Littérature de la seconde moitié du XXe siècle Littérature allemande La division de l'Allemagne et la formation de la République fédérale d'Allemagne et de la RDA en 1949 ont conduit à l'existence de deux littératures différentes. Des divergences dans le domaine de la politique culturelle sont immédiatement apparues, notamment en ce qui concerne les émigrants de retour.

L'ère Pouchkine est devenue un grand siècle de la poésie russe. Après la disparition soudaine de la vie de Lermontov et de Pouchkine dans la première moitié du XIXe siècle, la poésie, en tant que partie du processus littéraire, a connu une période particulière de stagnation.

Développement de la poésie dans la seconde moitié du XIXe siècle

Les poèmes créés par les auteurs russes dans les années 50 ont fait l'objet de vives critiques - ils ont tous été comparés à l'héritage d'Alexandre Sergueïevitch et, selon de nombreux critiques, ils étaient beaucoup «plus faibles» qu'eux. Durant cette période, la poésie commence à supplanter progressivement la prose. Des prosateurs aussi talentueux que Tolstoï, Tourgueniev et Dostoïevski sont apparus dans le domaine littéraire. Il convient de noter que Tolstoï fut l’un des critiques les plus catégoriques des nouveaux poètes russes : il ignora l’œuvre de Tioutchev et qualifia ouvertement Polonsky, Maykov et Fet de « médiocrités ».

Peut-être que Lev Nikolaïevitch avait vraiment raison, et nous ne devrions pas percevoir la poésie de l’ère post-Pouchkine comme patrimoine littéraire? Alors pourquoi beaucoup d'entre nous associent-ils le XIXe siècle non seulement aux œuvres de Lermontov et de Pouchkine, mais aussi aux brillants poèmes de Fet, Nekrasov, Pleshcheev, Koltsov, Polonsky, A. Tolstoï ?

De plus, si l'on considère la poésie russe sous un angle aussi radical, alors les poètes orfèvres - Akhmatova, Blok, Bely, Mayakovsky, Tsvetaeva - entrent automatiquement dans la catégorie des « médiocrités » qui n'ont pas atteint le niveau de Pouchkine. Par conséquent, nous voyons qu’une telle opinion est dépourvue de tout fondement logique et qu’il est catégoriquement impossible de s’en inspirer.

La créativité de Nekrasov

Dans la seconde moitié du XIXe siècle, la poésie russe a commencé à se rétablir activement, malgré une opposition active. L'œuvre de N. A. Nekrasov est devenue le summum de la poésie russe de la seconde moitié du XIXe siècle. Dans ses poèmes et ses poèmes, il soulevait à l'époque des sujets sensibles concernant la vie douloureuse du peuple russe ordinaire. Grâce à des techniques littéraires activement impliquées dans ses œuvres, Nekrasov a tenté de transmettre aux couches supérieures le concept de la grandeur d'un simple paysan, privé de richesse matérielle, mais qui a réussi à préserver les véritables valeurs humaines.

Le poète percevait son activité littéraire avant tout comme son devoir civique, qui consistait à servir son peuple et sa patrie. Nekrasov, connu pour ses activités d'édition, est devenu le père-mentor des poètes en herbe de l'époque et leur a donné l'impulsion nécessaire pour poursuivre leur réalisation.

Créativité de Fet, Tioutchev, Pleshcheev, Polonsky

Une place particulière dans la littérature de cette époque était occupée par paroles poétiques. Les poèmes de Fet, Tyutchev, Maikov, Pleshcheev, Polonsky, Koltsov, Nikitin étaient remplis d'admiration pour la grandeur de la nature, sa puissance et en même temps sa vulnérabilité. Un exemple frappant est le poème de Tioutchev «J'aime un orage au début du mois de mai», que le lecteur associera toujours à la magie et à l'enchantement des phénomènes naturels ordinaires qui capturent l'esprit humain.

Les œuvres de ces poètes, malgré leur contenu lyrique, n'étaient pas dénuées d'une position civique. Cela a été particulièrement clairement observé dans les travaux d'A.K. Tolstoï, auteur de nombreuses ballades historiques et poèmes satiriques, qui ridiculisaient le régime monarchique et le concept même de pouvoir royal en Russie.

Alexandre
ARKHANGELSKI

Présentation des chapitres du nouveau manuel scolaire

Paroles russes de la seconde moitié du XIXe siècle

Les poètes russes et l'ère de la prose « sociale ». Les poètes russes du début du XIXe siècle - de Joukovski et Batyushkov à Pouchkine et Lermontov - ont créé un nouveau langage poétique dans lequel il était possible d'exprimer les expériences les plus complexes, les pensées les plus profondes sur l'univers. Ils ont introduit dans la poésie russe l'image d'un héros lyrique, à la fois semblable et non semblable au poète lui-même. (Tout comme Karamzine a introduit dans la prose russe l'image d'un narrateur dont la voix ne se confond pas avec celle des héros et de l'auteur lui-même.)

Les poètes de la première moitié du XIXe siècle ont révisé le système habituel des genres. Ils préféraient l'élégie d'amour et la ballade romantique aux odes « hautes » et solennelles ; réinculqué dans notre littérature autochtone le goût de la culture populaire, des chansons russes, des contes de fées ; ont incarné dans leur œuvre la conscience contradictoire et l'expérience tragique des peuples contemporains, les Européens russes. Ils ont maîtrisé l’expérience du romantisme mondial – et l’ont progressivement dépassé à bien des égards.

Mais cela arrive souvent en littérature : à peine atteinte du sommet artistique, la poésie russe décline fortement. Cela s'est produit peu de temps après la mort de Pouchkine, puis de Baratynsky et de Lermontov. C'est-à-dire au début des années 1840. Les poètes de l’ancienne génération se sont en même temps lassés de la vie littéraire turbulente et se sont déconnectés du processus actif. Joukovski a commencé à traduire de volumineuses œuvres épiques - vous connaissez sa traduction de l'Odyssée d'Homère. Piotr Viazemsky s'est longtemps caché dans une profonde ombre littéraire, s'est éloigné des affaires poétiques, et ce n'est que dans la vieillesse que son talent s'est à nouveau épanoui et qu'il est retourné aux confins de sa littérature natale. Vladimir Benediktov a connu une popularité instantanée au milieu des années 1830 – et est tout aussi rapidement passé de mode.

Et nombre de jeunes paroliers des années 1840, restés sous les yeux du public, semblaient avoir oublié comment écrire. La compétence la plus élevée, la maîtrise de la technique du vers, qui à l’époque de Pouchkine était considérée comme la norme, quelque chose de acquis, a été soudainement perdue par la plupart des poètes.

Et il n’y a rien de surprenant ici.

Au tout début du XIXe siècle, la littérature russe a appris à décrire le caractère humain dans son individualité et son caractère unique. Dans les années 1820 et 1830, les écrivains nationaux ont commencé à relier le destin de leurs héros à une époque historique spécifique, à ces circonstances financières quotidiennes dont dépend souvent le comportement humain. Et maintenant, dans les années 1840, ils se trouvaient confrontés à de nouvelles tâches importantes. Ils ont commencé à regarder la personnalité humaine à travers le prisme des relations sociales, à expliquer les actions des héros par l'influence de « l'environnement » et à les dériver de raisons économiques et politiques.

Les lecteurs des années 1840-1860 attendaient précisément de telles œuvres sociales. Et pour résoudre de tels problèmes, la prose épique, narrative, un essai physiologique et un article journalistique étaient beaucoup plus appropriés. Par conséquent, les principales forces littéraires de cette époque se sont concentrées sur le « tremplin » prosaïque. Les paroles semblaient avoir temporairement perdu leur contenu sérieux. Et cette absence de but intérieur, cette vacuité, saignait la forme poétique. C’est ainsi qu’une plante se dessèche, son accès aux sucs souterrains vitaux étant bloqué.

• Pourquoi la prose a-t-elle relégué la poésie en marge du processus littéraire dans les années 1840 ? Quelles tâches importantes la littérature russe résout-elle au cours de cette décennie ?

Pierre-Jean Béranger

Comment utiliser le lyrisme pour parler de choses douloureuses, du quotidien « insignifiant », comment exprimer de nouvelles idées sociales ? La poésie européenne a également répondu à ces questions dans les années 1840. Après tout, le passage de l’ère du romantisme à l’ère du naturalisme a eu lieu partout ! Mais là-bas, surtout en France, une tradition de paroles sociales et révolutionnaires s'était déjà développée et un langage poétique particulier était apparu. Ce langage a été « adapté » pour une conversation émotionnelle - et en même temps sincère - sur les troubles et les chagrins de la société moderne, sur le sort tragique d'une « petite » personne. Autrement dit, la transition de la poésie vers une nouvelle qualité sociale a été préparée à l'avance et corrélée à la tradition culturelle.

Le plus important des poètes « révolutionnaires » européens, les paroliers sociaux, est à juste titre considéré comme le Français Pierre Jean Béranger (1780-1857).

Élevé par son grand-père comme tailleur, il a été témoin dès son enfance des bouleversements de la Révolution française. La jeune Béranger croyait en ses idéaux et - ce qui n'est pas moins important pour la littérature - se souvenait à jamais du son des chants populaires révolutionnaires chantés par la foule insurgée. La plus populaire de ces chansons vous est bien connue : c'est « La Marseillaise » ; son contenu quelque peu sanguinaire – un appel à la violence – s'habillait d'une forme musicale solennelle et légère. Les chansons de l'ère révolutionnaire utilisaient non seulement de riches expressions folkloriques et des blagues inacceptables dans les paroles « élevées », mais utilisaient également les possibilités de la poésie épique - une courte intrigue dynamique, un refrain constant (c'est-à-dire la répétition du « refrain » ou quelques lignes clés).

Depuis lors, le genre du poème-chanson, stylisé comme folklorique, s'est imposé dans l'œuvre de Béranger. Qu'elles soient frivoles, satiriques (souvent dirigées contre la morale du sacerdoce catholique), ou politiques, pathétiques, ces chansons étaient appréciées par un large public. Dès le début, l'image d'un héros lyrique est apparue et s'est imposée en eux - poète national, un homme de la foule, qui déteste la richesse. (Bien sûr, dans la vraie vie, Bérenger lui-même n’était pas aussi étranger à l’argent qu’il y paraît à la lecture de ses poèmes.)

