V.N. Barakov

Poésie des années 60

La plupart des chercheurs croyaient et continuent de croire qu'au tournant des années 50 et 60 commençait une nouvelle étape dans l'histoire de la poésie, associée aux changements sociaux : avec la révélation du culte de la personnalité et le « dégel » qui l'a suivi. La littérature, après une courte pause, a répondu à ces événements par un élan d'activité créatrice. Particulier" carte de visite"de cette époque était le poème de A. Tvardovsky "Au-delà de la distance - Distance" (1953-1960), en même temps B. Pasternak créait un cycle de poèmes "Quand ça s'éclaircit" (1956-1959), des recueils de N. Zabolotsky ont été publiés : « Poèmes » (1957) et « Poèmes » (1959) ; E. Yevtushenko : « L'autoroute des passionnés » (1956) ; au milieu des années cinquante : des almanachs littéraires étaient presque publiés. " dans chaque ville régionale. " (386, p. 80) La " réhabilitation " de S. Yesenin a joué un grand rôle à cet égard : " La mémoire du peuple et le temps a levé l'interdiction du nom du poète. Et comme si le barrage se brisait !" (386, p. 82). Voici ce que N. Rubtsov écrivait à cette époque à propos de S. Yesenin (il cherchait des traces du séjour du poète à Mourmansk) : « Quoi qu'il en soit, je s'en souviendra toujours. Et il m’est impossible d’oublier quoi que ce soit qui concerne Yesenin. » (386, p. 83).

Les années 60 furent l’apogée de la poésie soviétique. L'attention qui lui est portée est exceptionnellement grande. Les livres d'E. Yevtushenko ont été publiés : « Tendresse » (1962), « Les neiges blanches tombent » (1969), son poème « Babi Yar » (1961) et le poème « Les héritiers de Staline » (1962) sont devenus particulièrement célèbres ; La renommée d'A. Voznesensky grandit (Collection "Antimiry", 1964, etc.). « Second Wind » s'ouvre également avec des « maîtres » reconnus : « Lad » (1961-1963) de N. Aseev, « One Day Tomorrow » (1962-1964) de S. Kirsanov, « Post-War Poems » (1962) de A. Tvardovsky, « Droit de naissance » (1965) de L. Martynov, « Conscience » (1961) et « Pieds nus sur le sol » (1965) de A. Yashin, « Russia Day » (1967) de Y. Smelyakov. Le dernier recueil d’A. Akhmatova « The Running of Time » (1965) est publié.

Les paroles « fortes » et « calmes » deviennent non seulement un phénomène littéraire, mais acquièrent également une signification sociale. Les poètes « silencieux » et « bruyants » publient de nombreux recueils qui ne passent pas inaperçus. Dans la première moitié des années 60, la « variété » bat tous les records de popularité. Les soirées au Musée polytechnique, auxquelles participent A. Voznesensky, E. Yevtushenko, R. Rozhdestvensky, attirent des salles combles. Déjà à cette époque, le journalisme ouvert des « chanteurs de variétés » dépassait toutes les limites. Même dans ses poèmes consacrés au passé (« Lonjumeau » de A. Voznesensky, « Université de Kazan » de E. Yevtushenko, etc.), il y avait peu d'histoire réelle. Mais il y a eu de nombreuses tentatives pour « l’adapter » aux besoins d’aujourd’hui, sans se soucier particulièrement de la vérité historique. Leur autre « péché » était leur passion effrénée pour l’expérimentation. Au début des années soixante, ce passe-temps était répandu non seulement parmi les poètes, mais aussi parmi les musiciens, les artistes et les architectes. À propos, même N. Rubtsov a connu, quoique de courte durée, une période de « création de mots » - en voici un exemple :

Sax Fox piraté, le sol a tremblé
Des jambes folles.
Le mec était nul
au bar à cocktails
Et commandé du rock (906, C 125)

Il n’y avait rien de mal à tout cela, c’était juste des douleurs de croissance normales. Ainsi, A. Voznesensky a construit ses déclarations à partir de nombreuses hyperboles et abstractions grotesques. Toutes ses découvertes vraiment merveilleuses (« Je suis heureux d'être russe, je vois comme ça, je vis comme ça, et je mâche l'air comme une miette glacée ») ont été perdues sous un tas de constructions verbales.

La véritable erreur des poètes « pop » a été la glorification imprudente de l’ère NTR. La technologie n'a pas et ne pouvait pas apporter de valeurs spirituelles aux gens, mais elle a contribué à les détruire. La seule chose que pouvait faire l'artiste des mots était de l'ennoblir, de l'humaniser et enfin de souffrir (« J'ai souffert, comme une infection, de l'amour pour les grandes villes », écrivait Rubtsov). Sur ce chemin, les poètes ont été confrontés à des échecs purs et simples : « Je t'aime avec un tramway rouillé » (V. Sokolov), mais il n'y avait pas d'autre issue, aucune autre voie ne menait à l'éclectisme1

La « faute » des « interprètes de variétés » était qu'en poursuivant le « mal du jour », ils ont perdu l'éternel et l'impérissable. Ainsi, les meilleurs poèmes d'E. Yevtushenko (« Mariages », « Les neiges blanches tombent...). . », « Sort », etc.) est resté dans la « minorité » - le poète s'est efforcé d'atteindre une échelle (hélas, seulement externe), une compréhension historique de l'histoire (les poèmes « Centrale hydroélectrique de Bratsk », « Kazan Université ») et surtout - pour le journalisme, « courir après les faits de la réalité. C'est un poète de « l'instantané » de la vie. C'est là le « secret » de l'attrait de ses poèmes d'actualité, en accord avec ses aphorismes, qui peuvent toucher la conscience et focaliser l'attention sur tel ou tel fait. Mais pas plus. Il n’y a pas de compréhension poétique approfondie de ces faits, car le poète les voit uniquement à travers « l’œil » de l’auteur. Mais le monde entier ne vit, ne pense et ne voit pas comme Evtouchenko. C'est aussi le « secret » de la fragilité, voire de la valeur informative de ses slogans poétiques, de ses appels et de ses révélations lyriques. » (589, pp. 184-185). Dans la poésie d'Evtushenko, « sa hâte fébrile est presque physiquement ressentie - de avoir le temps de tout faire correctement - écrivent P. Weil et A. Genis. - Pas demain, pas pour demain, mais maintenant et pour maintenant. Khrouchtchev, avec une frivolité poétique, a résolu tous les problèmes en plantant du maïs, et Evtouchenko était déjà pressé :

Le monde entier est un épi de maïs,
croustillant sous les dents !

Tous deux étaient des camarades et des co-auteurs - le poète-transformateur Khrouchtchev et le poète-héraut Yevtushenko." (379, p. 36). Par conséquent, après la destitution de Khrouchtchev, lorsque la situation dans la société a changé, Yevtushenko a commencé à " disparaître." La créativité romantique et pathétique de R. Rozhdestvensky (poèmes « Requiem », « Lettre au 20e siècle »). R. Rozhdestvensky a également beaucoup et fructueusement travaillé en tant qu'auteur-compositeur. Cependant, les poètes « pop » du Les années 50 et 60 ont apporté une contribution inestimable (et vraiment pas encore appréciée) au renouveau du vers, ils ont largement utilisé des « irrégularités imaginaires » (Yu. Mineralov), des assonances et des rimes, des métaphores complexes, des associations et d'autres moyens de représentation.

La soi-disant « chanson d’auteur » est devenue dans ces années-là une véritable « découverte du genre ». L’intimité initiale du spectacle à l’époque de la production de masse soviétique l’a relégué au second plan de la culture officielle, mais pas dans le cœur des gens. Les chansons des années de guerre en sont la confirmation la plus claire. À propos, la première « chanson d'auteur » est apparue en 1941 (« À propos de mon ami artiste » de M. Ancharov). À partir de la seconde moitié des années 50, les chansons de M. Ancharov, Yu Vizbor, A. Galich, A. Gorodnitsky, A. Dulov, Yu Kim, N. Matveeva, B. Okudzhava, A. Yakusheva et autres " bardes » ont connu un énorme succès, notamment auprès des jeunes. L’apogée de la « chanson artistique » s’est produite dans les années 60 et 70. Leurs implications sociales étaient claires pour tout le monde. Le plus important de cette série est sans aucun doute l'œuvre de V. Vysotsky. Il devient « le poète du nouveau nationalisme russe » (P. Weil et A. Genis). « Le héros de ses chansons oppose l'empire à sa conscience nationale nue et douloureuse, qui a remplacé Yevtushenko comme commentateur de l'époque à la fin des années 60, ouvre le thème du russisme hypertrophié. devient l'âme spécifiquement russe, que Vysotsky décrit comme combinant les extrêmes ". (379, p. 290-291).

Parmi les poètes des années 60 et 80, Vysotsky et Rubtsov jouissent d'une popularité véritable et non imposée « d'en haut ». Il existe une vaste bibliographie des œuvres et des publications des auteurs sur leur vie et leur œuvre, de plus en plus de nouveaux musées et monuments ouvrent, des livres, des journaux, des almanachs, des magazines qui leur sont consacrés ("Vagant" à Moscou et "Nikolai Rubtsov" sont publiés. à Saint-Pétersbourg); Il existe également une critique littéraire particulière, « amateur », créée par de vrais « fans » de leur poésie.

N. Rubtsov et V. Vysotsky sont des gens de la même génération des « années 60 » ; leurs meilleures œuvres ont été écrites à la fin des années 60 : « Bathhouse in White » (1968), « Wolf Hunt » (1968), « He Didn' ». t Retour de la bataille" (1969), "Je n'aime pas" (1969) - de Vysotsky et "Jusqu'au bout" (1968), "Par la route inondée" (1968), "Sous les branches de l'hôpital bouleaux..." (1969), "Train "(1969) - de Rubtsov. Au milieu des années 60, Nikolai Rubtsov, avec ses camarades de l'Institut littéraire, s'est rendu au théâtre Taganka et, un jour après la représentation, dans les coulisses, une rencontre des futurs poètes et prosateurs avec des acteurs, dont Vysotsky, a eu lieu. N. Rubtsov aimait écouter les chansons de Vladimir Semenovich ; après la mort de Rubtsov en 1971 à Vologda, des cassettes contenant des enregistrements du barde ont été trouvées parmi ses effets personnels. Plus tard, l'écrivain German Aleksandrov a rappelé : « Une autre fois, quand je suis venu chez Nikolai le soir, il était assis par terre, il y avait un tourne-disque à côté de lui, les chansons de Vysotsky jouaient l'une d'entre elles encore et encore. encore une fois, écoutant attentivement les mêmes mots, puis demanda :

Pourriez-vous faire ça ?

