existante : le poète la dépasse. Le matériel lexical reçu en héritage est traité de manière subtile et presque imperceptible. Tolstoï, pour ainsi dire, ravive les connexions sémantiques du vers, extrait des mots - grâce à leur sélection spéciale et leur combinaison les uns avec les autres - de subtiles nuances différenciatrices.. Dans le poème, deux mots sont placés presque côte à côte, se rapportant au apparence psychologique d'une femme et entrer dans des relations illogiques les unes avec les autres : « sourire " et " yeux tristes ". En collision les uns avec les autres, ces mots donnent non seulement une idée de la complexité de l'état d'esprit de l'héroïne, mais évoquent également une sorte de « réaction esthétique » et créent un sous-texte profond pour toute la pièce. Ils attirent tous les autres mots sur leur orbite.

Il faisait sombre, la journée chaude pâlissait imperceptiblement, le brouillard s'étendait comme une bande sur le lac et ta douce image, familière et aimée, flottait devant moi dans l'heure tranquille du soir.

Il y avait le même sourire que j'aime, Et la douce tresse dénouée comme avant, Et les yeux tristes, toujours impatients, Me regardaient dans l'heure tranquille du soir... (126)

Les mots poétiques traditionnels qui soutiennent le poème « Puisque je suis seul, puisque tu es loin... » (« œil de l'âme », « demi-sommeil anxieux », « sœur de mon âme ») sont des images-symboles exprimant romantique l'idée d'une connexion mystérieuse entre deux âmes sœurs. Tous ces mots sont utilisés dans leur sens direct et originel, et en même temps ils remplissent également une fonction romantique : ils expriment un certain état intérieur d'une personne. Le concret et la matérialité des mots sont réduits à néant. L’« œil éveillé » en combinaison avec « l’âme » se traduit dans un plan insubstantiel et généralisé et devient une métaphore.

L'élément pictural est certes présent ici, mais il est présenté conformément à la méthode romantique de la perspective artistique et est subordonné aux objectifs d'incarnation de l'état mental subjectivement complexe du héros lyrique. Ce héros est capable d'établir des liens spirituels avec sa bien-aimée à distance : il « voit » son « visage calme et doux », il est rempli d'un « bonheur douloureux », il « se sent » « dans un demi-sommeil anxieux » son « aimant regard », il se tourne enfin vers elle avec des questions : « Dis-moi, sommes-nous imprégnés des mêmes pensées ? / Et vois-tu l'image floue de ton frère, / Penché sur toi avec un sourire triste ?

Une phrase de discours romantique en général et le poème considéré en particulier se caractérisent par la présence de lexèmes accentuants. Tolstoï, pour ainsi dire, place les principaux lexèmes dans tout l'espace du poème, qui désignent les phénomènes et les processus de la vie spirituelle. Grâce à cela, la phrase du discours s'avère émotionnellement expressive. Son expressivité est également facilitée par divers moyens et techniques compositionnels et stylistiques. Le poète utilise des inversions (« Dans un demi-sommeil anxieux, quand je m'oublie »), des périphrases (« sœur de mon âme »). La tension émotionnelle est créée par des adresses intimes (« Nous sommes, dis-moi, imprégnés d'une seule pensée ? »), des parallélismes syntaxiques (« depuis que je... » - « depuis toi... ») et des répétitions ( répétées deux fois « ). dans un demi-sommeil anxieux »), et avec un « et » solennel au début de certains vers, et enfin avec des questions et des exclamations rhétoriques. L'ensemble du poème est essentiellement contenu dans trois unités-phrases grammaticales simples (correspondant à trois strophes), transformées en une sorte de période élargie. Dans le système complexe des moyens compositionnels et stylistiques répertoriés, dans le vocabulaire métalogique, le pouvoir expressif d'une phrase romantique est caché.