Les paroliers russes ont commencé à traduire Bérenger au milieu des années 1830. Mais parmi sa créativité vaste et variée, seules les « chansons » lyriques ont été choisies au début, si semblables aux expériences familières des « chansons folkloriques » stylisées créées par les poètes du début du siècle et de la génération de Pouchkine :

Le moment viendra - votre mai deviendra vert ;
Le moment viendra : je quitterai ce monde ;
Votre écrou de blocage deviendra blanc ;
L'éclat des yeux en agate s'estompera.
(« Ma vieille dame. » Traduit par Viktor Teplyakov, 1836)

C'est naturellement ; Nous sommes toujours intéressés par les expériences des autres, tout autant qu'elles nous aident à accomplir nos propres tâches. Et les tâches auxquelles était confrontée la littérature russe au milieu des années 1830 différaient de celles qu’elle résolvait au cours de la décennie troublée des années 1840. Ce n’est pas pour rien que les écrivains russes de la génération de Lermontov ont traduit de manière sélective Heinrich Heine, un poète au sentiment social exacerbé, en prêtant attention avant tout à ses paroles philosophiques, à son ironie romantique. Et les poètes des années 1840 s’intéressaient déjà à l’autre côté du talent de Heine : à ses poèmes politiques, civiques et satiriques.

Et maintenant, alors que la prose russe parlait si amèrement et si amèrement du côté obscur de la vie, la poésie russe devait également maîtriser une nouvelle expérience artistique. Il n'y avait pas de tradition établie, c'est pourquoi les paroliers des années 1840 allèrent volontairement étudier auprès de Bérenger.

Mais tout comme un écolier doit « mûrir » aux sujets sérieux étudiés au lycée, les poètes passent plus d'un an à essayer de « mûrir » pour une traduction réussie. Après tout, un poème traduit d'une langue étrangère doit conserver le goût de « l'étranger » - et en même temps devenir « le nôtre », le russe. Par conséquent, ce n'est qu'au milieu des années 1850 que Béranger « parlait » le russe naturellement et naturellement. Et le principal mérite en revient à Vasily Stepanovich Kurochkin (1831-1875), qui a publié en 1858 le recueil « Les Chansons de Béranger » :

"Tu vivras, regarde !" - vieil oncle
Je suis prêt à le répéter pendant un siècle entier.
Comme je ris en regardant mon oncle !
Je suis une personne positive.
je dépense tout
Je ne pourrai pas -
Puisque je ne suis rien
Je n'en ai pas.
................................
Après tout, dans l'assiette d'un traiteur
La capitale de ses ancêtres est assise ;
Je connais les domestiques de la taverne :
Plein et constamment ivre à crédit.
je dépense tout
Je ne pourrai pas -
Puisque je ne suis rien
Je n'en ai pas.
("Homme positif", 1858)

Vous avez bien sûr remarqué que ces poèmes n’étaient pas simplement traduits en russe. Ici, l’une des règles d’une « bonne » traduction est délibérément violée : l’esprit français a complètement disparu chez Bérenger, le traducteur a arraché le poème au sol culturel d’autrui et l’a complètement transplanté dans le sien. Ces poèmes semblent n’avoir pas été traduits du français, mais avoir été écrits immédiatement en russe – et par un poète russe. Ils sont russifiés, c’est-à-dire qu’ils utilisent des expressions définitivement attribuées à la vie quotidienne russe et totalement inappropriées dans le contexte français. Par exemple : « Répéter... pendant un siècle », « nourri et ivre ». Une autre traduction de Kurochkin, le poème « M. Iscariot » (1861), est encore plus russifiée :

Monsieur Iscariote -
L'excentrique le plus gentil :
Patriote des patriotes,
Un bon gars, un gars drôle,
S'étale comme un chat
Se plie comme un serpent...
Pourquoi de telles personnes
Est-ce qu'on s'aliène un peu ?..
.............................................
Lecteur zélé de tous les magazines,
Il est capable et prêt
Les libéraux les plus zélés
Effrayez avec un flot de mots.
Il criera haut et fort : « Glasnost !
Conducteur des idées saintes ! »
Mais qui connaît les gens
Chuchote, sentant le danger :
Chut, chut, messieurs !
Monsieur Iscariote,
Patriote des patriotes,
Venir ici!..

Ce n'est pas sans raison que le poème français sur le délateur « Monsieur Iscariote » (Iscariote était le nom de Judas, qui a dénoncé le Christ) a été transformé en une satire russe sur le délateur « M. Iscariote ». Vasily Kurochkin a délibérément arraché la poésie de Béranger de ses racines françaises et en a fait un fait de la culture russe. Avec l'aide de Béranger, il crée le langage de la poésie sociale russe et maîtrise de nouvelles possibilités artistiques. Et il a plutôt bien réussi.

Mais le fait est que la chance sur le chemin choisi a dû attendre trop longtemps ; Les poètes russes de la seconde moitié des années 1850 auraient pu se passer de Béranger et s'appuyer sur l'expérience artistique de Nikolai Alekseevich Nekrasov. (Un chapitre séparé est consacré à la biographie de Nekrasov et au monde artistique dans le manuel.) C'est Nekrasov, pour la première fois dans la tradition culturelle russe, qui a réussi à combiner l'incompatible - la « socialité » grossière et le lyrisme profond ; qui a créé un nouveau langage poétique, proposé de nouveaux rythmes pour la poésie autochtone qui conviendraient à de nouveaux sujets et à de nouvelles idées. La véritable renommée lui est venue immédiatement après la publication du poème « Suis-je en train de conduire dans une rue sombre la nuit... » dans le magazine Sovremennik en 1847 :

Te souviens-tu des sons lugubres des trompettes,
Des éclaboussures de pluie, mi-lumière, mi-obscurité ?
Votre fils a pleuré et ses mains étaient froides
Tu l'as réchauffé avec ton souffle...

Tout le monde a lu ces lignes perçantes - et a compris : le voici, un nouveau mot en poésie, la seule forme correcte a enfin été trouvée pour raconter des expériences émotionnelles liées à la pauvreté, au désordre, à la vie quotidienne...

Mais personne n’a aidé les poètes des années 1840 à résoudre les problèmes artistiques et substantiels auxquels ils étaient confrontés.

• Pourquoi les traductions des poèmes du poète français Béranger ont-elles été russifiées par Kourochkine ? Relisez la citation du poème « M. Iscariot ». On y trouve des exemples d’expressions tellement liées au discours russe qu’elles arrachent le texte de Bérenger à la tradition française.

Paroles par Alexeï Pleshcheev

Néanmoins, même dans les années 1840, certains poètes russes ont tenté de parler des mêmes problèmes sociaux graves évoqués par la prose sociale, dans la langue familière de Pouchkine-Lermontov. Le plus souvent, cela ne s’est pas très bien passé. Même les plus doués d’entre eux.

Ainsi, Alexeï Nikolaïevitch Pleshcheev (1825-1893) a souvent écrit de la poésie civique et politique au cours de cette décennie ; Voici l’un des plus connus et des plus populaires :

Avant! sans crainte ni doute
Un bel exploit, les amis !
L'aube de la sainte rédemption
Je l'ai vu dans le ciel !

...Nous ne ferons pas de nous une idole
Ni sur terre ni au ciel ;
Pour tous les dons et bénédictions du monde
Nous ne tomberons pas en poussière devant lui !..

...Écoutez, frères, la parole de votre frère,
Pendant que nous sommes pleins de force juvénile :
En avant, en avant et sans retour,
Peu importe ce que le destin nous promet au loin !
(« En avant ! sans crainte ni doute... », 1846)

Pleshcheev n'a pas du tout lu ses idées rebelles dans les livres. Il a participé sérieusement au cercle révolutionnaire des « Petrashevites » (nous en parlerons davantage dans le chapitre du manuel consacré à Fiodor Mikhaïlovitch Dostoïevski). En 1849, le poète fut arrêté et, avec d'autres « Petrashevites » actifs, fut condamné à mort par balle. Après une attente terrible, sur la place où devait avoir lieu l'exécution, on lui annonça que la peine avait été commuée et que l'exécution avait été remplacée par le service militaire. Pleshcheev, qui subit un terrible choc, fut exilé dans l'Oural et ce n'est qu'en 1859 qu'il fut autorisé à retourner en Russie centrale. (D'abord à Moscou, puis à Saint-Pétersbourg.)

Pleshcheev a donc souffert, enduré et payé de sa propre vie les pensées exprimées dans le poème. Mais une vraie biographie est une chose, et la créativité en est une autre. Dans ses poèmes civiques des années 1840, Pleshcheev utilisait encore le tétramètre iambique habituel, effacé d'un usage fréquent, et effaçait les images poétiques générales.

Revenons à la citation du poème « En avant ! sans crainte ni doute...", relisez-le.

Le poète combine des idées venues de la Bible (« Ne nous faisons pas d'idoles... Pour proclamer les enseignements de l'amour... ») avec des idées à la mode sur le progrès et le triomphe de la science (« ...Et que , sous la bannière de la science // Notre Union se renforce et grandit..."). Mais il ne trouve pas d’autres modèles que l’ode à la Liberté de Pouchkine, écrite près de trente ans plus tôt. Peut-être les paroles politiques des décembristes - mais c'est une époque complètement différente, la vie elle-même parle un autre langage !

Pleshcheev se force littéralement à rimer des slogans révolutionnaires, le matériau artistique y résiste - et dans la strophe finale, Pleshcheev « pousse » la pensée dans une forme indisciplinée, paralysant le son du vers. Remarquez quelle foule de sons il y a dans les deux dernières lignes ! "En avant, en avant et sans retour, // Peu importe ce que le destin au loin nous promet !" "VPRD... VPRD...BZVZVRT...CHTBRKVD..." Une série continue de collisions sonores, totalement injustifiées par la conception.

Et ce n’est pas le talent individuel d’Alexei Pleshcheev qui compte ici. C'était juste un poète très talentueux et nombre de ses poèmes figuraient dans le fonds d'or des classiques russes. Mais telle était la situation littéraire des années 1840 dans son ensemble, contradictoire et inégale. La situation, comme nous l'avons déjà dit, ne changera que dans les années 1850 et 1860, après que Nekrassov se soit retrouvé au centre même du processus littéraire. Et puis Pleshcheev s'éloignera progressivement du « progressisme » délibéré (même s'il rappellera parfois ses motifs politiques favoris) et reviendra aux thèmes poétiques traditionnels : la vie rurale, la nature.

Ce sont ces lignes sans prétention et très simples de Pleshcheev qui seront incluses dans les manuels scolaires et les anthologies et seront familières à tous les Russes. Il suffit de dire la première ligne - et le reste émergera automatiquement dans votre mémoire : « L'herbe devient verte, // Le soleil brille, // L'hirondelle vole avec le printemps // Dans la canopée vole vers nous » (« Chanson rurale », 1858, traduction du polonais). Ou : « Une image ennuyeuse ! // Des nuages ​​sans fin, // La pluie continue de tomber, // Des flaques d'eau près du porche... » (1860).

Tel fut le destin littéraire de ces poètes russes qui tentèrent alors de revêtir l'expérience sociale accumulée dans la prose de la matière subtile du vers. Et les poèmes d’autres paroliers, restés fidèles à l’harmonie de Pouchkine, à la grâce de la « finition », acquéraient parfois une sorte de caractère muséal et mémoriel.