Et comme s'il se répondait : « Je ne le ferais probablement pas… » (386, p. 266) Vysotsky était en dehors des limites de la poésie « soviétique », Rubtsov y était toujours, bien qu'avec de grandes réserves.

L'un des thèmes principaux de V. Vysotsky était le thème du « petit » homme, et le sous-texte social de ses paroles était à bien des égards similaire à un sous-texte similaire dans la poésie de N. Rubtsov. Ils étaient unis par une douleur commune, une tragédie (en particulier le conflit tragique entre pouvoir et personnalité) et une orientation vers un lecteur (auditeur) spécifique « issu du peuple ». « Vysotsky », écrit V. Bondarenko, « est le sol des casernes, son sol est la « limite » des années soixante-dix, les habitants des « Khrouchtchev », les Arkharovites des colonies de type urbain, bien que faibles - contrairement au paysan. ceux-là - mais les racines vivantes d'un peuple vivant. (375, p. 68).

Se tourner vers la vie populaire mène inévitablement au folklore. Vladimir Vysotsky, s'appuyant sur la chanson folklorique, a introduit un contenu social élargi dans ses thèmes traditionnels, a repoussé les limites du langage poétique des paroles russes, en utilisant largement le vocabulaire familier et argotique. V. Vysotsky a introduit dans la circulation artistique les genres folkloriques des chansons de « voleurs » et de « prison », des romances cruelles, considérées comme « obscènes » en poésie, et en a créé de nouvelles variétés : une chanson de chronique, une chanson de monologue de jeu de rôle, une chanson de dialogue, une chanson de fable. Les genres préférés de Vysotsky étaient, outre la « chanson des voleurs » et la romance « cruelle », c'est-à-dire genres de folklore urbain et chant lyrique, ballade, conte de fées. Mais Vysotsky a modernisé les personnages traditionnels des contes de fées - Baba Yaga, Zmey Gorynych et d'autres ont parodié certains phénomènes sociaux.

N. Rubtsov a abordé le folklore des « voleurs » dans ses premières paroles :

Combien de vodka a été bue !
Combien de verres ont été cassés !
Combien d’argent a été perdu !
Combien de femmes sont abandonnées !
Quelque part, des enfants pleuraient...
Quelque part, les pinsons tintaient...

Eh, lion gris !
La vie était... belle !
("Vacances au village")

Mais dans son œuvre de maturité, Rubtsov s'est principalement concentré sur le genre de la chanson lyrique « paysanne » et les genres classiques, par exemple l'élégie.

Ce qui était commun dans le style de Rubtsov et de Vysotsky était l'introduction de proverbes et de dictons dans le texte littéraire, l'utilisation d'épithètes populaires, l'ironie (dans les premières œuvres), le parallélisme des chansons, ainsi que l'utilisation généralisée du vocabulaire familier. Mais N. Rubtsov a rarement utilisé, contrairement à V. Vysotsky, la satire et la parodie, son rôle et ses principes d'auteur ne sont pas si clairement exprimés, il n'y a pas une telle abondance personnages, comme Vysotsky, une telle diversité strophique (ici Rubtsov est plus traditionnel), il n'y a aucun fantasme social du tout.

La poésie de Vysotsky et les paroles de Rubtsov reflètent certaines images et idées mythologiques ; leur pensée artistique est caractérisée par une sorte de mythologie. Tout d'abord, il s'est exprimé dans le transfert dans le texte de l'ancien système d'oppositions binaires (haut - bas, blanc - noir, Ouest - Est, etc.), ainsi que dans la signification symbolique de nombreuses images de leur poésie. , y compris les plus courants. Ainsi, un navire dans les poèmes de Vysotsky est un moyen de traverser vers un autre monde ; Le bateau de Rubtsov est un symbole d'amour perdu, d'espoirs non réalisés et, finalement, de mort ; Pour tous deux, le cheval symbolise la tragédie du temps et du destin. Par exemple, chez Vysotsky, nous lisons :

Mais alors le Destin et le Temps montèrent à cheval,
Et là, au galop, avec des balles dans le front...

Rubtsov le dit plus doucement, avec élégance : « Je galoperai sur les collines de ma patrie endormie... » Les deux poètes sont également unis par le désir commun d'utiliser un vocabulaire et une phraséologie bibliques, même si cela ne détermine pas leur style. L'une des composantes de leur imagerie poétique est la mythologie slave et mondiale et le folklore russe, mais les images-symboles de la poésie de Vysotsky ne sont pas si nombreuses et ne correspondent pas toujours aux significations mythologiques et folkloriques, tandis qu'à Rubtsov, elles sont devenues la base de son figuratif. système.

Dans la seconde moitié des années 60, la poésie clandestine « samizdat » de culture « non officielle » ou « parallèle » a commencé à se développer en URSS. Cette poésie était vouée à la persécution et à l'obscurité : « L'esprit de la culture souterraine est comme la première lumière apostolique » (V. Krivulin). Les groupes suivants étaient largement connus (dans un cercle étroit) : SMOG (Courage Thought Image Depth ou la plus jeune société des génies) - il est né au milieu des années 60 à Moscou, il comprenait V. Aleinikov, L. Gubanov, Yu. et d'autres ; Groupe de poésie Lianozovskaya (V. Nekrasov, Y. Satunovsky, V. Nemukhin, B. Sveshnikov, N. Vechtomov, etc.) ; École de Léningrad (G. Gorbovsky, V. Uflyand, A. Naiman, D. Bobyshev, I. Brodsky, etc.) ; groupe "Béton" (V. Bakhchanyan, I. Kholin, G. Sapgir, Y. Satunovsky, etc.).

En 1991, M. Eisenberg, dans l'article « Certains autres... » (« Théâtre », n° 4), a fait la première tentative de décrire pleinement le chemin de la poésie non officielle des dernières décennies. Il énumère de nombreux noms, mais il n'est pas possible de tous les citer, d'autant plus que beaucoup sont ensuite passés d'un groupe ou d'une école à l'autre.

Le personnage le plus important de cette liste est I. Brodsky. Bien que son véritable prédécesseur « doive être considéré comme l'une des figures les plus mystérieuses de la « culture parallèle » - Stanislav Krasovitsky nous permet de conclure que c'est lui qui fut le premier des poètes de sa génération à « changer ». alliés », c’est-à-dire se tourner non pas vers l’expérience russe traditionnelle de la poésie française et allemande, mais vers l’expérience de la poésie anglaise, ce qui implique que Brodsky déclarera plus tard « regarder les choses de l’extérieur ». (470, p. 6). Au printemps 1960, Anna Akhmatova "a parlé de l'épanouissement sans précédent de la poésie, comparable peut-être seulement au début de notre siècle". "Je peux nommer", ce sont ses vrais mots, "au moins dix poètes plus jeunes". génération, non inférieure au niveau élevé de « l’âge d’argent ». Voici leurs noms : Stanislav Krasovitsky, Valentin Khromov, Genrikh Sapgir et Igor Kholin à Moscou, et à Leningrad - Mikhail Eremin, Vladimir Uflyand, Alexander Kushner, Gleb Gorbovsky, Evgeny Rein et Anatoly Naiman." (769, p. 187). Stanislav Krasovitsky était le premier sur cette liste. Et ce n'est pas un hasard : en cinq ans de travail, lui, leader reconnu de la poésie « méconnue », « a posé les bases d'un nouveau langage poétique, d'une nouvelle vision de la place de l'homme dans le monde. " (769) Mikhail Aizenberg se souvient: "Je le suis." Je sais que beaucoup le considéraient comme un poète de génie. Il est difficile d'appliquer de telles épithètes aux contemporains, mais il est également difficile de reprocher aux premiers lecteurs une exaltation excessive. Les poèmes de Krasovitsky nous étonnent encore, mais alors il semblait qu'ils étaient tombés du ciel..." (659). En 1962, S. Krasovitsky commet un acte qu'aucun des poètes établis n'oserait peut-être même maintenant : il a brûlé les manuscrits, maudit son travail, considérant cette activité comme immorale et, quittant Moscou et sa carrière, partit pour un village isolé, conseillant à ses amis de faire de même. Ce n'est qu'au milieu des années 80 que Krasovitsky revint à la poésie (mais). pas à Moscou) en tant qu'auteur d'œuvres religieuses selon le contenu des poèmes.

En exil, Brodsky et Rubtsov écrivent incroyablement beaucoup (I. Brodsky à cette époque éprouvait une fascination à court terme pour le folklore russe), travaillent et voyagent parfois dans des villes pour affaires (selon certaines informations, Brodsky se serait rendu à Vologda cette année-là ( 767)). Et puis les coïncidences continuent !..

« Brodsky a son propre destin, et Rubtsov a le sien », écrit N. Konyaev. « Il n'est pas nécessaire de les rapprocher de force, mais il est toujours frappant de voir à quel point le schéma de ces destins coïncide. Les mêmes dates, les mêmes punitions. , des sentiments similaires. Même la géographie et cela coïncide presque. (459, p. 126).

Différentes sources ont nourri l'œuvre de ces poètes (Brodsky - la tradition anglo-américaine et les classiques russes, Rubtsova - le folklore et les traditions classiques), ils ont évolué dans des directions différentes, d'autant plus frappantes ne sont pas seulement (et pas tant) les caractéristiques géographiques et coïncidences chronologiques (comme si le destin lui-même vérifiait leurs horloges de vie), mais la convergence est avant tout poétique. Leurs œuvres avaient en commun : 1) le motif de la solitude, le motif d'un rêve semblable à la mort ; 2) la structure résolument dialogique des paroles ; 3) développement des genres élégiaques : « Grande Élégie à D. Donne » (1963), « Nouvelles strophes pour Augusta » (1964), « Lettre dans une bouteille » (1964) - de Brodsky et « Je monterai... » (1963) , "Masts" (1964), "Croquis d'automne" (1965) - de Rubtsov. La chose la plus importante dans la poésie de Brodsky et Rubtsov est une attitude, une confession et une fidélité communes envers le vers classique.