Les mots marqués par la tradition littéraire1 et porteurs des sens développés par celle-ci entrent dans ce poème dans de nouvelles combinaisons sémantiques. Le mot «je ressens» en combinaison avec «regard aimant» sert de diapason, mettant tout le poème de bonne humeur. Dans ce contexte, ce mot a acquis pour ainsi dire des significations supplémentaires, grâce auxquelles naissent des associations associées à l'attitude spirituelle du poète envers l'amour et la femme qu'il aime : la vision « spirituelle » et l'audition « spirituelle » du poète sont si aiguës que il est capable de « sentir » à distance « le regard d’un proche :

Sœur de mon âme ! avec un sourire de participation, Ton visage calme et doux se penche vers moi, Et moi, rempli d'un bonheur douloureux, je sens ton regard amoureux dans un demi-sommeil anxieux. (151)

Dans les poèmes de Tolstoï que nous venons de discuter et dans bien d’autres, la personnalité du poète lui-même, l’éventail de ses idées subjectives sur le monde, l’expression de ses expériences spirituelles sont en premier lieu. Grande valeur ils acquièrent un début intonation-expressif. Les paroles de Tolstoï se caractérisent avant tout par des intonations élégiaques, qu'il a tenté de surmonter, mais pas toujours avec succès : « le désir d'optimisme dans la vie était en contradiction irréconciliable avec l'existence sociale »1. Les ambiances élégiaques que l'on retrouve souvent dans les paroles de Tolstoï ont un contenu unique, exprimant, d'une part, les particularités de la constitution mentale du poète, et d'autre part, certains aspects de l'ambiance sociale de l'époque. La vision romantique du monde de Tolstoï se caractérise par « l’anxiété face à la fragilité d’un monde imparfait, mais toujours proche et familier, aux fondations familières ». Cette caractéristique de la pensée poétique de Tolstoï se réalise notamment dans la forme vocale de ses poèmes.

L'idéal moral et esthétique du poète dans le poème « Rêves »

Poème d'A.N. Les « Rêves » de Maikov, dont le travail a duré de 1855 à 1859, donnent une idée claire de la position politique et des vues esthétiques complexes et contradictoires de son auteur. Il a connu un long parcours de modifications et d’amendements, témoignant des efforts persistants du poète pour parvenir à une expression adéquate des pensées et des idées qui le concernent. Les mérites poétiques des « Rêves » ont été unanimement salués par les contemporains de Maïkov. I. A. Gontcharov, par exemple, a écrit à leur auteur : « À mon avis, rien n'est plus puissant » ne prouve votre service sincère et ardent à l'art que ce poème : Vous avez créé, sans vous soucier de la censure, de la presse, vous avez été vrai poète en cela à la fois dans l’exécution et dans l’intention.

Le poème « Rêves » est apparu dans le premier livre du « Mot russe » de 1859 avec des notes de censure, indiquées dans la publication par deux lignes de points. Ces projets de loi ont été publiés par I.G. Yampolsky2.

Le poème se compose de quatre chansons et d'une dédicace de nature autobiographique. Il capture les réflexions de Maykov sur le but et le sens de l'existence humaine, sur la place de l'homme dans la « mer sans limites » de la vie, sur la relation entre l'idéal poétique et la réalité, sur le but de l'art, sur les voies de développement de la Russie et de tous. de l'humanité.

Classiquement, les images poétiques des rêves sont utilisées par le poète pour représenter symboliquement la joie de sa formation, sa maturité spirituelle et sa maturité, son acquisition de la Vérité, pour laquelle il quitte le « dais de la maison de son père » et qui, dans sa conviction, permettez-lui, le chanteur, de faire revivre les gens « pour des jours nouveaux et meilleurs » et apportera le salut et la prospérité au monde entier.

Maykova est avant tout un monde dans lequel la « froide expérience » de la vie est généralisée. Cette expérience emmène le héros à travers la souffrance (« à travers les larmes, le chagrin et le murmure ») et contribue à son autodétermination, à la croissance de son pouvoir sur lui-même, et élève finalement le chanteur à une telle « hauteur d'où le monde est clair ».

Ainsi, la direction de la recherche de la vérité, le chemin de la connaissance de soi humaine et en même temps de la connaissance du « destin mystérieux » de l'humanité est révélé au lecteur de « Rêves ».

En trouvant la vérité, par. Selon Maïkov, la « raison stricte » joue un rôle important : la connaissance élève une personne et la compare à Dieu. Ne servez pas. Est-il possible que dans la troisième chanson il y ait « l'esprit » de Maïkovski ? Le héros est « confus » par l'image de la ruine du temple de la science :

« La science est une rébellion ! » répétaient-ils à voix haute au roi... .

Le pied de biche audacieux toucha son autel.