• Pourquoi le talentueux poète Alexeï Pleshcheev, qui a créé des poèmes « civiques » dans les années 1840, a-t-il rarement réussi ?

En 1842, le premier recueil de poèmes du jeune poète, fils de l'académicien de la peinture Apollo Nikolaevich Maykov (1821-1897), est publié. Dès le début, il s’est déclaré poète classique « traditionnel » ; comme du lyrisme, loin du quotidien, des détails momentanés de la vie qui coule à toute allure. Le genre préféré de Maykov est celui des paroles anthologiques. (Rappelons-nous encore une fois : une anthologie dans la Grèce antique était un nom pour les recueils des meilleurs poèmes exemplaires ; la plus célèbre des anthologies anciennes a été compilée par le poète Méléagre au 1er siècle avant JC.) C'est-à-dire que Maïkov a créé des poèmes. qui stylisait le monde plastique de l'ancienne proportionnalité, plasticité, harmonie :

Les vers harmonisent les secrets divins
Ne pensez pas à le découvrir dans les livres des sages :
Au bord des eaux endormies, errant seul, par hasard,
Écoute avec ton âme le murmure des roseaux,
Je parle des forêts de chênes ; leur son est extraordinaire
Ressentir et comprendre... Dans la consonance de la poésie
Involontairement de tes lèvres des octaves dimensionnelles
Les chênaies coulent, sonores comme de la musique.
("Octaves", 1841)

Ce poème a été écrit par un jeune auteur, mais on le sent tout de suite : il est déjà un vrai maître. Le rythme étendu est clairement maintenu, le son du vers est subordonné à la structure musicale. Si dans un vers nous pouvons facilement discerner l'onomatopée du bruissement des roseaux (« Écoutez avec votre âme le murmure des roseaux »), alors dans le suivant nous entendrons le murmure de la forêt (« Le chêne parle »). Et en finale, sons doux et durs feront la paix les uns avec les autres, s'uniront en une douce harmonie : « OCTAVES DIMENSIONNÉES // Coulant, sonore, comme la Musique des Chênes »...

Et pourtant, si vous vous souvenez des poèmes anthologiques de Pouchkine - et comparez les vers que vous venez de lire avec eux, vous découvrirez immédiatement une certaine amorphie, léthargie des paroles de Maïkov. C'est ainsi que Pouchkine décrivait la statue de Tsarskoïe Selo en 1830 :

Après avoir laissé tomber l'urne remplie d'eau, la jeune fille la brisa sur la falaise.
La vierge est assise tristement, oisive, tenant un tesson.
Miracle! l'eau ne tarira pas en s'écoulant de l'urne brisée ;
La Vierge, au-dessus du ruisseau éternel, est assise à jamais triste.

Ici, une image a été créée de quelque chose d'imparable - et en même temps arrêté ! - mouvements. L'échelle sonore est ici idéalement choisie : le son "u" bourdonne tristement ("Une Urne avec de l'eau... à propos d'une Falaise... UN MIRACLE... d'une Urne... dans un ruisseau..."), le son explosif « Ch » est combiné avec un « N » prolongé et commence lui-même à sonner plus visqueux : « triste... éternel... éternel ». Et dès le premier vers, le choc violent des consonnes donne la sensation d’un coup : « La Vierge l’a brisée ».

Mais cela ne suffit pas à Pouchkine. Il communique au lecteur un profond sentiment de tristesse cachée ; l'éternité et la tristesse, la perfection sculpturale des formes et l'essence sombre de la vie sont inextricablement liées chez lui. Pour cela, il semble faire osciller le verset et répéter : "... la jeune fille s'est cassée... la jeune fille est assise... la jeune fille... est assise tristement." Les répétitions créent l’effet d’un mouvement circulaire et désespéré.

Et pour Pouchkine, un mot inattendu parmi les expressions sculpturales et douces suffit à toucher le lecteur, à le gratter, à le piquer légèrement. Ce mot est « inactif ». On tombe sur l'expression « tesson inactif » - et on imagine immédiatement la confusion, la tristesse de la « jeune fille » : à l'instant l'urne était intacte, on pouvait y verser du vin et de l'eau - et puis en une seconde elle est devenue « inactive », inutile, et c'est déjà pour toujours...

Mais chez Maykov, malgré toute la perfection de son premier poème, tout est si fluide qu'il n'y a rien à saisir. Les secrets du vers sont « divins » (que pourraient-ils être d'autre ?), les eaux sont « endormies », le bruit des forêts de chênes est « extraordinaire »... Et seulement des années plus tard, de nouvelles images apparaîtront dans les paroles de Maykov, capter l'attention du lecteur avec fraîcheur et surprise :

Printemps! le premier cadre est exposé -
Et le bruit fit irruption dans la pièce,
Et la bonne nouvelle du temple voisin,
Et les paroles des gens, et le bruit de la roue…
(« Le printemps ! Le premier tableau est exposé... », 1854).

Les poèmes paysagers de feu Maykov, dépourvus de connotations sociales, posent un défi unique au ton général de l'époque et aux goûts poétiques dominants :

Mon jardin se dessèche chaque jour ;
Il est cabossé, cassé et vide,
Bien qu'il fleurisse encore magnifiquement
La capucine qu'elle contient est un buisson de feu...

Je suis contrarié! Me dérange
Et le soleil d'automne,
Et la feuille qui tombe du bouleau,
Et le crépitement des sauterelles tardives...
("Les hirondelles", 1856)

Le ton général du poème est sourd, les couleurs sont dépourvues de tons « hurlants » et durs ; mais dans les profondeurs mêmes du poème mûrissent des images très audacieuses. La métaphore du magnifique flétrissement de la nature automnale remonte à «l'Automne» de Pouchkine, mais combien inattendue est l'image d'un buisson de capucine écarlate brûlant, combien contradictoires sont les sentiments du héros lyrique, qui n'est pas du tout ravi de cette splendeur, mais il est irrité par les « bagatelles » du quotidien automnal...

• Une tâche de difficulté accrue. Lisez les poèmes de Yakov Polonsky, un autre parolier russe qui a commencé son parcours littéraire dans les années 1840, mais n'a révélé son talent qu'au cours de la décennie suivante. Préparer un reportage sur son univers artistique, en utilisant les conseils du professeur et de la littérature complémentaire.

Kozma Prutkov

Lorsque la poésie « originale » est en crise, cherchant péniblement de nouvelles idées et de nouvelles formes d’expression de soi, le genre de la parodie fleurit généralement. C'est-à-dire une reproduction comique des particularités de la manière d'un écrivain ou d'un poète particulier.

À la fin des années 1840, Alexeï Konstantinovitch Tolstoï (1817-1875) et ses cousins ​​​​Alexei Mikhaïlovitch (1821-1908) et Vladimir Mikhaïlovitch (1830-1884) Zhemchuzhnikovs ont inventé... un poète. (Parfois, un troisième frère, Alexandre Mikhaïlovitch, se joignait au travail parodique commun.) Ils commencèrent à écrire des poèmes au nom du graphomane inexistant Kozma Prutkov, et dans ces poèmes, ils parodièrent la bureaucratie dans toutes ses manifestations. Qu’il s’agisse de poésie anthologique trop raffinée et décalée ou de paroles civiques trop prétentieuses.

Par conséquent, ils ont élaboré une biographie « officielle » de Prutkov, faisant de lui un fonctionnaire, directeur de la Tente d'analyse. Le quatrième des frères Zhemchuzhnikov, Lev Mikhailovich, a peint un portrait de Prutkov, combinant les traits martinets d'un bureaucrate et le masque d'un poète romantique. C’est l’apparence littéraire de Kozma Prutkov, faussement romantique et bureaucratique à la fois :

Quand tu rencontres une personne dans la foule,
Qui est nu ;
[Option : Quel frac porte-t-il ? - Note. K. Prutkova]
Dont le front est plus sombre que le Kazbek brumeux,
Le pas est inégal ;
Dont les cheveux sont dressés en désordre ;
Qui, criant,
Toujours tremblant de nervosité, -
Sachez : c'est moi !
("Mon portrait")

Dans l'apparition de Kozma Prutkov, l'incompatible était combiné - l'image romantique tardive d'un poète "étrange", sauvage, "qui est nu", et d'un fonctionnaire, "qui porte un frac". De la même manière, il ne se soucie pas de quoi et de quelle manière il écrit de la poésie - soit pour répéter les intonations de bravoure de Vladimir Benediktov, soit pour composer dans l'esprit ancien, comme Maikov ou d'autres poètes « anthologiques » des années 1840 :

Je t'aime, jeune fille, quand c'est doré
Et baigné de soleil tu tiens un citron,
Et je vois le menton duveteux du jeune homme
Entre feuilles d'acanthe et colonnes blanches...
(« Grec ancien plastique »)

Prutkov saisit aussi au vol le style de nombreux imitateurs de Heine, créateurs de poésie « sociale » :

En bord de mer, juste à côté de l'avant-poste,
J'ai vu un grand potager.
De hautes asperges y poussent ;
Le chou y pousse modestement.

Il y a toujours un jardinier là-bas le matin
Marche paresseusement entre les crêtes ;
Il porte un tablier négligé ;
Son air sombre est sombre.
............................................
L'autre jour, il est venu vers lui en voiture
Le responsable de la troïka est fringant.
Il porte des galoches hautes et chaudes,
Il y a une lorgnette dorée sur le cou.

"Où est ta fille?" - demande
Le fonctionnaire, louchant à travers sa lorgnette,
Mais, le regard furieux, le jardinier
Il se contenta d'agiter la main en réponse.

Et la troïka est revenue au galop,
La rosée du chou...
Le jardinier se tient maussade
Et il enfonce son doigt dans son nez.
("Au bord de la mer")

Mais si la « créativité » de Kozma Prutkov n’était qu’une parodie et rien de plus, elle serait morte avec son époque. Mais il est resté utilisé par les lecteurs ; les œuvres de Prutkov ont été rééditées pendant un siècle et demi. Cela signifie qu’ils ont dépassé les frontières des genres ! Ce n'est pas pour rien que les créateurs de cette image collective ont mis dans la bouche de leur personnage un reproche au feuilletoniste du journal « St. Petersburg News » : « Feuilletoniste, j'ai parcouru votre article... Vous m'y mentionnez. ; ce n'est rien. Mais là, vous me blasphèmez sans fondement ! Pour cela, je ne ferai pas l'éloge...