P. Weil et A. Genis appellent Brodsky Ovide un exilé : « L'exil du temps et de l'espace réels » ( héros lyrique Rubtsova - "jeunesse inconnue". - V.B.), mais « la vision du monde du Brodsky « romain » est toujours une vue depuis la province, depuis le bord de l'écoumène, depuis un lieu dont les coordonnées géographiques et culturelles sont insignifiantes. (379, p. 289). Pour Rubtsov, c’est la Russie (ils avaient en commun le rejet du temps, mais pas de l’espace).

Pour les héros de Dostoïevski, les concepts de « partir » (vers l’Amérique) et de « périr » étaient synonymes. I. Brodsky, ayant quitté la Russie, n'a pas seulement rompu avec la tradition nationale. La rupture avec sa patrie était plus significative, son attitude à son égard (appels à bombarder non seulement la Serbie, mais aussi la Russie, refus démonstratif de rencontrer des écrivains démocrates russes, ignorant délibérément toutes les invitations à visiter Saint-Pétersbourg) est devenue douloureuse. Peut-être que derrière cette « haine » se cachait un amour invincible et une peur de se l’avouer ? De plus, à l'étranger, I. Brodsky s'est constamment tourné vers les œuvres écrites en Russie comme sources de nouveau contenu. Par exemple, "Part of Speech" est enraciné dans "Songs of a Happy Winter", "Autumn Cry of a Hawk" découle de "Great Elegy to J. Donne", "Marble" - de "Gorbunov et Gorchakov". V. Kulle appelle le chemin de Brodsky « le destin idéal d'un « poète exilé », « d'un stoïque et d'un cosmopolite » (470, p. 1). Le chemin de Rubtsov, « d'un étranger dans son propre pays », « d'un stoïque et ». un spiritualiste », était tout aussi « idéal et tragique ». Et le fait que des poètes aussi différents aient eu une vision du monde similaire dans les années 60 en dit long.

Dans la seconde moitié des années 60, les paroliers « calmes » dominaient la poésie : A. Zhigulin (Collection « Fleurs polaires » (1966)) ; V. Kazantsev (« Glades de Lumière » (1968)) ; A. Peredreev (« Retour » (1972)) ; A. Prasolov (« Terre et Zénith » (1968) ; V. Sokolov (« Neige en septembre » (1968)), etc. En 1967, le célèbre livre de N. Rubtsov « L'étoile des champs » est publié. poèmes « Calme ma patrie » et a donné aux critiques une raison d'appeler le mouvement poétique des paroles « calmes ». Il a attiré l'attention avec une analyse approfondie de l'âme humaine, un appel à l'expérience de la poésie classique. V. Sokolov, par exemple , l'a déclaré clairement et définitivement : « Nekrasov et Afanasy Fet sont à nouveau avec moi ». Un psychologisme subtil, combiné au paysage, était caractéristique non seulement des paroles de V. Sokolov, mais à bien des égards, il était en avance sur d'autres poètes « tranquilles », si. uniquement parce que dans les années 50, il publie un recueil d'excellents poèmes (« L'herbe sous la neige » (1958)).

En 1974, V. Akatkin posait une question rhétorique : « Ce fait n'est-il pas une réfutation du schéma mécanique du mouvement de la poésie comme un simple remplacement des « forts » par des « silencieux » ? c'est moi qui souligne. - V.B.) des processus qui s'y déroulent ?" (660, p. 41).

Les poètes « silencieux » et « bruyants » ont objectivement élevé la poésie russe à un nouveau niveau artistique. La signification des paroles « calmes » a déjà été discutée ci-dessus, mais les « artistes de variétés » non seulement « ont élargi la gamme des moyens et des techniques artistiques » (644, p. 30), mais ont également exprimé, bien que superficiellement, ces humeurs, aspirations et espoirs qui vivaient aussi à cette époque les gens.

Une compréhension trop étroite du développement de la poésie dans les années 60 comme une lutte entre deux directions a longtemps été rejetée par les spécialistes de la littérature (V. Oboturov, A. Pavlovsky, A. Pikach, etc.). En effet, au cours de ces années, non seulement parmi les poètes tombés dans le cercle « tranquille », mais aussi dans toute la direction « du sol », l'approche historique dans la compréhension artistique de la réalité s'est solidement établie, le désir de comprendre le national et social Les origines de la modernité se sont intensifiées et une fusion organique de ces deux principes a eu lieu. Toute une constellation de noms poétiques a été donnée à une génération qui s'est largement fait connaître au cours de ces années.

À la fin des années 60, les poètes de ce courant « seront de plus en plus regroupés sous le nom conventionnel et imprécis de « poètes de village ». Cela signifiait à la fois leur origine et leur attachement au thème de la nature et du village, ainsi qu'un certain choix de poésie. traditions venant de Koltsov et Nekrasov à Yesenin et Tvardovsky Simultanément au terme poètes « de village », le terme « poésie tranquille » est apparu, ce qui a permis d'inclure dans une même rangée à la fois les poètes « de village » et les poètes « urbains », mais similaires. aux premiers dans leur attention au monde naturel, ainsi que dans leur attention au monde naturel, boudée par les tons forts et encline au timbre élégiaque, à la simplicité du son et à la discrétion des mots. En même temps, il faut dire que l'attention portée au monde naturel des poètes les plus talentueux de cette direction ne se limitait pas au cadre de la représentation poétique, mais était généralement imprégnée d'un principe spirituel et philosophique intense, c'est-à-dire. , consciemment ou non, mais avait, pour ainsi dire, un caractère conceptuel. » (444, p. 207).

Depuis 1965, la poésie était prise dans un « refroidissement général » (I. Shaitanov), mais surtout, l'idée unificatrice supranationale elle-même traversait une crise : « l'objectif commun – construire le communisme » (P. Weil, A. Genis) - a été discrédité, « le pôle de l'unification s'est localisé rétrospectivement - dans le passé russe (pas dans le passé, mais dans les valeurs éternelles de ce passé. - V.B.) Le chemin qui y mène s'est fait progressivement, loin du cosmopolite. pression du début des années 60, après l'élimination de l'Occidental Khrouchtchev - cette voie s'est avérée être un pilier... Le retour aux racines est devenu une réaction naturelle à la crise de l'idéologie libérale... Le peuple soviétique est une communauté tordue. sur un noyau idée générale et objectifs - stratifiés en nations." (379, pp. 236-237). Chez les Russes en URSS, le pochvénisme s'est manifesté à la fois dans le cinéma ("Andrei Rublev" de A. Tarkovski) et dans la peinture (I. Glazunov, K . Vasiliev) , et en musique (G. Sviridov), et en général par l'intérêt pour l'histoire (les œuvres de D.S. Likhachev, la préservation des monuments antiques, l'épanouissement du roman historique), mais surtout pour la « grande littérature » (« village » prose et poésie Popularité). Les poètes « de terrain » n'étaient en rien inférieurs à la popularité des « interprètes de variétés ». Ainsi, le destin créatif de Boris Primerov s'est développé - « on ne pouvait rien imaginer de plus réussi : ses performances au théâtre ». L'École Polytechnique, le Théâtre des Variétés et la Grande Salle de la Maison Centrale des Écrivains ont provoqué une tempête d'applaudissements. Ses poèmes étaient lus sur scène, à la radio. Parmi les lecteurs se trouvait le merveilleux artiste Dmitry Zhuravlev. M.A. s'intéressait à la créativité et au destin du jeune poète, comme en témoigne A. Kalinin dans les pages d'Ogonyok. Cholokhov. Dans le dortoir de l'Institut Littéraire. Les camarades de M. Gorki ont accroché une banderole humoristique mais non dénuée de sens : « En poésie, Boris Primerov est notre exemple ! (803, p. 164). Le gouvernement français l'a invité dans son pays en tant que « poète national original de la Russie », le visage de Primerov a servi de prototype aux portraits d'Ilya Glazounov « Icare russe » et « Boris Godounov ». Il était reconnu comme « l'un des leaders » de la jeune poésie, il était pris en compte. Lors d'une soirée à la Maison des Pionniers au début des années 60, Exemples a dit quelque chose sur Dieu... Bientôt, il fut appelé « sur le tapis » par Suslov lui-même. Le poète a été sauvé par son ingéniosité : « S'il n'y a pas de Dieu, alors pourquoi vous battez-vous avec lui ?