Le feu fut éteint et, en souvenir,

Par souci d’apparence, l’inscription n’a été laissée que sur le bâtiment. (776)

Jeunes; Les « prêtres de la science » qui ont élaboré des « projets fous » attendent le sort peu enviable des condamnés enchaînés : « ils ont été égaux aux méchants par l'exécution ».

Ce n’est pas un hasard si le héros de Maïkovski dans sa recherche de la vérité est accompagné d’un « vénérable vagabond » – la personnification de la raison. Est-ce vrai ? ce « compagnon laisse le héros à mi-chemin avec tous ses doutes ! et ses angoisses, cédant aux dangers, pour Maykov, le chemin le plus proche de la vérité n'est toujours pas dans les arguments d'un esprit fier et sûr de lui, mais dans la révélation poétique. le poème « Délire printanier1 (M.P. Zablotsky) », publié un an avant le début des travaux sur le poème « Rêves » - dans le quatrième livre de « Contemporain » de 1854, le poète exprime directement sa pensée la plus intime : « la parole vivante de la vérité » ne s’obtient pas par la connaissance scientifique, ni par des « systèmes assemblés logiquement et harmonieux » et par la poésie ; d’où l’admiration pieuse pour l’art, la poésie ; l’affirmation de la vocation exclusive du poète :

La source lumineuse d’une science éternellement nouvelle coule en vous ! En toi, une pensée vivante forge une parole.

Les strophes du poème « Rêves » sont imprégnées de la même pensée. Dans sa première chanson, qui raconte les années d'enfance de Maykov passées près de Moscou dans la propriété de son père, la muse rend d'abord visite à un garçon impressionnable, qui écoute avec appréhension les histoires de sa mère « sur les premiers jours de la création » « selon le livre de la Genèse. » :

Depuis lors, le doigt du Seigneur m'a touché et il s'est réveillé de son inaction.

Et pendant de nombreuses années plus tard, je me suis souvenu de ce moment,

Et je lui ai dédié mon premier poème pour enfants. (763)

Et dans la quatrième chanson, la même muse « lève le voile » du « grand secret », illumine le héros d'une « nouvelle lumière » d'« événements de plusieurs années », l'aide à surmonter les doutes et à trouver la foi :

Comme le bruit des eaux invisibles, dans ce moment à venir, j'ai ressenti la mélancolie et la joie de l'inspiration... (784)

Plus récemment, le héros a souffert d'incrédulité et d'un scepticisme dévastateur (« Non ! Je n'ai plus d'hypocrisie avec la vie, / Il n'y a rien à aimer dedans, et il n'y a rien à croire ! » - 779), il a été opprimé par l'avenir de l'humanité (« Dans les destinées des peuples je lis : « Il n'y a pas d'espoir ! » - 779), la vie a perdu tout sens,

Et le sombre Prince des Ténèbres, avec une tiare sur le front, marche victorieusement comme un souverain à travers la terre. (778)

La muse a aidé le héros à trouver le sens de la vie ; elle lui a révélé les valeurs humaines universelles, sanctifiées par l’idéal évangélique des « sentiments simples et bienveillants ». Après avoir tenté « son esprit dans une lutte acharnée », après avoir traversé des épreuves et des souffrances, le héros du final du poème retourne sur le toit de ses parents - ce chemin circulaire n'est-il pas la preuve que Maïkov cherche à confirmer le lecteur dans la pensée : le vrai bonheur est dans l'homme lui-même, dans sa capacité à s'améliorer ? En d’autres termes, l’auteur de « Dreams » tente de trouver une réconciliation entre l’idéal et la réalité dans la jouissance d’une personne romantique avec les richesses de son âme. Le social se traduit ainsi sur le plan des formules philosophiques, esthétiques et psychologiques :

La liberté, m'écriai-je, n'est pas une fête, ni l'esclavage du sang, Mais le triomphe de l'esprit et la grâce de l'amour ! (770)

Dans ce cas, la similitude de l’idéal esthétique de Maïkov avec celui exprimé par Joukovski dans l’élégie « Théon et Eschine » avec son opposition entre les biens « incorruptibles » et les biens « changeants » est facile à établir. Théon-Joukovsky trouve le bonheur dans le grand amour, dans la contemplation de « la création pleine de gloire », dans « la douceur des pensées sublimes ». Pour lui, il n'y a pas de contradiction entre l'idéal et la réalité, dont Eschine a éprouvé toute la profondeur et l'amertume.