Êtes-vous en train de dire que j'écris des parodies ? Pas du tout !.. Je n’écris pas du tout de parodies ! Je n'ai jamais écrit de parodie ! D'où t'es venue l'idée que j'écrive des parodies ?! J'ai simplement analysé dans mon esprit la plupart des poètes qui ont réussi ; cette analyse m'a conduit à une synthèse ; car les talents, dispersés séparément parmi d’autres poètes, se sont avérés tous combinés en moi comme un seul !.. »

Dans la « créativité » de Prutkov, les motifs à la mode de la poésie russe des années 1840 et 1850 sont véritablement résumés et fondus, créant une image drôle et à sa manière intégrale d'un romantique officiel, d'un graphomane inspiré, d'un prédicateur pompeux de la banalité, l'auteur du projet «Sur l'introduction de l'unanimité en Russie». Mais en même temps, Prutkov semble parfois accidentellement laisser échapper la vérité ; Certains de ses aphorismes sont entrés dans notre discours quotidien, ayant perdu leur sens moqueur : « Si tu veux être heureux, sois heureux », « Un spécialiste est comme du gumboil : sa complétude est unilatérale ». Il y a quelque chose de très vivant dans la personnalité littéraire de Prutkov. Et par conséquent, ce ne sont pas les parodies de Prutkov sur des poètes individuels (pour la plupart à juste titre oubliés), mais précisément son image elle-même qui est entrée à jamais dans l’histoire de la littérature russe.

• Qu'est-ce qu'une parodie ? Peut-on considérer que les poèmes écrits au nom de Kozma Prutkov ne sont que des parodies ? Pourquoi la créativité parodique s'épanouit-elle dans ces moments où la littérature connaît une crise ?

Certes, dans les années 1850-1860, plus propices à la poésie, les destinées littéraires évoluent différemment ; de nombreux poètes russes, dont nous sommes fiers aujourd'hui, n'ont jamais trouvé la reconnaissance des lecteurs. Ainsi, deux poèmes de l'éminent critique littéraire et théâtral Apollo Alexandrovitch Grigoriev (1822-1864) - "Oh, parle-moi au moins..." et "Le Tsigane Hongrois" - n'ont attiré l'attention générale que parce qu'ils ont acquis un second - musical - la vie est devenue des romans populaires. Tous deux sont dédiés à la guitare, à la passion gitane, à la dépression fatale, à l'obsession amoureuse :

Oh, parle-moi au moins,
Ami à sept cordes !
L'âme est pleine d'un tel désir,
Et la nuit est tellement éclairée par la lune !..
(« Oh, parle… », 1857)

Deux guitares, qui sonnent,
Ils gémissaient pitoyablement...
Un chant mémorable de l'enfance,
Mon vieil ami, c'est toi ?
.........................................
C'est toi, la frénésie fringante,
Toi, fusion maléfique de tristesse
Avec la volupté d'une bayadère -
Toi, motif hongrois !

Chibiryak, chibiryak, chibiryashka,
Tu as les yeux bleus, ma chérie !
.........
Que ça fasse de plus en plus mal
Les sons hurlent
Pour accélérer ton cœur
Éclatez-vous de farine !
(« Gypsy Hongrois », 1857)

Apollo Grigoriev savait de première main ce qu'était une « frénésie fringante » ; il a grandi dans le Zamoskvorechye patriarcal, dans une famille de nobles issus de la classe des serfs (le grand-père de Grigoriev était un paysan) et avait une attitude russe et débridée envers tout - à la fois le travail et les loisirs. Il a abandonné une carrière qui commençait à être rentable, était constamment dans le besoin, buvait beaucoup, s'est endetté deux fois - et est en fait mort alors qu'il était emprisonné pour dettes...

En tant que personne éduquée en Europe, Grigoriev a défendu les idées d'identité nationale dans des articles critiques. Il a qualifié les principes de sa critique d'organiques, c'est-à-dire de co-naturels avec l'art, contrairement à la critique « historique » de Belinsky ou à la « vraie » critique de Dobrolyubov. Les contemporains lisaient et discutaient activement des articles de Grigoriev ; cependant, du vivant du poète, ses merveilleux poèmes n'ont été publiés qu'une seule fois dans une édition séparée - et dans une petite édition, à seulement cinquante exemplaires...

• Lisez "Le Tsigane Hongrois" d'Apollon Grigoriev. Identifier les traits d'une romance dans la construction du poème, montrer comment sa structure même contient un début « musical ».

Alexeï Tolstoï

Mais les choses se sont bien mieux passées biographie littéraire Alexei Konstantinovitch Tolstoï (1817-1875) - l'un des principaux « créateurs » de Kozma Prutkov. (Vous avez déjà lu à l'école primaire son merveilleux poème "Mes petites cloches, fleurs des steppes...", qui, comme beaucoup de poèmes de Tolstoï, est devenu une romance populaire.)

Issu d'une vieille famille qui a passé son enfance dans le domaine maternel de la Petite Russie, dans la région de Tchernigov, Alexeï Konstantinovitch, dix ans, a été présenté au grand Goethe. Et ce n'était pas la première « connaissance littéraire » du jeune Alexei. Son oncle, Alexey Perovsky (pseudonyme - Antony Pogorelsky), était un merveilleux écrivain romantique, l'auteur du conte de fées "La Poule noire", que beaucoup d'entre vous ont lu. Il a rassemblé dans sa maison de Saint-Pétersbourg toute la fleur de la littérature russe - Pouchkine, Joukovski, Krylov, Gogol ; le neveu a été admis à cette réunion des « immortels » - et pour le reste de sa vie il s'est souvenu de leurs conversations, remarques, remarques.

Il n’est pas surprenant qu’il ait déjà commencé à composer à l’âge de six ans ; ses premiers poèmes furent approuvés par Joukovski lui-même. Et plus tard, Tolstoï a écrit de la prose ; dans son roman historique « Prince Silver » (achevé en 1861), des gens nobles agiront et de véritables passions régneront ; De plus, Alexey Konstantinovich n'était pas du tout gêné par le fait que les principes romantiques de Walter Scott, qu'il suivait invariablement, étaient considérés par beaucoup comme dépassés. La vérité ne peut pas se démoder, et tenir compte de la mode littéraire était indigne de lui.

En 1834, Alexeï Konstantinovitch entra au service souverain dans les archives du ministère des Affaires étrangères de Moscou, étudia les manuscrits russes anciens ; puis il servit dans la mission russe à Francfort-sur-le-Main ; finalement, il fut inscrit dans le propre bureau de Sa Majesté - et devint un véritable courtisan. C'est à la cour qu'il rencontre son future femme, Sofya Andreevna Miller (née Bakhmetyeva) - ils se sont rencontrés lors d'un bal au cours de l'hiver 1850/51.

La carrière officielle de Tolstoï fut une réussite ; il savait conserver son indépendance interne et suivre ses propres principes. C'est Tolstoï qui a aidé à libérer le grand poète ukrainien, auteur du brillant poème « Le vaste Dniepr rugit et gémit » de l'exil en Asie centrale et du service militaire ; a tout fait pour qu'Ivan Sergueïevitch Tourgueniev soit libéré de son exil à Spasskoye-Lutovinovo pour sa nécrologie à la mémoire de Gogol ; Lorsqu'Alexandre II demanda un jour à Alexeï Konstantinovitch : « Que se passe-t-il dans la littérature russe ? », il répondit : « La littérature russe a pris le deuil de la condamnation injuste de Tchernychevski. »

Néanmoins, au milieu des années 1850, après avoir réussi à prendre part à la guerre de Crimée, qui fut extrêmement infructueuse pour la Russie, Tolstoï décida de prendre sa retraite pour se libérer du service qui l'avait longtemps accablé. Mais ce n'est qu'en 1861 qu'Alexandre II donna sa démission - et Alexei Konstantinovich put se concentrer pleinement sur son travail littéraire.

A cette époque, son monde artistique était déjà pleinement développé. Tout comme Tolstoï lui-même se distinguait par une intégrité intérieure et une santé mentale rare, de même son héros lyrique est étranger aux doutes et à la mélancolie insolubles ; l'idéal russe d'ouverture et de sentiment sans mélange lui est extrêmement proche :

Si tu aimes, donc sans raison,
Si tu menaces, ce n'est pas une blague,
Si tu grondes si imprudemment,
Si vous hachez, c'est dommage !

Si vous discutez, c'est trop audacieux,
Si vous punissez, c'est le but,
Si tu pardonnes, alors de tout ton cœur,
S’il y a une fête, alors il y a une fête !

Dans ce poème de huit vers, écrit en 1850 ou 1851, il n'y a pas une seule épithète : le héros lyrique n'a pas besoin de nuances, il aspire à la précision, à l'éclat des tons principaux. Pour la même raison, Tolstoï évite la variété dans la construction même du poème ; le principe de l'unité de commandement (anaphore) est utilisé de manière cohérente, passant de ligne en ligne : « Si… alors ». C'est comme si le poète tapait vigoureusement de la main sur la table, en frappant un rythme clair...

Tolstoï n'a jamais rejoint aucun des camps en guerre - Occidentaux et Slavophiles ; c'était un homme de culture mondiale - et en même temps porteur d'une tradition profondément russe. La République de Novgorod, avec sa structure démocratique, lui servait d'idéal politique ; il croyait que le gouvernement national suivait autrefois des principes moraux, mais que dans le monde moderne, il les a perdus, les a échangés contre des intérêts politiques et les a réduits à de mesquines luttes entre différents groupes. Cela signifie que le poète ne peut adhérer à aucune « plateforme » idéologique. Il en va de même pour son héros lyrique : « Deux Stans ne sont pas un combattant, mais seulement un invité aléatoire » ; il est libre de toute obligation de « partie ».

Ce n’est pas sans raison que de nombreux poèmes de Tolstoï - comme ceux de Grigoriev dont nous avons parlé - ont été mis en musique, sont devenus de « vrais » romans et sont encore chantés :

Au milieu d'un bal bruyant, par hasard,
Dans l'angoisse de la vanité du monde,
Je t'ai vu, mais c'est un mystère
Vos fonctionnalités sont couvertes ;

Seuls les yeux semblaient tristes,
Et la voix était si merveilleuse,
Comme le bruit d'une pipe lointaine,
Comme un puits de mer qui joue.
...............................................
Et malheureusement je m'endors comme ça,
Et je dors dans des rêves inconnus...
Est-ce que je t'aime - je ne sais pas
Mais il me semble que j'adore ça !
(« Au milieu d'un bal bruyant, par hasard... », 1851)

Tout en préservant les motifs romantiques traditionnels, Tolstoï les « redresse » imperceptiblement et les simplifie délibérément. Non pas parce qu’il avait peur de s’approcher du gouffre, d’affronter des problèmes insolubles, mais parce que sa nature saine abhorrait toute ambiguïté ou incertitude. Pour la même raison, ses paroles manquent d’ironie romantique, avec sa tragédie et son angoisse internes ; Sa place est prise par l'humour - le rire libre d'une personne joyeuse face aux imperfections de la vie, à l'impossibilité des rêves.