Dans la seconde moitié des années 60, en raison de la crise idéologique, le besoin objectif d'un « système de valeurs plus efficace » est devenu un besoin urgent, et il a été trouvé... - en Russie, parmi le peuple, en Russie. Orthodoxie." (379, p. 267). Au début, il n'y avait pas de profondeur, surtout parmi l'intelligentsia : « Le livre de V. Soloukhin « Black Boards » expliquait que collectionner des antiquités signifiait « collectionner l'âme du peuple ». ou des coffres, des fers à cheval ou des pots - quoi- D'une manière ou d'une autre, ils ont tout rassemblé. Bien que Soloukhin lui-même n'ait pas appelé à la recherche de Dieu, très vite l'intérêt pour la vie paysanne a été lié à la passion pour la foi populaire de la vie paysanne pré-révolutionnaire. l'intelligentsia avec l'icône et la lampe. (379, p. 268). La littérature, « qui a mis au premier plan Matryona de Soljenitsyne au lieu de Pavka Korchagin, n’est bien sûr pas devenue chrétienne, mais a préparé le terrain pour ce qu’on a appelé plus tard un renouveau religieux ». (379, p. 272). De plus, l’origine de ce phénomène n’était pas l’intelligentsia, « cette vérité existait, se trouvait dans les couches profondes, se cachait dans la partie sous-marine de l’iceberg avant que les années soixante ne la comprennent… » (671, p. 336). Valentin Raspoutine se souvient : « C'était retour naturel sur le sol russe, ce qui a coïncidé précisément avec la mort du vieux village." (888). Et il n'était donc plus possible de s'opposer ouvertement à ce processus. Ce n'est pas un hasard si A. Yakovlev, après avoir condamné « l'idéalisation de la paysannerie " en poésie, a été immédiatement contraint de faire une réserve : " Nous avons le sentiment inhérent d'amour pour la terre, pour la nature indigène de la paysannerie ouvrière, un sens de la communauté dans le travail, une réactivité aux besoins des autres... Nous condamnons également la négligence cosmopolite des traditions populaires. Dans de nombreux poèmes, nous rencontrons la glorification des églises et des icônes, et ce n'est pas une question poétique » (986, C 4). La dispute s'est déroulée au niveau du sous-texte ; aucune des deux parties n'a osé parler ouvertement ; Le sous-texte » lui-même était compris plus intuitivement que consciemment. Ainsi, O. Mikhailov était perdu : « Pourquoi maintenant, sans incitation apparente, une attirance authentique, sincère et ardente pour nos riches traditions se développe avec une vigueur renouvelée ? Il y a probablement des raisons à cela, mais des raisons purement internes qui ont mûri sous terre, imperceptiblement, mais aussi irrésistiblement... Il y a une mode pour le passé, et il y a un intérêt vivant et vivifiant pour la Patrie, venant « de la besoins profonds de notre époque. (851, p. 19). La « figure du silence » était ici plus qu’éloquente, mais tout se décidait encore une fois sur un plan subjectif. Cependant, le mot comme symbole chiffré a été trouvé : « Spiritualité... Il semble que nos jours le remettent en action, estimant (c'est nous qui soulignons - V.B.) qu'il définit mieux toute la vie mentale et morale d'une personne que son homologue à la mode - « l'intellectualité » (765, p. 207). Le lecteur a rapidement « déchiffré » le sens de ce mot, recevant non seulement un plaisir esthétique : « Le contenu interne de l'œuvre d'Ésope est une catharsis, vécue par le lecteur comme une victoire. sur le pouvoir répressif » (483). , P. 5). Tous ces changements étaient si graves que même les poètes « soviétiques » reconnus, par exemple, le représentant de la poésie « de première ligne », S. Orlov, ne pouvaient rester à l'écart. eux.

Sergei Orlov est principalement connu comme l'auteur de poèmes sincères et de poèmes sur la guerre. Le thème « de première ligne » est sans aucun doute le thème principal de son œuvre, cependant, tant les œuvres des années de guerre que les poèmes écrits dans les années d'après-guerre « se distinguaient presque toujours par l'ampleur de la pensée et du sentiment poétiques. . cela ne les a pas privés de concret réaliste, de sobriété de vue, de terroir »(432, p. 65). En 1945, dans son Belozersk natal, Orlov, démobilisé après avoir été grièvement blessé, créa un cycle poétique dont le motif dominant était le motif traditionnel du retour dans les paroles russes (st. « Village de montagne », « Un nuage attrapé dans un mois… », « Automne », « Nord lumineux, forêt dense… », etc.). Mais le poète voyait toujours la Russie rurale et provinciale à la lumière des paroles de Blok :

Au cours des décennies suivantes, Sergueï Orlov, avec toute la diversité des genres et des thèmes de son œuvre, a cherché l'inspiration dans l'amour de sa terre natale, réalisant que l'amour de la terre est « une tradition dont les racines poétiques se perdent dans la brume de l'histoire ». distances » (174, vol. 2, C .207). De régulier paroles de paysage(Article de 1961 : « Paysage », « Cela se passe ainsi : le printemps est déjà arrivé... », « Printemps », etc.) il s'oriente vers une compréhension lyrique de l'histoire de la Russie (« Contes de Denys », 1962) , vers la compréhension de ses découvertes philosophiques à grande échelle orientées vers l'espace.

"Je suis toujours ton fils, village...", a admis le poète, et même s'il s'est perdu dans la tourmente du XXe siècle ("Mon village n'existe plus..."), il a trouvé la poésie dans son pays.

Dans la seconde moitié des années 60 - première moitié des années 70, S. Orlov ne pouvait plus ignorer les nouvelles tendances poétiques, notamment l'expérience du « lyrisme tranquille », qui s'opposait à la destruction du mode villageois.

La plupart des poèmes de cette période sont écrits dans le genre de l'élégie (« Les oiseaux volent vers le sud sous le ciel... », « Comme si les anciens royaumes étaient une relique... », « Adieu à l'été », etc.). Ces élégies sont devenues la base du dernier recueil de poésie de S. Orlov, « White Lake » (1975). Le poème central du recueil : « Aujourd'hui, je rêve la nuit de ma terre natale... » (1975) - est symbolique, de nombreuses significations peuvent être extraites de son sous-texte : à la fois le résultat de la vie du poète et l'immense tragédie qui est arrivé à la Russie rurale, (et pas seulement rurale), et résumé philosophique, etc... Il s'agit du village de Megra, lieu de naissance du parolier, inondé par les eaux d'un des innombrables réservoirs géants. La technique mythologique de création d'une situation symbolique attire également l'attention : le héros lyrique d'un rêve revient dans un village disparu, mais même dans la mythologie mondiale, on croyait que l'âme d'une personne endormie quittait le corps et visitait ses lieux d'origine. Les mêmes origines anciennes se retrouvent dans l'image symbolique du poème : la terre inondée d'eau signifiait l'oubli, et dans le folklore russe, elle symbolisait le chagrin et la tristesse.

"Dans les paroles de S. Orlov", écrit E. Ben, "l'image de la terre est présente dans près d'un tiers des poèmes". (684, p. 65). En termes de fréquence d’utilisation, seule l’image du ciel peut rivaliser avec elle. L’attraction de la terre et le désir du ciel sont deux des composantes les plus importantes de son univers poétique. « … Chaque vrai poète a son propre « sol », sa propre terre, son propre ciel, à partir duquel il crée de la poésie », croyait Orlov lui-même (174, vol. 2, p. 194). Le poème scolaire « Il fut enterré dans le globe terrestre… » (1944) est une confirmation claire de ses paroles. « La portée cosmique de la pensée du poète (« Un million de siècles », « Voies lactées ») », note V. Zaitsev, « ne s'oppose pas au caractère concret terrestre de l'image d'un guerrier déchu... » (432, p. 67). Il faut ajouter que pour Orlov, le « globe terrestre » est à la fois la terre des hommes et un corps cosmique. Dans l’opposition binaire « terre – ciel », ces concepts se sont rapprochés, sont devenus dépendants les uns des autres, mais pas égaux. Cette verticale idéologique dans le folklore, dans la Bible, dans la « Philosophie de la cause commune » de N. Fedorov et dans les œuvres de K. Tsiolkovsky, qui passionnait tant S. Orlov, n'acquiert une signification symbolique que dans l'appariement d'images de la terre et du ciel. Dans les temps anciens, les gens levaient les yeux et les mains vers le ciel, espérant l’aide de pouvoirs surhumains. Le Christ, par sa naissance sur Terre et son ascension au Ciel, a donné à la vie humaine un sens divin. Et même dans un rêve aussi purement matérialiste de l'humanité que celui de voler vers les étoiles, à la recherche de « frères d'esprit », il est facile de remarquer le désir d'immortalité (la recherche du paradis perdu) - l'élément religieux central (et religieux-philosophique). , et donc poétique). « L'esprit ne peut pas accepter la solitude de la Terre », a écrit S. Orlov (174, vol. 2, p. 54). Dans l'opposition binaire « terre - ciel », il y a aussi des motifs eschatologiques : privés - l'âme d'un défunt quitte la terre, mais le corps y reste - et universels : la fin de l'histoire terrestre, le Jugement dernier. Un lien strict entre ces deux oppositions est supposé dans le futur : la résurrection des justes dans de nouveaux corps, le ciel (établissement du ciel) sur la nouvelle Terre, et l'enfer, les « ténèbres extérieures » (par rapport à la terre « céleste »). pour les pécheurs. Sans aucun doute, dans les paroles de S. Orlov, la gloire céleste a des signes terrestres bien visibles, et l'ambiance élégiaque de son dernier poème « La terre vole, verte, vers… » place avec précision ses accents éthiques et esthétiques les plus importants :

Je suis désolé, terre, de te quitter,
Pas par ta propre faute, mais par la faute de quelqu'un d'autre,
Et je ne verrai jamais de sorbier des oiseleurs
Ni dans la réalité, ni dans un rêve impénétrable...

Aleksey Prasolov, dans les années 60, s'est tourné avec sérieux et réflexion vers les meilleurs exemples de la poésie russe des XIXe et XXe siècles - vers A. Pouchkine, F. Tyutchev, A. Blok, N. Zabolotsky. Ses paroles sont « des paroles philosophiques pour de bon » (755, p. 5).

La maturité poétique est arrivée à Prasolov à l'âge de 33 ans. En 1963, il a écrit plus de 30 poèmes qui sont devenus la base de ses recueils. Prasolov a été découvert par A. Tvardovsky pour le grand public - d'abord, à sa demande personnelle, le poète a été libéré prématurément de prison à l'été 1964, puis dans le huitième numéro de Novy Mir de la même année le cycle « Dix poèmes » d'un auteur alors inconnu a été publié. Du vivant du poète, quatre de ses recueils furent publiés : « Jour et nuit » (1966), « Paroles » (1966), « Terre et Zénith » (1968), « En ton nom » (1971). Déjà dans la revue du premier recueil, l'intonation principale de l'œuvre de Prasolov avait été identifiée - « la nature dramatique de la vie », et « l'unité de l'état du héros lyrique » avait été notée (893, p. 300). Cet état était alarmant et menaçant, mais ne se transformait pas en morosité. Extérieurement, le poète n'a pas quitté le cadre étroit des paroles « calmes » dans lesquelles les critiques qui ont utilisé ce terme ont enfermé de nombreuses personnes. Des signes « silencieux » étaient visibles dans les adresses à la maison, à la terre : « Ma terre, je suis tous d'ici, Et il y aura une heure - je viendrai ici... », mais Prasolov est allé plus loin, il s'est efforcé de trouver le sens élevé de l'existence, d'abord dans l'âme humaine, dit-il « dans un mot élevé, solennel, souvent archaïque : éternité, univers, prophétique, ciel, hauteurs, inoubliable, ressemblance, ténèbres, lumière, etc. » (661, p. 151). Ses paroles sont devenues « la poésie d'un monde divisé », « la poésie de la pensée »1 du « mot imprimé », selon les mots de Yu. Kuznetsov ; en effet, calme, « non-dit à voix haute » : « Et le silence avait une langue – il rapprochait le présent de l'ancien. » Comme la poésie de Rubtsov, elle était construite sur des contrastes, mais sur des contrastes statiques et immobiles ; le poète ne s'abandonnait pas aux bruits des éléments ; il était fidèle à la dialectique de la pensée humaine, qui se combinait organiquement avec le graphisme en noir et blanc de ses paysages :

Mais le mien est différent : il contient des quantités égales d'obscurité et de lumière,
Et parfois, peu importe ce que tu fais,
Pour lui, ce monde semble avoir deux couleurs :
Uniquement en noir et blanc.
("À une heure comme une pluie courte et claire comme une fête...)