Malgré tout cela, il nous semble impossible de réduire vues esthétiques Maykov au christianisme orthodoxe. Il voyait dans le sentiment religieux la garantie de la santé morale du peuple :

Quand, poussé par une mélancolie inextinguible, vous entrez dans le temple et restez là en silence, Perdu dans la vaste foule, Faisant partie d'une seule âme souffrante, - Involontairement, votre chagrin s'y noiera, Et vous sentez que votre esprit a soudainement coulé Mystérieusement dans sa mer natale Et en même temps s'élance avec lui au ciel...

(« Quand nous sommes animés par une mélancolie inextinguible... », 111)

Mais le poète n’était pas un religieux au sens strict du terme.

L'une des lettres de Maikov à I.S. peut servir en quelque sorte de décodage de l'idéal esthétique contenu dans « Dreams ». Nikitine, dans lequel il a chargé le poète de Voronej : « Développez en vous un homme intérieur, comme l'enseigne le Christ... Pour l'amour de Dieu, obéissez uniquement à cette morale universelle, et non à la morale prise sous un certain angle du point de vue de n'importe quel parti. . Ne vous inquiétez pas pour ces fêtes et ces écoles. Nous devrions avoir notre propre école, SI nous en avons vraiment besoin. si nous appelons une certaine vision de la vie une école. Et plus loin : « Que les passions bouillonnent et se disputent autour de nous, notre monde est de l’art, mais l’art est un art qui sert les principes moraux, un art qui tire son origine non pas de la muse française volage et pamphlétaire, mais directement des prophètes bibliques. »1

Bien entendu, dans ce cas, Maïkov a non seulement donné des instructions à Nikitine, mais a également exprimé ses propres convictions.

Caractéristiques du contenu de la poésie d'Apukhtin. Principes de conscience et de représentation de la vie

UN. Apukhtin est entré dans la littérature à l'époque du tournant social des années 50-60 et du nouvel intérêt pour la poésie qui a coïncidé avec lui, mais s'y est établi beaucoup plus tard - seulement dans les années 80, pendant ce qu'on appelle « l'intemporalité ».

Ses premiers poèmes, tout à fait parfaits dans la technique poétique, parurent déjà sous forme imprimée en 1854-1855 - l'auteur avait quatorze ans, il étudia à l'École impériale privilégiée de droit. Le jeune homme a acquis ici une réputation de « garçon-poète phénoménal » ; beaucoup lui ont prédit la gloire du « nouveau Pouchkine ». EST. Tourgueniev prédit, par exemple, que les poèmes d'Apoukhtine constitueraient toute une époque poétique.

Les premières expériences poétiques ont été publiées dans des publications discrètes. Mais dans le numéro de septembre du magazine Sovremennik de 1859, un cycle de petits poèmes lyriques « Village Sketches » a été publié. Comme Konstantin Sluchevsky, qui a commencé chemin créatif en même temps qu'Apoukhtine, « apparaître dans Sovremennik signifiait devenir immédiatement une célébrité ». Et en effet, «Village Sketches» a rendu Apoukhtine célèbre dans toute la Russie. Le poète était favorisé par A. Fet, considéré comme prometteur par N. Dobrolyubov, soutenu par N. Nekrasov, publié dans la revue « Time » de F. Dostoïevski.

Cependant, à mesure que la lutte sociale et littéraire s'intensifiait, une pluie de parodies et d'attaques critiques sévères s'abattirent sur le jeune poète (V. Kurochkina, D. Minaev). Apoukhtine apparaît comme un poète de « l'art pur », contre lequel les « iskristes » se battent depuis longtemps. D. Minaev dans « Russian Word » a parodié le poème « programmatique » « Développements modernes », dans lequel son auteur, s'adressant à ses opposants, poètes d'orientation révolutionnaire-démocratique, écrivait avec irritation qu'il était fatigué de leurs « phrases sans âme, / De des mots tremblants de haine " Et puis il s’est exclamé : « Je veux croire en quelque chose, / Aimer quelque chose de tout mon cœur ! »1