Le poème humoristique le plus célèbre de Tolstoï, « L'histoire de l'État russe de Gostomysl à Timashev », porte une désignation de genre : « satire ». Mais lisons ces versets qui reprennent avec moquerie les principaux événements histoire nationale:

Écoutez les gars
Que te dira grand-père ?
Notre terre est riche
Il n’y a tout simplement aucun ordre là-dedans.
.......................................
Et tout le monde est devenu sous la bannière
Et ils disent : « Que devons-nous faire ?
Envoyons aux Varègues :
Laissez-les venir régner. »

Quel est l'essentiel dans ces lignes amusantes ? Une dénonciation satirique, colérique et caustique des défauts russes traditionnels ou le sourire d'un homme profondément russe envers lui-même, envers son histoire bien-aimée, face à l'immuabilité des vices russes ? Bien sûr, le deuxième ; Pas étonnant que l’auteur revête le masque d’un vieux farceur et compare ses lecteurs à des petits enfants ! En fait, Alexeï Tolstoï ne crée pas une satire meurtrière, mais une parodie triste et joyeuse. Il parodie la forme de la chronique, l’image du chroniqueur (« Compilé à partir de brins d’herbe // Cette histoire imprudente // Ce moine maigre et humble // Le serviteur de Dieu Alexei »). Mais le sujet principal de sa parodie est différent, et nous dirons lequel plus tard.

Le poème comporte 83 strophes et, dans un volume aussi court, Tolstoï parvient à insérer une histoire parodique sur tous les principaux événements symboliques de l'histoire russe, depuis l'appel des Varègues et le baptême de la Russie jusqu'en 1868, date à laquelle les poèmes ont été écrits. :

Quand Vladimir a-t-il rejoint
Au trône de ton père,
......................................
Il a envoyé chercher des prêtres
À Athènes et à Constantinople,
Les prêtres sont venus en masse
Ils se signent et brûlent de l'encens,

Chantez-vous de manière touchante
Et ils remplissent leur bourse ;
La terre, telle qu'elle est, est abondante,
Il n'y a tout simplement pas d'ordre.

Bien sûr, après cela vient une série de discordes princières - « Les Tatars l'ont découvert. // Eh bien, pensent-ils, ne soyez pas lâche ! // Ils ont mis un pantalon, // Nous sommes arrivés en Russie... / / Ils crient : « Rendons hommage ! » // (Faites au moins sortir les saints.) // Il y a beaucoup de détritus de toutes sortes ici // Ils sont arrivés en Russie. Mais il n’y a toujours pas d’ordre. Ni les étrangers occidentaux, ni les « prêtres » byzantins, ni les Tatars-Mongols - personne ne l'a apporté avec eux, personne n'a fait face au désordre constant de la Russie. Et voici, du plus profond de l’histoire russe, notre propre « organisateur » surgit :

Ivan Vasilitch le Terrible
Il avait un nom
Pour être sérieux
Homme solide.

Les réceptions ne sont pas douces,
Mais l’esprit n’est pas boiteux ;
Celui-ci a mis les choses en ordre,
Quelle boule !

Ainsi, à travers la parodie, émerge la propre vision – et très sérieuse – de Tolstoï de l’essence de l’histoire russe. Ses défauts sont une continuation de ses avantages ; ce « désordre » le détruit - et, hélas, il permet à la Rus' de conserver son originalité. Il n'y a rien de bon à cela, mais que faire... Seuls deux dirigeants ont réussi à y imposer « l'ordre » : Ivan le Terrible et Pierre Ier. Mais à quel prix !

Le tsar Pierre aimait l'ordre
Presque comme le tsar Ivan,
Et ce n'était pas non plus doux,
Parfois, il était ivre.

Il a dit : « Je suis désolé pour toi,
Vous périrez complètement ;
Mais j'ai un bâton
Et je suis le père de vous tous!"

Tolstoï ne condamne pas Pierre (« …Je ne blâme pas Pierre : // Donner à un estomac malade // Bon pour la rhubarbe »), mais n'accepte pas sa dureté excessive. L'enveloppe légère de la parodie est immergée dans un contenu toujours plus profond, et la tristesse émerge à travers l'humour. Oui, la Russie est malade, mais le traitement peut s'avérer encore pire, et le résultat de la « guérison » est encore de courte durée : « … Bien qu'il soit très fort // Il y a eu, peut-être, une réception, // Mais toujours assez fort // L'ordre est devenu // Mais un sommeil grave s'est installé // Pierre dans la fleur de l'âge, // Regarde, la terre est abondante, // Il n'y a plus d'ordre.

Le genre de la satire a cédé la place au genre de la parodie, et la parodie s'est imperceptiblement transformée en un poème philosophique, bien qu'écrit sous une forme humoristique. Mais si une parodie peut se passer de contenu positif, d’idéal, alors un poème philosophique ne pourra jamais le faire. Cela signifie que la réponse de Tolstoï à la question doit être cachée quelque part : qu’est-ce qui peut encore guérir l’histoire russe d’une maladie vieille de plusieurs siècles ? Ni les Varègues, ni Byzance, ni le « bâton » - mais alors ? Peut-être que la réponse cachée à la question évidente est contenue dans ces strophes :

Quelle en est la raison ?
Et où est la racine du mal,
Catherine elle-même
Je ne pouvais pas le comprendre.

"Madame, c'est incroyable en votre présence
L'ordre fleurira, -
Ils lui ont écrit poliment
Voltaire et Dideroth, -

Juste ce dont les gens ont besoin
Dont tu es la mère
Donnez plutôt la liberté
Donnez-nous bientôt la liberté. »

Mais Catherine a peur de la liberté, qui pourrait permettre au peuple de se guérir lui-même : « …et a immédiatement attaché // les Ukrainiens à la terre ».

Le poème se termine par des strophes sur le contemporain de Tolstoï, le ministre de l’Intérieur Timashev, un fervent partisan de « l’ordre ». L'ordre en Russie est toujours établi - avec un bâton ; Il n’est pas difficile de deviner ce qui l’attend.

• Quelle est la différence entre la satire et l'humour ? Pourquoi le genre de la parodie était-il si proche d'Alexei Konstantinovich Tolstoï ? Pourquoi pensez-vous qu'il choisit une forme parodique pour un poème philosophique sur le sort de l'histoire russe ?

Poètes des années 1870-1880

Vous savez déjà que toute la seconde moitié du XIXe siècle, du milieu des années 1850 au début des années 1880, s’est déroulée sous le signe de Nekrassov, que l’époque parlait avec la voix de Nekrassov. Dans le prochain chapitre du manuel, vous vous familiariserez en détail avec le monde artistique de Nekrasov et apprendrez à analyser ses poèmes et ses poèmes. Un peu plus loin, dans son ombre publique, se trouvaient deux autres grands paroliers, Fiodor Tioutchev et Afanasy Fet. Des chapitres distincts leur sont également consacrés dans le manuel. En attendant, passons directement des années 1850 aux années 1870-1880, voyons ce qui est arrivé à la poésie russe après Nekrassov.

Et il lui est arrivé presque la même chose qu'après Pouchkine, après Lermontov, après le départ de tout écrivain de grande envergure. La poésie russe était de nouveau désemparée ; elle ne savait quelle voie suivre. Certains paroliers ont développé des motivations sociales et civiques. Par exemple, Semyon Yakovlevich Nadson (1862-1887). Tout comme Vladimir Benediktov a poussé à l'extrême les principes artistiques du lyrisme romantique, Nadson a condensé à l'extrême le pathos et le style du lyrisme civil du modèle Nekrasov :

Mon ami, mon frère, frère fatigué et souffrant,
Qui que vous soyez, ne vous découragez pas.
Laissons le mensonge et le mal régner en maître
Sur la terre lavée de larmes,
Que le saint idéal soit brisé et profané
Et le sang innocent coule, -
Croyez : le temps viendra - et Baal périra,
Et l'amour reviendra sur terre !..

Les poèmes de Nadson jouissaient d’une incroyable popularité dans les années 1880 – presque comme les poèmes de Benediktov dans les années 1830. Pleshcheev a pris soin de lui ; Le recueil de poèmes de Nadson, publié pour la première fois en 1885, a connu cinq éditions à vie ; l'Académie des sciences lui a décerné le prix Pouchkine. On l'appelait le poète de la souffrance et de la mélancolie civique. Et quand, après seulement vingt-cinq ans de vie, Nadson mourut des suites de la phtisie, une foule d'étudiants accompagna son cercueil jusqu'au cimetière...

Mais plusieurs années ont passé et la gloire de Nadson a commencé à s'estomper. Soudain, il est devenu évident qu'il était trop moralisateur, trop direct, que ses images manquaient de volume et de profondeur et que beaucoup de ses poèmes étaient simplement imitatifs.

Pourquoi cela n’a-t-il pas été remarqué du vivant du poète ?

Cela arrive parfois en littérature : l'écrivain semble toucher le point douloureux de son époque, en parlant exactement de ce à quoi pensent actuellement ses contemporains. Et ils répondent de tout leur cœur à sa parole poétique et littéraire. Un effet de résonance se produit, le son de l'œuvre est plusieurs fois intensifié. Et la question de savoir à quel point ce mot est artistique, à quel point il est original, passe au second plan. Et quand un certain temps passe et que d'autres problèmes surgissent devant la société, alors tous les défauts artistiques cachés et les « défauts » créatifs sont révélés.

Cela s'applique en partie à un autre poète populaire des années 1870-1880 - Alexei Nikolaevich Apukhtin (1840-1893). Contrairement à Nadson, il n'était pas issu d'une famille bureaucratique, mais d'une famille noble et bien née. Son enfance se déroule sereinement dans le domaine de ses parents ; il a étudié à l'école d'élite de droit de Saint-Pétersbourg. Et il n'a pas poursuivi la tradition sociale et civique de Nekrasov, mais la ligne de développement de la poésie russe que Maikov avait tracée à son époque.

Apukhtin considérait la poésie comme un art pur, dépourvu de tendancieux, libre du service public, comme distillé. Il s'est comporté en conséquence - il a délibérément évité de participer au processus littéraire « professionnel », il pouvait disparaître du champ de vision des magazines pendant une décennie, puis recommencer à publier. Les lecteurs, et en particulier les lectrices, appréciaient toujours Apoukhtine ; son intonation douce et brisée, la parenté interne de sa poétique avec les lois du genre de la romance, tout cela a trouvé une réponse dans le cœur du lecteur :

Des nuits folles, des nuits blanches,
Les discours sont incohérents, les yeux sont fatigués...
Nuits illuminées par le dernier feu,
Les fleurs mortes d’automne arrivent en retard !
Même si le temps est une main impitoyable
Cela m'a montré ce qu'il y avait de faux en toi,
Pourtant, je vole vers toi avec un souvenir gourmand,
Dans le passé, je cherche la réponse impossible...