Son « âme de pensée » était visible dans paroles d'amour, exceptionnellement pur, sublimement tragique dans sa douleur inéluctable, luttant vers l'éternité :

Mais une volonté qui donne à réfléchir
L'âme s'est envolée plus raide, plus haut, -
Il n'y a aucune sympathie pour la douleur,
Là, seule la vérité respire lourdement.
("Le coucher du soleil s'est estompé, la tendresse s'est estompée...")

Le sort de A. Prasolov était aussi difficile que celui de N. Rubtsov ; Les deux poètes ont reçu leur éducation assez tard et ont commencé à publier relativement tard. Ils sont décédés à peu près au même moment : N. Rubtsov - en 1971, A. Prasolov - en 1972, et à peu près au même moment, leur poésie a progressivement commencé à gagner une reconnaissance universelle. La vision du monde de ces paroliers extrêmement sensibles est certes similaire1, mais les méthodes pour la transmettre sont différentes. Une comparaison de leurs manières créatives peut être très utile pour comprendre ces processus dans la compréhension poétique de la modernité qui a eu lieu dans les années 60-70.

Le terme « années soixante » a été utilisé pour la première fois par Stanislav Rassadin dans un article du même nom, publié en décembre 1960 dans la revue « Yunost ».

Les gens des années soixante font partie de l’intelligentsia apparue pendant la période du « dégel », qui a suivi le 20e Congrès du PCUS, où le « culte de la personnalité » de Staline a été démystifié. À cette époque, l'évolution politique interne de l'État était beaucoup plus libérale et libre que celle des époques précédentes, ce qui ne pouvait qu'affecter la sphère culturelle de la société.

Poésie des années soixante

La poésie jouait à cette époque un rôle clé dans la culture de la société. L’espoir d’un changement a provoqué un fort élan spirituel qui a inspiré les années soixante à écrire leurs poèmes.

La poésie est non seulement devenue populaire, mais pour la première fois après l'âge d'argent, elle est redevenue l'un des aspects les plus importants de la vie sociale du pays.

Des foules de milliers de personnes sont venues écouter les poètes parler ; leurs recueils se sont immédiatement envolés des étagères et les écrivains eux-mêmes sont devenus une sorte d'expression de la liberté créatrice.

Représentants

Les poètes les plus célèbres de cette époque étaient Robert Rozhdestvensky, Evgeny Yevtushenko, Andrei Voznesensky et Bella Akhmadulina.

Robert Ivanovitch Rojdestvenski (1932-1994) a écrit trente recueils de poésie tout au long de sa vie. Beaucoup de ses poèmes ont été mis en musique. Il a également été reconnu comme traducteur. Exprimant des idées contraires à l'idéologie soviétique, il fut persécuté et contraint de s'installer au Kirghizistan, où il commença à gagner de l'argent en traduisant de la poésie dont les auteurs étaient originaires des républiques du sud.

Evgeny Alexandrovich Yevtushenko (1932-2017) a écrit plus de soixante recueils. Le plus grand succès de cet auteur fut le poème «Centrale hydroélectrique de Bratsk», dans les lignes duquel apparaissait une expression qui reçut le statut de devise: «Un poète en Russie est plus qu'un poète». Il a également joué au cinéma et sur scène. Après l’effondrement de l’URSS, il émigre avec toute sa famille aux États-Unis.

Andrei Andreevich Voznesensky (1933-2010) était un poète d'avant-garde capable d'écrire dans tous les styles : du traditionnel au plus progressiste. Il a écrit plus de quarante recueils lyriques et poèmes. Le texte de la chanson bien connue « A Million Scarlet Roses » lui appartient.

Bella Akhatovna Akhmadulina (1937-2010) - a écrit plus de trente recueils.

Les auteurs-compositeurs, ou comme on les appelait aussi « bardes », sont devenus un phénomène particulier pendant le « dégel », et le genre a commencé à être appelé « chanson d’auteur ». Ceux-ci comprenaient les poètes qui interprétaient leurs propres œuvres en musique. Les personnalités clés de ce mouvement étaient Boulat Okudjava, Vladimir Vysotsky, Alexander Galich et Yuri Vizbor.

Caractéristiques de la créativité

Les poèmes des années soixante se distinguaient par leur spontanéité et leur réactivité. L'idéologie a eu une influence minime sur les thèmes et leur divulgation. Les gens sont immédiatement tombés amoureux de leurs poèmes parce qu’ils étaient honnêtes : ce qui manquait cruellement à cette époque.

Thèmes principaux

Les gens ont été profondément blessés par le fait que l'image idéale de l'État et de ses dirigeants a été violée en raison de l'annonce par Nikita Khrouchtchev du « crime du culte de la personnalité » lors du 20e Congrès du PCUS et de la publicité. Les répressions de Staline. Mais en même temps, ils se sont réjouis de la réhabilitation et de la libération de nombreuses victimes de peines injustes. Les poètes ont exprimé non seulement la déception et la confusion éprouvées par chaque citoyen de l'URSS, mais aussi la grande joie du peuple qui a reconnu ses erreurs et est revenu sur le vrai chemin du communisme. Comme le disent les contemporains de cette période, il y avait un goût de liberté et des changements imminents qui mèneraient le pays à l’égalité, à la liberté et à la fraternité.

La jeune génération de l’intelligentsia a été infectée par cette idée. Le désir de liberté, de plaisir, de maximalisme juvénile, d'idées sur les idéaux, la foi en un avenir merveilleux ont trouvé leur place dans leurs poèmes, qui ont résonné avec les désirs des lecteurs.

Les années soixante comme phénomène culturel

Les poèmes des années 1960 sont devenus une sorte de courant air frais dans le pays. La conscience des répressions staliniennes, les sentiments moraux, le désir de liberté, le désir de changement - autant de raisons pour lesquelles la poésie est devenue un exutoire.

Les gens des années soixante n’ont pas abandonné les idées du communisme ; ils ont maintenu une foi profonde dans les idéaux de la Révolution d’Octobre. C'est pourquoi les symboles de cette époque apparaissaient si souvent dans leurs poèmes : le drapeau rouge, les discours, Budenovka, la cavalerie, les vers de chants révolutionnaires.

Les poètes qui sont devenus célèbres au cours de cette décennie n'ont pas cessé d'écrire et ont publié leurs œuvres jusqu'à leur mort ou les publient encore.

Littérature des années 50-60 du XXe siècle (période THAW).

- l'essor de la littérature, popularité, publication de certains auteurs auparavant interdits ;

- de nouvelles associations littéraires et écoles de poésie émergent ;

Apparaître de nouveaux poètes jeunes et talentueux, et écrivains (E. Evtushenko, A. Voznesensky, B. Akhmadulina, B. Okudzhava, R. Rozhdestvensky, etc.) ;

Élargir les limites de ce qui est autorisé, liberté relative créativité;

- romance« le socialisme à visage humain », un appel aux traditions léninistes ;

Participe à la vie littéraire de Voronej, aime les idées socialistes, publie des poèmes, des articles, des histoires du « philosophe-ouvrier »

Quitte le Parti communiste, travaille, dirige la commission de lutte contre la sécheresse

Livre "Électrification", poésie

Travaille comme spécialiste provincial de la remise en état des terres, s'auto-éduque et lit beaucoup

Déménage à Moscou avec sa femme et son fils

Succès littéraire

"Portes épiphaniennes"

"L'homme caché"

Critiques, accusations de calomnie contre le parti

Histoire « Douter de Makar »

Impression interdite

Voyager et travailler au Turkménistan

Coopération avec les revues « Revue littéraire » et « Critique littéraire »

Arrestation d'un fils de 15 ans

Un correspondant de guerre envoyé au front reçoit un choc d'obus

Œuvres sur la guerre « Histoires sur la Patrie »

Maladie et décès du fils, tuberculose

Pas d'impression, persécution, maladie

Œuvres pour enfants, contes de fées

Décédé, enterré à Moscou

Quêtes :

1. Pourquoi le sort de l’écrivain est-il si triste, malgré son origine « prolétarienne » ?

2. Quelles qualités personnelles la personne difficile a-t-elle développée ? vie professionnelle chez un écrivain ?

L'univers artistique de l'écrivain :

- a vécu une période mouvementée et difficile et a écrit sur des problèmes modernité;

– a écrit sur "les gens" en langage simple, utilisé des formes fantastiques (au nom du héros) ;

– les œuvres sont souvent inachevées, ont une fin « ouverte » et surprennent le lecteur par un manque de logique et une intrigue claire ;

– les œuvres sont souvent allégoriques, symbolique, avec des questions philosophiques et religieuses et éthiques ;

- fonctionne inextricablement le comique (généralement la satire) et le tragique sont liés ;

Héros de Platonov des gens « étranges » (souffrants, chercheurs de vérité, gens du peuple, orphelins de cœur).

Types de héros :

– personne « naturelle » – spontanée , "secrète", avec des qualités spirituelles cachées;

- un rationaliste et passionné de travail , convertisseur, une personne avec une conscience mécanique, sans âme ;

– enfant- la plus haute éthique, porteuse de bonté et symbole du futur.

Personnalité et créativité Mikhaïl Alexandrovitch Cholokhov().

Dans ses œuvres, nous voyons

Mines de diamants russes

des discours... un mot pris au peuple...

Tsenski.