La réaction du poète aux attaques et au ridicule s'est avérée si aiguë qu'il a arrêté de publier et s'est tu pendant un certain temps, invoquant le désir de rester à l'extérieur. lutte politique, loin de tout groupe et courant littéraire. Dans une lettre à son ancien camarade de classe à la Faculté de droit P.I. A Tchaïkovski (1865), il s'écria avec la même acuité que dans le poème cité plus haut « Développements modernes » : « Aucune force ne me forcera à entrer dans une arène encombrée de mesquineries, de dénonciations et... de séminaristes ! »2

Diplômé de l'université avec un brillant succès (1859), Apukhtin entra au service du ministère de la Justice, mais le quitta bientôt, se rendit dans la province de Kaluga, puis servit à Orel pendant deux ans en tant que fonctionnaire spécial. instructions sous le gouverneur d'Orel.

Au milieu des années 60, il revient d'Orel à Saint-Pétersbourg et entre au ministère de l'Intérieur. Mène une vie laïque distraite. Reste à l'écart des cercles littéraires.

Ce n'est que depuis les années 70 que ses œuvres paraissent occasionnellement sous forme imprimée (le journal « Grazhdanin », les magazines « Nove », « Pensée russe », etc.). Les meilleurs compositeurs - Tchaïkovski et Rachmaninov, Arensky et Prokofiev - écrivent de la musique sur les paroles du poète. Les romans, les poèmes gitans et les élégies d'Apoukhtine se retrouvent dans de nombreuses listes, entendus sur scène et transmis de bouche en bouche.

En 1886, le poète de quarante-six ans publie son premier recueil lyrique, qui fait redécouvrir son œuvre au lecteur russe. Il s’est avéré qu’il est devenu dans la littérature un représentant des pensées et des humeurs de toute une génération, un signe de son époque. Beaucoup de ses poèmes, écrits plus tôt, étaient perçus comme « d’aujourd’hui ».

Les motifs dominants dans la vision du monde du poète au cours de cette période étaient ceux qui accompagnaient ses premières œuvres : fatigue, apathie, plainte impuissante - les principales caractéristiques de l'atmosphère sociale, spirituelle et poétique des années quatre-vingt, une époque généralement défavorable à la poésie, « une ère de découragement général », comme l’a défini Apoukhtine dans le récit poétique « Des papiers du procureur ». Il a posé un diagnostic précis de l'âme du héros de l'époque, empoisonnée par le poison du scepticisme : « Et il n'y a pas de place chaleureuse en toi pour la foi, / Et il n'y a pas de force en toi pour l'incrédulité ! (166)

Dans le petit héritage poétique d'Apukhtin, le lyrique narratif intime et le genre fictionnel sont clairement distingués. La ligne de narration intime est représentée par des poèmes de journal (« Une année au monastère »), des poèmes monologues (« Des papiers du procureur », « Le fou », « Avant l'opération »), des messages poétiques (« Aux frères », "A A.G. Rubinstein. D'après à propos des "concerts historiques", "Aux slavophiles".) Tous peuvent être conditionnellement classés comme un genre de confession originale, marqué par une véritable sincérité, une sincérité et un psychologisme subtil. Les romances présentent également les mêmes qualités (« Je l'ai vaincue, amour fatal… », « Des mouches », « Que le jour règne ou le silence de la nuit… », « Pas de réponse, pas un mot, pas un salut… », « Une paire de baies »).

Le thème de l'impuissance tragique, de la futilité, du chaos, de la fragmentation varie sous différents aspects. Et bien que les problèmes de nombreuses œuvres ne soient pas directement liés à « l'intemporalité » des années quatre-vingt, elles reflètent néanmoins, avec une rare expressivité psychologique et émotionnelle, avec un profond drame intérieur, les idées et les angoisses de la génération qui a connu la crise du populisme et la chute des idéaux révolutionnaires. Le poète dépeint les drames ordinaires du quotidien et capture la douleur d’une « âme fatiguée ».

Dans le poème « Muse » (1883), le désespoir prend un caractère carrément déclaratif : « Ma voix sonnera seule dans le désert, / Le cri d'une âme fatiguée ne trouvera pas de sympathie... ». Les gens ont empoisonné la vie par la trahison et la calomnie, la mort elle-même est plus miséricordieuse qu'eux, elle est « plus chaleureuse que ce peuple frère ».