Et puis, après un certain temps, les paroles d’Apoukhtine ont commencé à paraître de plus en plus ternes ; Sa sentimentalité excessive et son manque de profondeur réelle commencent à se révéler. La place de Nadson et Apukhtin a été prise par de nouveaux poètes « à la mode » appartenant à la prochaine génération littéraire - Konstantin Fofanov, Mirra Lokhvitskaya. Ils l'ont pris - puis, à leur tour, l'ont cédé à d'autres «interprètes» du rôle littéraire tout fait.

Paroles de Konstantin Sluchevsky

Mais même dans les années 1880-1890, il y avait de véritables grands talents dans la poésie russe qui non seulement résonnaient avec l'époque, mais la dépassaient et travaillaient pour l'avenir. L'un d'eux est le parolier sophistiqué Konstantin Konstantinovitch Sluchevsky (1837-1904).

Il est né l'année de la mort de Pouchkine dans la famille d'un haut fonctionnaire (son père, sénateur, est décédé lors de l'épidémie de choléra de 1848 et sa mère est devenue directrice de l'Institut des filles Alexandre-Mariinsky de Varsovie). Sluchevsky a étudié au premier corps de cadets et a même été inscrit dans le Livre d'or des anciens élèves ; puis il a servi avec brio...

Son entourage a toujours considéré Sluchevsky comme une personne solide ; sa retenue aristocratique et son éducation stricte ont induit en erreur son entourage. Parce que ses poèmes révélaient un monde intérieur complètement différent, fracturé et dramatique, associé à un sens romantique de la vie comme royaume de dualité :

Je ne vais jamais nulle part seul
Nous sommes deux à vivre entre deux personnes :
Le premier c'est moi, à quoi je ressemble,
Et l'autre, c'est moi de mes rêves...

Mais pour l’instant, presque personne dans l’entourage de Sluchevsky ne lisait ces poèmes ; ils étaient publiés dans des publications de troisième ordre. Mais en 1860, Sovremennik ouvre l’année avec une sélection de poèmes lyriques de Sluchevsky, puis son cycle poétique paraît dans Otechestvennye zapiski. Le critique et poète enthousiaste Apollo Grigoriev a déclaré le nouveau poète un génie, Ivan Tourgueniev (qui se disputera plus tard avec Sluchevsky et le parodiera dans le roman « Fumée » sous le nom de Vorochilov) était d'accord : « Oui, père, c'est un futur grand écrivain. .»

La reconnaissance était inspirante, mais Sluchevsky se retrouva otage de la lutte littéraire brutale de ces années-là. Accepté dans un « camp », il fut immédiatement rejeté dans un autre. L'aile radicale raznochinny de la rédaction de Sovremennik a décidé d'excommunier le poète du magazine, malgré la sympathie que Nekrasov lui-même ressentait pour le jeune parolier. Dans les pages d'autres publications démocrates-révolutionnaires, une grêle de ridicule s'est abattue sur Sluchevsky ; il a été décrit comme un rétrograde, un homme sans idées.

Le résultat dépassa les attentes : pensant aux catégories « non modernes » d'honneur et de dignité nobles, Sluchevsky considérait qu'il ne convenait pas qu'un officier et un aristocrate soient le héros des feuilletons. Et - il a démissionné pour quitter la Russie. Il a passé plusieurs années à l'Université de Paris - à la Sorbonne, à l'Université de Berlin, à l'Université de Leipzig, étudiant les sciences naturelles et les mathématiques. Et à Heidelberg, il devient docteur en philosophie.

Finalement, en 1866, il retourna en Russie et commença une nouvelle carrière - déjà sur une voie civile. Il devient l'un des proches collaborateurs de la famille royale et devient chambellan. Mais il ne se remet jamais du choc qui lui a été infligé au tout début de sa carrière littéraire. C’est pourquoi il a construit sa biographie poétique comme étant résolument non littéraire, amateur et non impliqué dans le milieu professionnel. (En cela, il était proche d'Apoukhtine.)

Parmi les poèmes écrits par Sluchevsky dans les années 1860-1870 et non publiés, nous ne trouverons presque aucun poème de prédication « programmatique ». Leur structure artistique est nettement inégale et leur style est évidemment hétérogène. Sluchevsky a été l'un des premiers dans la poésie russe à utiliser non seulement le discours de tous les jours, mais même les phrases cléricales : « D'après l'ensemble des phénomènes lumineux… », « L'aube s'est parfaitement réchauffée… ». Il a développé une poétique particulière de consonances imprécises et de rimes non appariées :

J'ai vu mon enterrement.
Grandes bougies brûlaient,
Le diacre endormi censura,
Et les chanteurs rauques chantaient.
................................................
Tristes sœurs et frères
(Comme la nature nous est incompréhensible !)
Pleuré à la joyeuse rencontre
Avec un quart des revenus.
................................................
Les laquais priaient devant la porte,
Dire au revoir à un endroit perdu
Et dans la cuisine il y a un cuisinier qui mange trop
Je jouais avec la pâte levée...

Ces premiers poèmes portent clairement l'influence des paroles sociales amères de Heinrich Heine ; Comme la plupart des paroliers russes de la seconde moitié du XIXe siècle, Sluchevsky tomba dans le puissant champ énergétique de ce « dernier romantique ». Mais quelque chose d'autre est déjà perceptible ici : Sluchevsky a sa propre idée de part en part, dont l'incarnation nécessite non pas une forme poétique harmonieuse et parfaite, mais des vers bruts, « inachevés », non appariés, une sorte de rime « trébuchante ».

C'est la pensée de la désunion, de la désunion tragique vie humaine, dans l'espace duquel les âmes, les pensées, les cœurs résonnent aussi faiblement et sourdement que les rimes non appariées des vers.

Peut-être le poème le plus caractéristique - et en même temps le plus expressif - de Sluchevsky « La foudre est tombée dans un ruisseau… ». Il parle précisément de l'impossibilité de la rencontre, de l'inévitabilité de la souffrance, de l'impraticabilité de l'amour : « La foudre est tombée dans le ruisseau. // L'eau n'est pas devenue chaude // Et que le ruisseau a été percé jusqu'au fond, /. / A travers le bruissement des ruisseaux, il n'entend pas...<...>Il n'y avait pas d'autre moyen : // Et je pardonnerai, et tu pardonneras." Ce n'est pas pour rien qu'un motif de cimetière apparaît constamment dans les poèmes de Sluchevsky, mélancolique comme le vent de la nuit ; ce n'est pas sans raison qu'un deuxième plan caché émerge à travers ses croquis sociaux. Le projet est mystique.

Sluchevsky écrit constamment sur Méphistophélès, qui a pénétré le monde, sur le démon du mal, dont la double et vague image clignote ici constamment. Une telle vision du monde n’était pas caractéristique du seul Sluchevsky à cette époque ; Ce n’est pas pour rien que son héros lyrique ressemble aux héros « underground » de Dostoïevski. C'est juste que Sluchevsky a été l'un des premiers à saisir et à capturer dans ses poèmes cette attitude qui déterminera beaucoup de choses dans les paroles russes - et dans la culture russe en général - fin XIX des siècles. Cette attitude sera plus tard appelée décadence, du mot français signifiant déclin, crise douloureuse de conscience. Le poète veut être guéri de cette déception - et ne peut trouver la guérison dans rien : ni dans la vie sociale, ni dans la réflexion sur la vie éternelle.

• Une tâche de difficulté accrue. Lisez le poème de Sluchevsky : « Je suis fatigué dans les champs, je m'endors profondément, // Une fois au village pour manger // Je vois par la fenêtre ouverte // Et notre jardin, et un morceau de brocart /. / Passez une merveilleuse nuit... L'air est clair... // Comme c'est calme ! Je m'endormirai en aimant // Le monde entier de Dieu... Mais le nœud coulant a crié // Ou l'ai-je fait ! me nier ? Expliquez pourquoi le poète, à la suite, séparé par des virgules, utilise des expressions populaires courantes (« Je dormirai sur mes deux oreilles », « au village pour manger quelque chose ») et un vocabulaire poétique général et sublime (« ... un morceau de brocart // Passe une bonne nuit...")? Savez-vous d'où vient cette image dans le poème de Sluchevsky : « le boucleur a crié ! // Ou est-ce que je me suis renié ? Sinon, essayez de lire les derniers chapitres des quatre Évangiles, qui parlent du reniement du Christ par l’apôtre Pierre. Formulez maintenant comment vous comprenez la pensée du poète exprimée dans les dernières lignes.

Poésie russe de la fin du siècle et paroles françaises des années 1860-1880

Charles Baudelaire. Paul Verlaine. Arthur Rimbaud

Comme nous l'avons déjà dit, la littérature russe du premier tiers du XIXe siècle était une étudiante assidue de la littérature occidentale. Elle rattrape rapidement son « mentor », étudie auprès de romantiques allemands et anglais, puis auprès de naturalistes français. Et à la fin, elle a « rattrapé » le cours général de la culture mondiale et est devenue une participante égale au processus culturel.

Cela ne veut pas dire que les écrivains russes ont complètement cessé d'adopter l'expérience des autres (seul un imbécile refuse des leçons utiles) ; mais cela signifie qu’ils ont acquis une indépendance interne, appris à évoluer en parallèle, à l’unisson de leurs frères européens. Ainsi, beaucoup de ce qui se passait dans la poésie russe dans la seconde moitié du XIXe siècle semblait rimer avec ce qui se passait à la même époque dans la poésie européenne, notamment française. Ici nous parlons de Il ne s’agit pas tant d’influence que de similarité non fortuite. Ou, comme le disent les historiens et les littéraires, de la typologie.

Vous savez que les meilleurs paroliers russes après Nekrasov sont revenus aux motifs romantiques de la dualité, de la langueur d'esprit, que des notes de désespoir résonnaient dans leur travail, une ambiance de déclin est apparue. Les mêmes motifs se retrouvent facilement dans la poésie française des années 1860-1880.

Le remarquable parolier Charles Baudelaire (1821-1867), gauchiste et rebelle qui participa directement aux événements révolutionnaires de 1848, publia un recueil de poèmes «Fleurs du mal» en 1857. (Le recueil, en cours de mise à jour, a été réédité plusieurs fois.) Les poèmes rassemblés dans ce livre ne remettaient pas seulement en question la moralité petite-bourgeoise (c'est-à-dire universelle) ; Le héros lyrique de Baudelaire a connu une déception extrême, presque mystique, quant aux fondements de la civilisation chrétienne et a revêtu ses sentiments extrêmement discordants d'une forme parfaite et classique.

Dis-moi d'où viens-tu, Belle ?
Votre regard est-il l’azur du ciel ou le produit de l’enfer ?
Toi, comme le vin, tu enivres les lèvres accrochées,
Vous êtes également heureux de semer la joie et l’intrigue.
L'aube et le coucher du soleil s'éteignent dans tes yeux,
Vous diffusez le parfum comme s'il s'agissait d'une soirée d'orage ;
Le jeune est devenu un héros, le grand est tombé en poussière,
Ivre sur les lèvres avec l'urne enchanteresse.