1. Informations biographiques :

Date	Événements	Créativité
	Né dans la famille d'un employé d'une entreprise commerciale, Kuznetsov, dans le village de Veshenskaya. a grandi dans la maison d'un commerçant (père). La mère est une servante. Fils illégitime. Visité école primaire dans la région de Voronej." href="/text/category/voronezhskaya_obl_/" rel="bookmark">Région de Voronej.
	Gymnase de Moscou
	Vechenskaïa. Travailler dans le détachement alimentaire	Épisode du roman «Quiet Don» (attaque makhnoviste contre un détachement alimentaire)
	participation à un programme d'élimination de l'analphabétisme en milieu rural, prenant en compte les adultes
	Moscou, a travaillé partout où cela était nécessaire + auto-éducation
		Le début de l'activité créatrice, le journal « Youthful Truth » - 1er article « Birthmark »
	Retourné à Don, participé à la collectivisation	Conçu "Quiet Don"
	Renommée littéraire, épousa la fille d'un riche cosaque
	Tentative d'adhésion au Komsomol	Romae « Sol vierge retourné »
	Participation à la réforme du village
	Lettre à Staline sur les « excès » de la collectivisation et des paysans moyens
	Menace d'arrestation, voyage chez Staline à Moscou
	A participé aux hostilités, a travaillé comme correspondant de guerre pour la Pravda	Essais sur la guerre, nouvelles (« La science de la haine »)
		Roman « Ils se sont battus pour la patrie » (début)
	Pas d'interdiction d'impression, de critique ou de censure	Règles "Quiet Don"
	Vechenskaïa	L'histoire "Le destin de l'homme"
		Livre 2 de « Sol vierge retourné »
	Activités sociales, récompenses, discours lors de congrès	Je n'ai rien créé
	Prix ​​Nobel pour le roman "Quiet Don"
	rencontres avec Brejnev	Une tentative de continuer «Ils se sont battus pour la patrie», mais ça a beaucoup brûlé
	Décédé à Vechenskaya

3. L'univers artistique de l'écrivain :

– a écrit sur ce qui se passait dans le pays, car il était un patriote et a lui-même participé à tous les événements importants de l'époque (collectivisation, guerres, etc.)

– J'ai essayé de refléter la conscience nationale dans mes œuvres (à travers le langage (skaz), le style, les images, etc.) ;

– une combinaison de tragique et de comique, mais plus tragique ;

– le rôle important du paysage ;

– le pathétique de l'affirmation de la valeur de la vie ;

– le réalisme comme méthode principale.

1. Votre opinion sur le caractère et la personnalité de Cholokhov.

2. Tirez une conclusion sur la contribution de Cholokhov à la littérature soviétique (voir les thèmes des œuvres).

3. Pourquoi les relations de Cholokhov avec le gouvernement étaient-elles si difficiles ? Pourquoi Cholokhov n’a-t-il pratiquement rien écrit au cours des 20 dernières années ?

La série « Don Stories » (1923-26).

Caractéristiques du genre : Un cycle (plusieurs ouvrages sur un même sujet) de 20 histoires sur la guerre civile.

Les œuvres ont un contenu tragique, mais en même temps une affirmation de la vie.

Idée: Montrer l'inhumanité de la guerre fratricide et en même temps glorifier les valeurs humaines universelles (amour, dévouement, devoir, etc.), une tentative de comprendre les schémas de vie et les caractères des gens. L'auteur réfléchit au problème : la violence, les meurtres et la lutte des classes sont-ils justifiés ?

Poétique : La symbolique des images d'enfants (le futur), du paysage (correspond à ce qui se passe). caractéristiques linguistiques des personnages (dialecte cosaque, conte).

"Taupe" (1923).

Le père de la Garde blanche de Koshevoy tue son fils (Nikolai) sur le champ de bataille, et il le comprend par sa tache de naissance.

Idée: La politique et la guerre détruisent la famille et conduisent à l'infanticide. Et la famille est une unité d’une société unie.

"Graine de Shibalkovo."

Yakov Shibalok (un mitrailleur de l'Armée rouge) tombe amoureux de Daria, qui s'avère être une informatrice des « blancs », et ils ont un fils. Yakov, connaissant la tromperie de Daria, la tue et veut élever l'enfant.

Idée: Les valeurs éternelles sont conquérantes : la vie, l'amour. Mais le devoir envers la Patrie est plus élevé. La guerre divise les gens et rend le bonheur personnel impossible

"Sang extraterrestre"(1926)

Le grand-père Gavrila et sa femme, ayant perdu leur fils « blanc » pendant la guerre, se sont rendus chez l'entrepreneur alimentaire « rouge » blessé Nikolai et sont tombés amoureux de lui comme de leur fils.

Idée: Victoire des valeurs humanistes : malgré la politique, les gens n’ont pas oublié comment aimer et aider leur prochain.

1. Rédigez un résumé d'une des « Don Stories », essayez de l'analyser (thème, idée, personnages).

2. Pourquoi Cholokhov a-t-il abordé le thème de la guerre civile ? Quels problèmes l’inquiétaient ?

3. Pourquoi cette collection apportera-t-elle immédiatement la renommée à Cholokhov ?

Roman "Un sol vierge bouleversé"(1932-60)

Histoire de la création : Cholokhov lui-même a participé à la collectivisation et a voulu prouver aux gens la nécessité de ces transformations à la campagne. Le premier titre du roman est « Avec de la sueur et du sang", mais la maison d'édition "Nouveau Monde" l'a rejeté. Le roman raconte la construction d'une ferme collective sur le Don dans un village cosaque.

Caractéristiques du genre : Roman chronique(1 an), roman socio-psychologique.

Idée: montrez la collectivisation de manière réaliste, prouvez-le la nécessité et l'irrésistibilité du changement, les jambes à la fois et les côtés tragiques de ce processus.

Semyon Davydov- un ancien mécanicien d'usine, participant à la guerre civile, a été affecté à Gremyachiy Log pour y créer une ferme collective. La personne est intelligente, dévouée à l'idée, mais elle voit aussi vraiment les défauts de ce qui se passe, dans sa vie personnelle, elle est malheureuse et seule. Meurt tragiquement dans la finale, mais crée une ferme collective.

Makar Nagoulnov- Président de la cellule du parti, fanatiquement dévoué à la cause du parti, rêve d'une révolution mondiale. Il est malheureux dans sa vie personnelle, cruel et impitoyable envers ses « ennemis ». Meurt dans la finale.

Andreï Razmetnov- très malheureux, a perdu sa famille à la guerre, est amoureux d'une femme qui ne soutient pas ses opinions, Andrei est capable de compassion et réfléchit à la justesse de ce qui se passe.

Yakov Loukitch Ostrovnov- un homme rusé à deux visages, voulait aider à organiser une émeute à Gremyachen Log, rêve de son ancienne vie vie riche. Collabore avec nouveau gouvernement, très rusé et cruel, mais bon maître.

Grand-père Chtchoukar- un personnage comique, parodie des fanatiques de l'idée (Davydov et Nagulny), le héros est loin de la politique. Les rires des lecteurs étaient censés désamorcer l'atmosphère lourde de ce qui se passait dans le roman.

POUVOIR LES GENS OPPOSANTS AU CHANGEMENT

(Davydov, Nagulnov,

Razmetnov) (Polovtsev, Lyatievsky, poings)

1. Pourquoi Cholokhov a-t-il abordé le thème de la collectivisation ?

2. Pourquoi le premier titre du roman « Avec sueur et sang », pourquoi avez-vous dû le changer ?

3. Quelle est la tragédie de la collectivisation ? Cholokhov lui-même l'a-t-il compris ? Prouvez-le.

4. En quoi la démonstration de collectivisation est-elle différente entre Cholokhov et Platonov (« La Fosse »), qui était le plus objectif ?

5. Votre impression de ce que vous lisez.

6. Devoirs sur le thème « Le thème de la collectivisation dans le roman de M. Sholokhov « Virgin Soil Upturned »

La poésie des années 60, comme la prose, est associée à la modernité. La modernité dans l’esprit des poètes n’est pas seulement l’aujourd’hui, mais le mouvement du temps.

Dans les années 60, les poètes de l'ancienne génération, qui ont commencé leur parcours créatif dans les années 20 et 30, continuent de travailler. (N. Aseev, A. Prokofiev, A. Tvardovsky et autres).

Les paroles philosophiques se développent également intensément. Sa gamme s'élargit. Plusieurs lignes thématiques et intonationnelles peuvent être distinguées : paroles héroïques associées à la guerre, paroles philosophiques d'approfondissement grâce à une nouvelle compréhension de la vie, de la beauté, interprétation des thèmes éternels de l'amitié, de l'amour, etc.

L'un des représentants les plus éminents de la poésie philosophique était Nikolai Alekseevich Zabolotsky.

Les années 50 constituent à la fois l’apogée et la fin du parcours créatif de ce poète. Il réfléchit sur des questions philosophiques éternelles, la vie et la mort, l'amour et l'amitié, etc. et fait réfléchir le lecteur sur le sens et le contenu de sa vie, sur le sens et la place de l'homme sur terre. Le poète a souvent recours à la technique du contraste. Ses poèmes « La vieille actrice », « La vilaine fille » et « La femme » ont reçu une reconnaissance générale. Idole oubliée du théâtre moscovite, la vieille actrice, ayant transformé sa maison en une sorte de musée, reste dans l'espoir que «sa beauté est destinée à briller à jamais dans cette maison, comme elle ne l'a jamais fait auparavant». Le contraste est la description d'une fille, une parente éloignée de l'actrice, qui se blottit dans un sous-sol sombre et bas, quelque part dans un coin humide, au service de sa tante. La jeune fille observe la cupidité de sa tante, qui compte et cache l'argent avec avidité. Le poème se termine par une profonde généralisation philosophique :

Une fille peut-elle comprendre pleinement ?

Pourquoi, frappant nos sentiments,

Élève de tels cœurs au-dessus du monde

Le pouvoir déraisonnable de l’art.

Dans les poèmes « Sur la beauté des visages humains » et « Ugly Girl », les problèmes de la beauté humaine sont posés. N. Zabolotsky dessine divers visages humains, qui ressemblent à la fois à des « portails luxuriants » et à des « cabanes pathétiques », mais fondamentalement, une personne est belle dans son humanité, « son illumination intérieure ». Par conséquent, les dernières lignes du poème sont logiques : « il y a des visages comme des chansons jubilatoires ».