La conscience agitée du héros, pourchassé par la vie, est reproduite avec une grande force artistique dans le poème « Une année au monastère » (1883). Le héros fuit « du monde du mensonge, de la trahison et de la tromperie » vers le monastère, mais même là, il ne trouve pas la « paix » et, au premier appel d'une femme, retourne en compagnie de « personnes vulgaires et méchantes » qui il déteste, réalisant amèrement qu'il est une « âme pathétique » et qu'il « n'a pas sa place dans le monde ».

Les amis déclenchent une dispute inutile. « Comme s'ils s'amusaient d'une inimitié insensée », ils ruinent leur amitié avec des mots « sans joie, durs et méchants ». Ils ne s'en souvenaient pas, la « parole sincère et chaleureuse » n'a pas été prononcée - et la réconciliation n'a pas eu lieu, leurs cœurs sont restés « sans amour ni pardon » (« Querelle », 1883). Les poèmes sur une querelle laissent une impression douloureuse, ressuscitant le célèbre « C'est ennuyeux dans ce monde, messieurs ! » de Gogol !

Dans les poèmes « Des papiers du procureur » (1883) et « Madman » (1890), il y a la même douleur lancinante pour une personne déformée par un mode de vie « insensé et maléfique ». Et ce ne sont pas seulement les motifs personnels de mélancolie et de déception dont parlent ces poèmes. « Trop de chagrin humain se reflétait en eux », note G.A. Bialy, - pour que cela ne puisse être généré que par des circonstances personnelles »1.

Les images et symboles traditionnels de la poésie de cette époque deviennent souvent des éléments d’intrigue d’une pièce lyrique. Ainsi, l'intrigue lyrique du poème « Un rêve sans joie m'a épuisé de la vie... » (1872) forme une image métaphorique d'une prison :

Je suis emprisonné dans mon passé, comme dans une prison

Sous la surveillance d'un méchant geôlier. Est-ce que je veux partir, est-ce que je veux faire un pas, -

Le mur fatal ne laisse pas entrer, Seuls les fers sonnent, et la poitrine se contracte,

Oui, une conscience sans sommeil tourmente, (144)

Pour Apoukhtine, le thème de la prison n'est pas une image aléatoire, mais un véritable problème de l'existence de l'homme moderne. Tout comme d'autres images : rêves, « nostalgie », « larmes brûlantes », « souvenirs fatidiques », « passion puissante », « silence » spirituel, rêves d'amour, « âme rebelle », « ardeur insensée », « jalousie insensée » " - tout cela fait partie intégrante des paroles d'Apukhtin, chair de sa chair.

La structure du poème « Vers la poésie » (« En ces jours où les larges vagues… », 1881) est déterminée par des images expressives et des couleurs de « l'esprit d'hostilité inexorable », la « croûte glacée » qui enchaînait la vie, les « donjons, les forces mystérieuses » qui secouent la terre. Ces images conventionnelles et d’autres similaires, localisant la situation lyrique dans le temps et dans l’espace, créent une image impressionnante de l’ère « transitionnelle ». Pour le poète, la dénonciation passionnée du mal social se confond avec le mal universel, cosmique, avec les « contre-vérités de la terre ».

Réponse de Mark Stepanov[gourou]
Un concept esthétique qui affirme la valeur intrinsèque de l’art issue de la politique et de la vie publique.
En termes simples, la théorie selon laquelle l’art est autosuffisant et indépendant.
En Russie, le slogan « l’art pour l’art » est apparu au milieu du XIXe siècle. était polémiquement opposé à l'école naturelle, ou à la « direction gogolienne », c'est-à-dire à l'art réaliste, et a été critiqué par les démocrates révolutionnaires russes (V. Belinsky, N. Chernyshevsky, N. Dobrolyubov), qui voyaient la source de la beauté dans la réalité et a affirmé les idées de l'art civique.