Comme ses prédécesseurs romantiques, Baudelaire brise l'esthétique et la morale, et ce de manière démonstrative et provocatrice ; s'écrie-t-il en se tournant vers la Belle : « Tu marches sur les cadavres avec un sourire fier, // Les diamants de l'horreur répandent leur éclat cruel... » Cela ne l'effraie pas ; Ce n’est pas la Beauté autosuffisante qui fait peur, mais le monde dans lequel elle entre. Et c'est pourquoi il accepte son catastrophisme comme une terrible issue au désespoir terrestre :

Etes-vous Dieu ou Satan ? Êtes-vous un ange ou une sirène ?
Est-ce vraiment important : seulement toi, Reine de Beauté,
Vous libérez le monde de la douloureuse captivité,
Envoi d'encens, de sons et de couleurs !
(« Hymne à la beauté. » Trans. Ellis)

L'immoralisme est devenu un principe artistique pour Baudelaire. Mais si vous lisez attentivement ses poèmes - brillants, dangereux, vraiment semblables aux fleurs des marais, alors cela deviendra clair : ils contiennent non seulement du poison, mais aussi un antidote ; cette horreur, dont Baudelaire est devenu le chanteur, est vaincue par la souffrance du poète, rachetée par la douleur du monde qu’il prend en lui. Néanmoins, "Fleurs du Mal" fit l'objet d'un procès devant un tribunal de Paris ; le poète a été accusé d'avoir insulté la moralité publique et condamné à « retirer » certains poèmes du livre « Fleurs du mal ». Les juges n'étaient pas obligés d'écouter le son caché des répliques ; ils prenaient leur décision en fonction du sens immédiat, quotidien et non poétique des mots.

Baudelaire a commencé à être traduit en Russie dans les années 1870. De plus, les pionniers étaient des poètes populistes comme Vasily Kurochkin et Dmitry Minaev. Leur style, un peu rustique, était extrêmement éloigné de la poétique de Baudelaire, de son jeu métaphorique complexe et de son pathétique flamboyant de protubérances. Comme les juges parisiens, ils prêtèrent attention à l'extérieur, aux thèmes rebelles de Baudelaire - mais avec un signe positif. Et seuls les paroliers russes des générations suivantes ont pu percer le mystère de Baudelaire, ressenti dans ses poèmes comme le signe avant-coureur des images grandioses et tragiques du XXe siècle : « Comme la bannière noire de Tosca la Reine // flottera victorieusement sur elle front déprimé » (« Rate ». Trans. Vyach.I. Ivanov).

« On Time » commence à traduire un autre parolier français, appartenant à la génération postérieure à Baudelaire, Paul Verlaine (1844-1896). Dans ses tristes poèmes, nous avons ressenti quelque chose de familier, l'idée de la dualité inévitable de l'âme humaine, la mélancolie de la déception qui imprègne le monde, le déclin de la force du cœur - nous avons rencontré tout cela chez Nadson, Apukhtin et Sluchevsky. :

Gémissement d'automne -
sonnerie persistante
Le glas -
Malade de cœur
On dirait une corde
Agité...
(« Chanson d'automne ». Traduction de N. Minsky)

Mais tous ces motifs de la poésie de Verlaine ont un sous-texte symbolique et chatoyant. Il ne se contente pas de partager son « spleen » et son blues avec le lecteur ; il sent que l'univers entier « se morfond », que les forces créatrices de l'Univers se tarissent, que le temps de l'incertitude douloureuse et nerveuse approche, que l'humanité est au seuil d'une nouvelle ère, au-delà de laquelle règne une incertitude totale. . Et ce sous-texte ne sera déchiffré que par les traducteurs du début du XXe siècle.

Mais le moins « chanceux » de tous à la fin du XIXe siècle avec les traductions russes fut Arthur Rimbaud (1854-1891), l'auteur du brillant poème tragique, catastrophique et majestueux « Le Navire ivre » (1871). C'est dans ce poème que pour la première fois toutes les principales « lignes de force » de la poésie du XXe siècle ont été identifiées, les motifs et conflits traditionnels des paroles romantiques ont été traduits dans un registre fondamentalement différent, lié aux pressentiments historiques mondiaux, avec futurs bouleversements universels :

Ceux qui me contrôlaient étaient en difficulté :
Leur adresse au tir indienne les a choisis comme cibles,
Parfois, comme moi, sans avoir besoin de voiles,
Il partit en obéissant au débit de la rivière.

Suite à ce que le silence m'a fait comprendre,
Que l'équipage n'existait plus,
Moi, un Hollandais, sous un chargement de soies et de céréales
A été jeté à la mer par des rafales de bourrasque.

Avec la vitesse d'une planète à peine levée,
Tantôt plongeant vers le fond, tantôt s'élevant au-dessus de l'abîme,
Je volais, dépassant les péninsules
Le long des spirales des ouragans changeants.
............................................................
Si j'entre encore dans les eaux d'Europe,
Après tout, ils me sembleront une simple flaque d'eau, -
JE - bateau de papier, - ça ne me va pas
Un garçon plein de tristesse, debout sur ses hanches.

Intercèdez, ô vagues ! Pour moi, dans tant de mers
A celui qui m'a rendu visite - à moi, volant dans les nuages ​​-
Est-il approprié de naviguer sous pavillon de yachts amateurs ?
Ou sous le regard terrible des prisons flottantes ?
(Traduit par D. Brodsky)

Cependant, Arthur Rimbaud a commencé à être traduit en Russie bien plus tard ; Devenu poète de la fin du XIXe siècle en France, il s'est révélé être un poète du XXe siècle en Russie. Mais cela ne veut pas dire que les paroliers russes des années 1880-1890 n'ont pas réfléchi aux mêmes problèmes et n'ont pas suivi la direction indiquée par l'histoire.

• Rappelez-vous le poème de M.Yu. Lermontov « La voile solitaire blanchit ». Comparez les images de ce poème avec les images du « Navire ivre » d'A. Rimbaud. Quelles sont les similitudes, quelles sont les différences fondamentales ?

La poésie de Vladimir Soloviev et le début d'une nouvelle ère dans la poésie russe

Et c'est précisément un tel poète, qui a largement prédit les découvertes artistiques et les idées philosophiques du XXe siècle, qu'était Vladimir Sergueïevitch Soloviev (1853-1900). Devenu diplômé de la Faculté d'histoire et de philosophie de l'Université de Moscou et étudiant volontaire à l'Académie théologique de Moscou, Soloviev s'est plongé dans l'étude d'anciens traités mystiques sur Sophie. C'est-à-dire de l'âme du monde, de la sagesse de Dieu, de la personnification de la féminité éternelle. Comme beaucoup de romantiques, Soloviev croyait que cette force mystique affectait directement sa vie et cherchait donc une mystérieuse rencontre avec Sophia.

En 1875, Vladimir Sergueïevitch se rend à Londres ; la raison formelle était le travail à la bibliothèque du British Museum, la vraie raison était la recherche d'une rencontre avec Sophia. Soloviev remplit des cahiers d'écrits étranges, où parmi les signes indéchiffrables se retrouve souvent un nom familier : Sophie, Sophia. Et - quitte soudainement Londres via Paris pour l'Egypte. Il avait une certaine « voix » qui l’appelait au Caire. Comme il l’écrira plus tard dans le poème « Trois dates » : « Soyez en Égypte ! » - une voix retentit à l'intérieur, // Vers Paris - et la vapeur m'emporte vers le sud." Cette construction purement solovievienne de la phrase poétique est caractéristique : pas un mot n'est dit sur l'état intermédiaire, sur les doutes. La décision est prise instantanément. Telle était la nature de Soloviev.

Pour la même raison, il était si enclin à utiliser des symboles (d'ailleurs, souvenez-vous de la définition de ce concept littéraire, regardez dans le dictionnaire). Après tout, le symbole ne dépend pas d’un changement de réalité, d’un changement d’angle de vue. C'est toujours mystérieux dans le sens, mais toujours défini dans la forme. Ainsi, dans le poème de Soloviev « Ma Reine... » de 1875, qui était précisément lié à un voyage en Égypte, les couleurs de l'éternité, les couleurs éternelles prédominent : « Ma Reine a un haut palais, // Elle a sept piliers d'or, / / Ma reine a une couronne à sept pans, // Elle contient d'innombrables pierres précieuses // Et dans le jardin verdoyant de ma reine // Des roses et des lys ont fleuri, // Et dans une vague transparente un ruisseau argenté // Attrape le reflet de boucles et sourcils ..".

Le jardin de la « reine » est toujours vert, à tout moment de l’année, il ne se fane pas ; les roses sont invariablement écarlates, les lys sont blancs, le ruisseau est argenté. Et plus ces couleurs symboliques sont constantes, plus « fiables », plus le thème principal du poème semble dramatique. Et ce thème est la variabilité du cœur du poète, la variabilité du visage de son Bien-Aimé Céleste.

En Égypte, Soloviev était sous le choc. Il passa une nuit glaciale dans le désert, attendant que Sophia apparaisse, comme le lui disait une voix intérieure, mais aucune rencontre mystérieuse n'eut lieu ; le jeune mystique faillit être battu par les nomades locaux. Un autre poète aurait perçu ce qui s'est passé tragiquement, mais pour Soloviev, au contraire, tout cela a provoqué un éclat de rire. (Ce n'est pas pour rien que dans l'une de ses conférences il a défini l'homme comme un « animal qui rit ».) En général, comme son parolier préféré Alexeï Tolstoï, il écrivait souvent des poèmes humoristiques.

Le rire était pour Soloviev une sorte d'antidote au mysticisme excessif ; il met délibérément en valeur l'image de son héros lyrique, l'image du Pèlerin, du mystique, et le place dans des situations comiques. Jusqu'à l'autoépitaphe : « Vladimir Soloviev // Se trouve à cet endroit. // Il y avait d'abord un philosophe, // Et maintenant il est devenu un squelette... » (1892).

Mais avec la même facilité inexplicable, Soloviev est revenu du ridicule, de la déception - à l'intonation solennelle, à l'enchantement d'une image mystique. Dans peut-être le meilleur des poèmes de Soloviev, « Ex oriente lux » (1890), la Russie est sévèrement invitée à faire un choix entre l’agressivité de l’ancien roi perse Xerxès et le sacrifice du Christ :

Ô Rus ! avec beaucoup d'impatience
Vous êtes occupé par une pensée fière ;
Quel genre d’Orient voulez-vous être ?
L'Orient de Xerxès ou du Christ ?