Le poème "Ugly Girl" attire l'attention de tous. La fille est laide, elle rappelle une grenouille, et « la bouche est longue, les dents sont tordues, les traits du visage sont nets et laids ». Et en même temps, l'enfant est pleine de gentillesse, d'amour pour ses pairs et possède une rare grâce d'âme qui transparaît dans chacun de ses mouvements. N. Zabolotsky est passé maître dans l'art de créer les fins d'un poème dans lequel, résumant ce qui a été dit, il donne une certaine formule pour une découverte philosophique. Voici la fin de ce poème :

Et si tel est le cas, qu'est-ce que la beauté,

Et pourquoi les gens la divinisent-ils ?

C'est un vaisseau dans lequel il y a du vide

Ou un feu vacillant dans un vaisseau ?

Le poème « Wife » a également été écrit sur le principe du contraste. Le poète y compose un hymne à l’amour non partagé et touchant d’une femme pour son mari et à l’admiration sans fin pour son œuvre. Et en réponse à un tel amour, le mari la traite avec indifférence et arrogance. Les paroles adressées à une telle personne sont pleines d’ironie :

Alors qui es-tu, génie de l'univers ?

Pensez-y, ni Goethe ni Dante

Je n'ai jamais connu un amour si humble

Une foi si respectueuse dans le talent.

Le testament du poète aux générations suivantes est un poème publié à titre posthume, dans lequel il écrit :

Ne laissez pas votre âme être paresseuse !

Pour ne pas piler l'eau dans un mortier,

L'âme doit travailler

Et jour et nuit, et jour et nuit !

Elle est esclave et reine,

Elle est ouvrière et fille,

Elle doit travailler

Et jour et nuit, et jour et nuit !

Dans les années 60, de nombreux jeunes poètes se sont lancés dans la littérature, parmi lesquels on peut distinguer E. Yevtushenko, R. Rozhdestvensky et A. Voznesensky.

Eugène Evtouchenko est un poète aux émotions ouvertes, déclarant de manière décisive et définitive ses goûts et ses aversions. Réponse rapide aux événements actuels - trait caractéristique non seulement nombre de ses poèmes, mais aussi des œuvres de grande forme lyrique-épique.

Aux côtés du journalisme, le thème de l’amour occupe une certaine place dans l’œuvre d’Evtouchenko. L’incertitude des émotions dans les premiers poèmes sur l’amour, les premières expériences encore superficielles, cèdent la place à une compréhension plus mature du monde intérieur d’une personne. L'anxiété naît pour l'amour, la peur d'offenser, de perdre la femme que l'on aime (« Quand ton visage s'est levé... », « Miroir », « Sort », etc.)

Evtouchenko utilise largement la rime assonante, qui a commencé à déterminer le style du poète dans son ensemble. La forme traditionnelle du vers avec son système métrique stable est également représentée dans l’œuvre du poète. De nombreux poèmes ont été créés dans cette veine. (« Les Russes veulent-ils la guerre », « Valse sur valse », « C'est ce qui m'arrive », etc.).

Au milieu des années 60, le poète déclare de plus en plus son engagement à assimiler l'héritage des classiques russes, les traditions de Pouchkine et Nekrasov, Pasternak et Akhmatova. C’est de cela que parle la « Prière avant le poème » de la « Centrale hydroélectrique de Bratsk », qui est le résultat des réflexions d’Evtouchenko après ses voyages dans le Nord et en Sibérie.

Le thème du lien entre l'histoire et la modernité a également été incarné dans le recueil de poèmes « Pleine croissance », qui comprenait trois poèmes : « Pleine croissance », « Prosek », « Ivanovo Calico ».

Les recherches d'un autre poète, Andrei Voznesensky, dans le domaine de la stylistique et de la versification ont parfois coïncidé avec des réflexions intéressantes et fraîches sur l'ère NTR, puis sont nées des images mémorables et des formules volumineuses. Ainsi, en alternant chapitres poétiques et chapitres prosaïques (le poème « Oza »), le poète dépeint un monde étranger à l'esprit humain, dans lequel « il n'y a pas de temps pour être humain », car « la robotisation a lieu dans le monde ». Comprenant bien la nature contradictoire de la relation entre les découvertes scientifiques et technologiques et la protection humanitaire de la personne humaine, le poète proclame avec assurance : « Tout progrès est réactionnaire si l’homme s’effondre ». La poésie de Voznesensky se caractérise par une tendance aux paradoxes esthétiques et à l'inventivité.

Dans les années 70, différents motifs et approches de la créativité étaient perceptibles dans la poésie de Voznesensky (les recueils « Oak Leaf Cello », « Stained Glass Master ») : le sentiment de douleur à la vue des imperfections et des injustices du monde moderne ne va pas loin, mais est complété, pour ainsi dire, par de nouvelles facettes de la vie. Cela crée un sentiment de gratitude, d'amour pour pays natal(« Lac », « Un poirier mort, ou le plus souvent seul... »), une nouvelle compréhension des phénomènes de la réalité environnante (« Nostalgie du présent »). Dans son œuvre, les motivations civiques semblaient plus profondes, le sentiment de responsabilité envers le présent et l'avenir de l'humanité devenait plus aigu ("Requiem", "Anathema", "Il existe une intelligentsia russe", etc.)

Les travaux de R. Rozhdestvensky se sont développés dans une direction différente. Ses poèmes ne sont pas caractérisés par des traits épiques. En eux, comme dans les poèmes, le héros lyrique est l'auteur. Le poète est soumis à divers moyens d'incarner la diversité du monde qui l'entoure. Le pathos héroïque ("Requiem") côtoie une représentation satirique de personnes et d'objets ("Poème sur différents points de vue"), une ironie caustique, un sarcasme avec une intonation d'avertissement menaçante lorsqu'on s'adresse à une personne laissée seule sur une planète brûlée après un atomique cauchemar. La voix du poète s’oppose avec autant de passion à la formule autrefois légalisée « il n’y a pas d’irremplaçables » (poème « Dévouement »).

En 1971, l’un des meilleurs recueils de Rozhdestvensky, « Tout commence par l’amour », est publié. Une distinction nette entre le bien et le mal, la haute moralité et le bien-être bourgeois, les couleurs claires et sombres est un trait caractéristique de sa poésie. Dans le domaine du journalisme lyrique choisi par le poète, la forme de la confession côtoie souvent un appel direct, du type : « Quittons cette maison, partons » (« Déesses »), « Tu sais, mon amie, nous avons probablement "Je suis comme ça depuis ma naissance" ("Peers"), "S'il vous plaît, soyez plus détendu." Le vers de Rozhdestvensky, marqué par un accent particulier sur le mot et un rythme clair, est, en règle générale, dépourvu de la nuance psychologique de l'image.

Lorsque le poème de N. Rubtsov « Ma patrie tranquille » parut en 1965, le mot fut trouvé « lyrisme tranquille ». Mais c'était plus qu'un mot, car derrière lui on pouvait lire toute une direction de notre poésie, empruntant un chemin différent de celui de la poésie pop, remplaçant l'intensité par la profondeur. Ses plus grands représentants (N. Rubtsov, A. Prasolov, Yu. Kuznetsov, N. Tryapkin, V. Sokolov, A. Zhigulin) ont défendu leurs principes esthétiques et moraux et l'ont fait d'une manière complètement différente d'Evtouchenko ou de Voznessensky. Si ces derniers ont principalement noté et enregistré sous une forme exacerbée certaines des contradictions et des complexités de l'époque, alors ces poètes ont cherché à comprendre leur nature et leur essence, à capturer les processus qui se déroulent dans l'âme humaine.

Ils ont été confrontés aux mêmes problèmes que les créateurs de la haute prose : approfondissement de l'historicisme, incarnation innovante des thèmes phares (la Grande Guerre patriotique, le sort du village, le problème de « l'homme et de la nature », une pénétration plus complète et plus parfaite dans l'intérieur monde du contemporain).

L'un des meilleurs représentants de cette tendance était Nikolai Rubtsov.

Un héritage de cinq recueils de poésie relativement petits a été laissé par N. Rubtsov. Son premier livre, "Lyrics", a été publié en 1965, le dernier, "Green Flowers", après la mort du poète, et entre eux les recueils "Star of the Fields", "The Soul Keeps" et "The Noise of Pines". .»

N. Rubtsov est complètement amoureux de Rus', le côté tranquille de Vologda avec ses champs, forêts et lacs, avec ses gens simples et taciturnes qui ont vu beaucoup de choses au cours de leur vie ("The Soul Keeps", "Bonjour la Russie", " Ma tranquille patrie »).

Faites taire ma patrie !

Saules, rivières, rossignols...

Avec chaque bosse et chaque nuage,

Avec le tonnerre prêt à tomber,

Je ressens le plus de brûlure

La connexion la plus mortelle.

Le poète a témoigné plus d'une fois qu'il capte les voix de la nature, entend comment le vent « hurle », « gémit », « pleure », « siffle », « respire », « sanglote comme un enfant », comme un blizzard " des voix derrière la fenêtre », comment murmurent les bouleaux, les feuilles tintent. Le poète traduit des moments d'existence dans le langage de l'art, réalisant clairement sa dépendance à l'égard des forces naturelles.

Pour Rubtsov, il est important non seulement ce qui est exprimé en mots, mais aussi ce qui se cache derrière le texte, comme non-dit, mais chanté par la mélodie même du discours poétique.

Invitant à apprendre le grand art de l'harmonie à partir de la nature, le poète n'est pas tombé dans le rousseauisme tardif. Il ne s’agissait que d’une compréhension sobre du lien brûlant entre l’homme et la nature, qui peut être rompu à une époque de crise environnementale croissante. D’où les tonalités tragiques qui rehaussent le drame interne de la poésie de Rubtsov.

Un domaine particulier, encore peu étudié, est la poétique de Rubtsov, qui a compris que ce qui est vraiment beau doit être majestueux. La poésie de Rubtsov a sa propre mélodie. Bien que ses vers manquent de l'intonation de la chanson inhérente à Yesenin, ils sont très musicaux, d'ailleurs que Tyutchev et Blok, le modèle mélodique des poèmes dont il est proche.