Répondre de Irina Goubanova[gourou]
La théorie esthétique de « l’art pur » a réuni le travail de nombreux poètes qui n’ont fixé aucun but ni objectif politique ou didactique à l’art. Ils ont soutenu que l'art est « pur » - il est « purifié » des thèmes associés à la lutte du camp révolutionnaire-démocrate, aux idées de la révolution paysanne. Le seul objet d'art pour le poète est la beauté, qui porte pure joie et détruire la souffrance, et la source de la beauté du monde est la nature, la créativité, l'amour. Les poètes de l'école de « l'art pur » se sont retirés des problèmes de la réalité réelle, de ses vices sociaux et de ses contradictions, dans le monde sublime de l'âme poétique pure, dans le monde de leur imagination. Un poète est un créateur inspiré par Dieu et son objectif est d’incarner la beauté divine du monde dans la poésie.
Pas pour les soucis quotidiens,
Pas pour le gain, pas pour les batailles,
Nous sommes nés pour inspirer
Pour des sons doux et des prières.
Fet était un véritable partisan de « l’art pur ». Ses pensées : « Si une chanson touche le cœur de l'auditeur, alors elle est vraie et juste. Autrement, c'est un uniforme vestimentaire inutile et la poésie doit se passer d'instructions et d'enseignements moraux » - ne pouvait pas être acceptée par les critiques démocrates-révolutionnaires. Dès lors, sa poésie fut détruite, et dans sa personne, tout « art pur ». Cette évaluation du travail de Fet a ensuite été reprise par la critique du réalisme socialiste.

Répondre de Misha Marochink[débutant]
« L'art pur » (« l'art pour l'art ») - le nom d'un certain nombre de concepts esthétiques qui défendaient l'indépendance de la créativité artistique par rapport aux facteurs politiques, idéologiques et sociaux et affirmaient les « valeurs éternelles » - l'amour, la beauté, la nature, créativité, etc

Répondre de Angelina Korolchenko[débutant]
"l'art pour l'art")
un complexe de visions du monde, de principes créatifs, d'idées esthétiques et de préférences gustatives, basé sur les idées de la valeur intrinsèque de l'art, de son absence des exigences sociales, des besoins publics, des instructions disciplinaires de nature morale, idéologique, politique et d'autres facteurs normatifs. Il est apparu comme un concept esthétique holistique en France au XIXe siècle. Avant cela, il existait sous la forme de mentalités épisodiques et de prédilections créatives privées d’artistes individuels. Divers aspects de cette position artistique et esthétique ont été pris en compte dans les travaux de G. E. Lessing (« Laocoon »), I. Kant (« Critique du jugement »), F. Schiller (« Lettres sur l'éducation esthétique »), un rôle important dans la théorie justification et présentation publique Le concept d'« art pur » a été joué par l'écrivain français Théophile Gautier. Dans la préface de son roman « Mademoiselle de Maupin » (1836), il en formule les principes de base, dont l'essence est que le but pour lequel l'art existe est l'art lui-même. Une place importante dans l’ensemble des idées et des concepts au service du concept « de l’art pour l’art » était occupée par l’image sémantique de la « tour d’ivoire », dénotant la position de l’artiste dans un isolement complet de l’agitation quotidienne et banale de la vie.

Dictionnaire-thésaurus terminologique de la critique littéraire

Conception. Glossaire des termes

Esthétique. Dictionnaire encyclopédique

Art pur

(« l’art pour l’art »)

un complexe de visions du monde, de principes créatifs, d'idées esthétiques et de préférences gustatives, basé sur les idées de la valeur intrinsèque de l'art, de son absence des exigences sociales, des besoins publics, des instructions disciplinaires de nature morale, idéologique, politique et d'autres facteurs normatifs. Il est apparu comme un concept esthétique holistique en France au XIXe siècle. Avant cela, il existait sous la forme de mentalités épisodiques et de prédilections créatives privées d’artistes individuels. Divers aspects de cette position artistique et esthétique ont été pris en compte dans les travaux de G. E. Lessing (« Laocoon"), I. Kant (" Critique du jugement"), F. Schiller (" Lettres sur l'éducation esthétique"), Un rôle important dans la justification théorique et la présentation publique du concept d'« art pur » a été joué par l'écrivain français Théophile Gautier. Dans la préface de son roman « Mademoiselle de Maupin » (1836), il en formule les principes de base, dont l'essence est que le but pour lequel l'art existe est l'art lui-même. Une place importante dans l’ensemble des idées et des concepts au service du concept de « l’art pour l’art » était occupée par l’image sémantique de la « tour d’ivoire », dénotant la position de l’artiste dans un isolement complet de l’agitation quotidienne et banale de la vie.