Dans les années 1890, les yeux azur de l'invisible Sophie brillèrent à nouveau clairement sur Soloviev. Cette fois, la lumière ne venait ni de l’Est, ni de l’Ouest, mais du Nord. Au cours de l'hiver 1894, parti travailler en Finlande, Soloviev sentit de manière inattendue la présence secrète de Sophie en tout - dans les rochers finlandais, dans les pins, dans le lac... Mais c'est alors qu'il tira une conclusion pour lui-même sur la terrible proximité d'une catastrophe mondiale, sur la possible apparition de l'Antéchrist. Le poème « Pan-Mongolisme » est devenu un ensemble de ses tristes observations historiques :

Pan-mongolisme ! Même si le mot est sauvage,
Mais ça plaît à mes oreilles,
Comme si un signe avant-coureur d'un grand
La destinée de Dieu est pleine.

...Les armes du châtiment de Dieu
Le stock n'est pas encore épuisé.
Préparer de nouvelles grèves
Un essaim de tribus éveillées.

Le panmongolisme - selon Soloviev - est l'unification des peuples asiatiques dans le but de les opposer à la « race » européenne ; Vladimir Sergueïevitch était convaincu qu'au XXe siècle, la principale force historique serait les représentants guerriers unis de la « race jaune » : « Des eaux malaises à l'Altaï // Dirigeants des îles orientales // Aux murs de la Chine déchue // Rassemblé des dizaines de leurs régiments.

Ces motifs seront développés dans leur œuvre par les plus proches héritiers littéraires de Soloviev, les poètes de la prochaine génération qui se qualifieront de symbolistes russes - vous découvrirez également leur œuvre en 11e année.

• Quels états d’esprit sont caractéristiques des poètes russes de la fin du XIXe siècle ? Quelles sont leurs similitudes avec les romantiques du début du siècle ?

1. Bloc A.A. Le sort d'Apollon Grigoriev // Aka. Collection cit. : En 8 tomes M.-L., 1962.
2. Gippius V.V. De Pouchkine à Blok. M., 1966.
3. Grigoriev A.A. Souvenirs. M., 1980.
4. Egorov B.F. Apollon Grigoriev. M., 2000 (Série « La vie de personnes remarquables »).
5. Korovine V.I. Cœur noble et voix pure du poète // Pleshcheev A.N. Poèmes. Prose. M., 1988.
6. Nolman M.L. Charles Baudelaire. Destin. Esthétique. Style. M., 1979.
7. Novikov Vl. Monde de l'art Prutkova // Œuvres de Kozma Prutkova. M., 1986.
8. Fedorov A.V. Créativité poétique K.K. Sluchevsky // Sluchevsky K.K. Poèmes et poèmes. M.-L., 1962.
9. Yampolsky I.G. Milieu du siècle : Essais sur la poésie russe 1840-1870. L., 1974.

Dans les années 40. XIXème siècle la poésie cède clairement la place à la prose. Relativement peu de temps s'est écoulé et la situation a changé. Déjà au cours de la décennie suivante, la poésie a repris la place qui lui revient dans le mouvement littéraire, dans certains cas elle a même précédé et stimulé la recherche artistique dans le domaine de la prose.

Dans la poésie russe du milieu du XIXe siècle. Il est généralement admis qu’il existe deux directions. D'une part, ce sont Nekrasov et les poètes de son école. Les représentants de cette tendance ont abordé des problèmes sociopolitiques urgents. Ils se concentraient sur l'homme moderne avec ses besoins, ses chagrins, ses angoisses et ses déceptions. Leurs caractéristiques étaient une réponse rapide aux phénomènes actuels de la réalité, des tendances accusatrices, une participation active à la lutte littéraire de l'époque et une utilisation généralisée des genres satiriques. Cela s'applique particulièrement à la poésie de V. S. Kurochkin, D. D. Minaev, V. I. Bogdanov, qui ont collaboré à la revue satirique « Iskra », aux poèmes de Dobrolyubov, qu'il a publiés dans « Whistle » - supplément technique satirique à Sovremennik. I. S. Nikitin, qui a consacré son travail à décrire la vie des gens, devrait également être inclus à juste titre dans l’école Nekrasov.

Dans le même temps, il y avait une autre direction dans la poésie, orientée vers la théorie de « l'art pour l'art » (A. A. Fet, A. N. Maikov, L. A. Mei, A. K. Tolstoï, en partie F. I. Tyutchev) . Les poètes de « l’art pur » se sont plongés dans le monde des problèmes philosophiques et psychologiques, concentrant leur attention principalement sur des expériences personnelles et intimes. Tout cela a provoqué un rejet actif chez le lecteur démocrate qui, à un tournant décisif de l'histoire, souhaitait trouver dans la littérature des réponses directes aux questions qui l'inquiétaient.

Existe un grand nombre de des faits témoignant de la lutte irréconciliable entre ces deux directions. Mais près d’un siècle et demi s’est écoulé ; Il nous est désormais beaucoup plus facile d’apprécier l’essence de ces conflits et affrontements si caractéristiques des années 60. XIXème siècle Tout d’abord, l’idée de l’opposition diamétrale de deux positions esthétiques nécessite certains ajustements. Est-il possible de réduire l’œuvre de Nekrassov aux seuls « motifs civils » et de ne pas remarquer ses œuvres à caractère national et universel ? Nous ne devons pas oublier que c’est Ne-krasov qui a été le premier à parler du don poétique remarquable de Tioutchev et à estimer hautement les poèmes de Fet. D’un autre côté, le slogan de « l’art pur » n’a pas été aussi systématiquement suivi par ses partisans.

Si néanmoins l'on part de la présence de deux directions dans la poésie russe du milieu du XIXe siècle. (et ils étaient clairement identifiés dans l'esprit des contemporains), alors en aucun cas l'un ne doit être élevé au détriment de l'autre. Il en avait certains forces, découvertes incontestables de représentants des deux directions. Il est important de ne pas perdre la perspective historique et d'être clairement conscient que la poésie russe, bien sûr, avait besoin du pathos de la socialité, du désir de donner aux poèmes un son de propagande directe, de l'affirmation de la haute destinée du poète-prophète, de la découverte de la vie des gens en tant que sujet légitime de créativité éthique. Mais non moins importantes et significatives étaient les réalisations d'une autre école, caractérisée par un sens profond de la nature dans sa corrélation et son lien organique avec Vie spirituelle l'homme, la confession, le psychologisme subtil des paroles, l'appel aux mystères éternels de l'existence, la recherche de nouveaux moyens d'expression artistique, la musicalité, etc.

La difficulté réside dans le fait qu'il nous est parfois très difficile de combiner différents critères lors de l'analyse d'une œuvre particulière : momentanée et éternelle. Il arrive qu'un poète ou un écrivain crée une œuvre qui, grâce à la rapidité de réponse aux événements les plus actuels et les plus actuels, suscite un véritable intérêt chez ses contemporains. Mais cinq ou dix ans passent, la conscience du public change, les questions qui inquiétaient autrefois tant les lecteurs cessent d'être d'actualité et de nouveaux problèmes apparaissent. Mais qu’en est-il de l’œuvre, autour de laquelle il y a eu récemment de vifs débats ? Plus personne ne s’en souvient, il est oublié, d’autres livres l’ont remplacé, mais ne seront-ils pas oubliés de la même manière ?

Et en même temps, il y a un poète ou un écrivain qui ne connaît pas du tout un grand succès : ses contemporains ne le remarquent presque pas, ils ne discutent pas à son sujet, n'organisent pas de soirées poétiques, ne lui consacrent pas de thèses, il ne devient pas un objet de culte et de plaisir. Mais un certain temps passe, et il s'avère que c'est lui, ce poète ou cet écrivain, qui s'avère important, nécessaire, pertinent pour les générations suivantes, parce qu'il a abordé de tels problèmes dans ses œuvres, créé des livres si parfaits qui ont une valeur intemporelle. . Ses poèmes acquièrent une nouvelle vie esthétique dans de nouvelles conditions parmi les nouvelles générations, car ils contribuent à l'enrichissement de la conscience artistique de l'humanité, favorisant l'exploration esthétique du monde.

Ainsi, dans un cas - la volonté de répondre aux intérêts d'aujourd'hui, dans l'autre - de problèmes éternels. Quelqu’un doit nous aider à démêler la confusion de la vie quotidienne, nous donner des conseils, nous aider et nous instruire. Mais il faut également que quelqu'un entretienne le feu sacré de la poésie et ne le laisse pas s'éteindre, même s'il ne rencontre pas encore la compréhension de ceux qui s'intéressent aux problèmes immédiats.

Fet a un merveilleux poème, écrit d'ailleurs sans un seul verbe :

Chuchotement, respiration timide, Trille d'un rossignol, Argent et balancement du ruisseau Endormi...

La jeunesse radicale s'est moquée de ces lignes, de nombreuses parodies ont été écrites dessus... Mais écoutez avec quelle sagesse le grand Dostoïevski a évalué cette situation. Matériel du site

Imaginez, écrit Dostoïevski, qu'une terrible catastrophe naturelle se produise dans une ville (l'écrivain cite comme exemple Lisbonne, où il y a réellement eu un tremblement de terre au XVIIIe siècle). Les habitants sont désespérés, stupéfaits, fous d’horreur. Le matin le prochain jour Le prochain numéro du journal local est publié dans la ville. Les malheureux habitants de Lisbonne espèrent « que le numéro a été publié exprès pour donner des informations, donner des nouvelles sur les morts, sur les disparus, etc., etc. Et soudain, à l'endroit le plus visible de la feuille, quelque chose comme ceci attire votre attention : « Chuchotement, respiration timide... » Que devraient faire les Lisboètes de l'auteur de ce poème ? «... Il me semble, écrit Dostoïevski, qu'ils exécuteraient immédiatement leur célèbre poète en public, sur la place.» Les Lisboètes peuvent être compris. Dostoïevski ne pense même pas à les condamner pour une attitude aussi cruelle envers le serviteur de l'art. Cependant, il ne termine pas son récit : « …ils auraient exécuté le poète et, dans trente, cinquante ans, ils lui auraient érigé un monument sur la place pour son étonnante poésie… »

Bien entendu, tout ce qu’écrit Dostoïevski est le résultat de son fantaisie artistique, mais en soi l'opposition des attentes du lecteur causées par les angoisses et les troubles d'aujourd'hui, et le sens objectif texte littéraire, qui ne peut être pleinement apprécié qu'après de nombreuses années, a-t-il noté à juste titre.

Même des poètes comme Nekrassov et Tioutchev ont écrit des poèmes « sur le thème du jour », consacrés à des événements historiques ou politiques spécifiques, qui, pour les générations suivantes, ont déjà perdu tout intérêt immédiat.

Mais ils ont aussi des poèmes d’un autre genre, qui continuent de nous passionner aujourd’hui, car ils affirment ces valeurs humaines universelles sans lesquelles il est impossible de vivre. Cette circonstance prédétermine la grandeur et l'importance des poètes, écrivains, dramaturges qui n'ont pas travaillé seulement pour leur temps.

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