Tout au long des années 70, de nombreux noms poétiques, indépendamment des désirs des poètes eux-mêmes, sont devenus l'objet de manipulations critiques et ont été alignés dans les rangs et les écoles. Les poètes « organiques » (Rubtsov et Prasolov) ont été opposés aux poètes « inorganiques », « livresques » : A. Tarkovski et D. Samoilov, B. Akhmadullina, Yu Morits, A. Kushner, bien que chacun des nommés ait le sien « . bookishness», son propre rapport à la tradition et à sa propre mesure du talent.

Certains (Tarkovsky, Kushner) sont plus susceptibles de faire un effort pour mémoriser et ajuster le son de leurs vers en harmonie avec la haute structure de la poésie classique. D'autres (Moritz) ne tendent pas tant à se laisser transporter dans le passé, mais plutôt à rapprocher d'eux-mêmes ces associations classiques, à les moderniser avec leur propre voix. Ce qui est différent des deux, c'est David Samoilov, qui réfléchit d'abord en vers, expérimentant avec ses vers une distance qui nous éloigne de plus en plus de ceux chez qui se poursuit « l'âge d'argent » de la poésie russe, grâce auquel cet âge était presque contemporain de nous:

Ça y est, les génies ont fermé les yeux. On tire, on tire le vieux mot

Et quand le ciel s'assombrit, Nous parlons à la fois lentement et sombrement.

Comme dans une salle vide. Comme nous sommes honorés et comme nous sommes favorisés !

Ce poème de huit vers de David Samoilov date de 1966, année de la mort d’Akhmatova. Cela semble être une épigraphe appropriée aux deux dernières décennies de poésie.

Ce n'est pas un hasard s'il a été écrit par D. Samoilov. Il fut le dernier de sa génération militaire à publier son premier livre – en 1958. Son importance ne commence à prendre pleinement conscience que dans les années 70, après la publication du premier petit recueil de poèmes sélectionnés, « Equinox ».

La légèreté de Samoilov, l'ironie de Samoilov : « J'ai encore fait de la poésie un jeu... » séduisaient les uns et rebutaient les autres, qui estimaient que la solennité avec laquelle les grandes choses, les réalisations et les quêtes morales devaient être racontées était plus conforme à l'air du temps. . Le ton a beaucoup déterminé. Cela a également révélé une position esthétique – une attitude envers la tradition. Les poèmes de Samoilov sont le signe d'un certain style dans lequel la légèreté et l'évasion ont acquis le sens d'une affirmation. Il y a beaucoup de « comme si » dans ses poèmes. C’est comme si la poésie était un jeu, comme si tout n’y était que momentané, éphémère, unique :

Gelées fringantes et sévères Pas de répétitions ! Unique

L’air tout entier sonne comme de la glace. Ni nous, ni vous, ni moi, ni lui.

Le lecteur attend déjà la rime « rose », ces hivers sont uniques

Mais il semble qu’il attende en vain. Et cette sonnerie légère et malléable.

C'est en vain d'attendre et d'attendre, Et le halo de l'aube entoure le bouleau,

Être patient, attendre Comme autour du chef apostolique...

Le fait que les sons seront répétés Le lecteur attend déjà la rime « rose »,

Et ils nous répondront à nouveau. Eh bien, attrape-la, attrape-la !..

"Pas de répétitions !" - une telle thèse, prouvée, mais en fait réfutée par le vers. Il y a trop de répétitions dans ces lignes. Pouchkine - on ne peut s'empêcher de le reconnaître, il est cité ouvertement et dans les manuels. Le poème commence par une demi-citation au premier vers. Et tout se termine par la répétition de Tioutchev.

Cela signifie qu'il y a des répétitions, que tout est répétable, mais pas littéralement, mais selon la loi de la variabilité de l'immuable. Dans les poèmes de Samoilov, il y a de nombreuses citations de souvenirs sur lesquelles le poète ne s'attarde pas. Ils déterminent seulement la nature du lien constamment entretenu, mais non détecté, non saillant avec la tradition, qu'ils surgissent, absorbés par le mouvement du vers ;

Dans les années 70, la tradition faisait l’objet d’un débat critique constant, dont la raison était donnée par la poésie elle-même. Le passé poétique devient sujet de réflexion et de choix. La tradition se révèle comme un processus à double sens, comme un dialogue dans lequel celui qui exerce l'influence et celui qui la perçoit regardent d'une manière nouvelle, sans mémorisation des manuels. Le degré d'égalité des interlocuteurs dépend de sa réceptivité et de son talent.

"Uranie" - nom dernière collection poète. « To Urania » est le titre de l’un de ses poèmes centraux :

Tout a une limite : y compris la tristesse.

Le regard reste coincé dans la fenêtre, comme une feuille dans une clôture.

Vous pouvez verser de l'eau. Sonnez les clés.

La solitude est une personne au carré.

Alors le dromadaire renifle en grimaçant les rails.

Le vide s'écarte comme un rideau...

Uranie est la muse de l'astronomie, régnant sur l'espace de l'univers. Ce poème ne dit rien de la nostalgie, mais le regard semble glisser, restituant le paysage de l'espace laissé derrière lui.

La poésie de Brodsky entretient une relation complexe entre le héros et l'espace. Au début, il semblait divisé en plusieurs objets, laissant une impression de diversité et de fragmentation, de désintégration, comme si le fil qui relie l'ensemble se détachait.

L'espace est le plus souvent indifférent à l'homme, parfois hostile. Brodsky ne parle pas ouvertement de lui-même dans ses poèmes, mais utilise des images. Par exemple, un faucon. Dans le poème « Le cri d'automne d'un faucon », il parle d'un oiseau qui vole au-delà de ses forces, jusqu'à une hauteur où il ne peut pas surmonter le flux d'air, et qui le pousse dans l'ionosphère, « dans l'enfer astronomiquement objectif des oiseaux ». , où il n’y a pas d’oxygène.

Brodsky nous apprend à nous en souvenir avec des mots significations culturelles. Il le fait d’ailleurs dans l’esprit de la tradition classique, pour laquelle, depuis l’Antiquité, le vol d’un oiseau est associé à un envol poétique. L’image devient polysémantique ; elle permet diverses nuances de sens, même si elle ne permet pas d’allégories délibérées. Brodsky n'écrit pas d'allégories. "Autumn Hawk Cry" est un poème avec une prémonition de l'hiver, un poème sur la mort d'un oiseau dans le ciel américain, devenu

une poignée d'agiles

des flocons volent sur le flanc de la colline

Et, en les attrapant avec les doigts, les enfants

S'enfuit dans la rue avec des vestes colorées

Et crie en anglais : « Winter, winter !

Le travail de Brodsky a toujours suscité des controverses et des attitudes ambiguës. Mais sa poésie est l’univers d’un grand poète qui, comme tout grand poète, change le visage de la tradition culturelle nationale.

En mars 1991, la conférence « Le postmodernisme et nous » a eu lieu à l'Institut littéraire. Il s'agissait d'une tentative de réunir en un seul groupe les poètes venus à la littérature au début des années 80, d'une tentative de déterminer la nature du nouveau, de trouver un mot ou un terme qui pourrait indiquer un changement de pensée.

Le concept de postmodernisme présente un avantage inconditionnel : il n’impose pas de communauté, il ne prescrit pas de programme unique. Ce qui est devenu relativement récemment un fait de la conscience publique est devenu bien plus tôt le matériau de la poésie.

En 1989-1992, ceux dont les noms avaient été mentionnés plus ou moins silencieusement plus tôt, mais qui n'avaient pas eu la possibilité d'être publiés à l'époque soviétique, ont été publiés dans des collections séparées.

Parmi eux se trouve le lauréat de prix internationaux, traducteur de poésie française - Gennady Aigi. De nombreux critiques, en particulier V. Novikov, estiment que le motif principal de sa poésie est le motif du silence ou du silence :

où est l'enfant - inégal

comme dans des limites - de la fragilité du clair-obscur :

vide! - car le monde grandit

dedans - pour écouter

Vous-même en tant que complétude.

Les concepts de vide et de silence sont porteurs d'une charge énergie négative. Dans le même temps, les images utilisées par Aigi ne peuvent pas être qualifiées de non conventionnelles pour la poésie russe. En particulier, Aigi hérite des traditions de la poésie de Tioutchev, mais à un niveau philosophique différent. Comme le note V. Novikov : « Si vous avez absorbé ce silence, vous pouvez considérer que vous êtes entré dans le monde d'Aigi... Contraint de se taire ou choix du silence En tout cas, face à la nécessité de ce choix qui s'offre ? à des degrés divers facilement.

Pour la créativité Dm. Prigov se caractérise par une attitude simple et clichée, qu'il cache sous couvert de sérieux académique et officiel. Dans son recueil « Tears of Heraldic Love », avec une ironie indétectable par l'auteur lui-même, l'absurdité des choses existantes et généralement acceptées est démontrée :

Sur les étangs du Patriarche

Mon enfance s'est envolée

Maintenant, où dois-je aller ?

Quand suis-je devenu beaucoup plus âgé ?

Quels étangs ?

À quel point les eaux sont-elles troubles ?

Oh, est-ce vraiment la nature

Pas d'eau pour moi ?

Bonheur, bonheur, où es-tu, où es-tu ? Oh, ma pauvre !

Et de quel côté es-tu ? Cher bébé !

Soudain, il est sorti de sous mon bras. Laisse-moi te plaindre !

Réponse : me voici ! me voici! Asseyez-vous et ne sortez pas la tête !

Comme l'a défini I. Shaitanov : « le visage de la poésie moderne est peut-être principalement rieur, bien que pas très joyeux ». La poésie de Timur Kibirov occupe une place particulière dans la littérature du postmodernisme. L'ironie de la plupart de ses poèmes repose sur des associations dont la nature peut être complètement différente : ce sont des constructions linguistiques abstraites, et des chansons des années 20-60, et des éléments de la vie quotidienne, et de la littérature classique de Lomonossov à Pasternak. Mais tout cela est reproduit à un autre niveau inférieur, parodique :

Chante-moi une chanson, Gleb Krzhizhanovsky !

Je te chanterai à travers mes larmes,

Je te pleurerai comme un loup de Tambov

En bordure, sur la terre natale !

Au bord derrière l'avant-poste de l'usine

Les forces obscures oppriment vicieusement.

Chante-moi une chanson, garçon frisé,

Des destins inconnus nous attendent...

Comme vous pouvez le voir dans ce cas, ce poème est tissé à partir de bribes de chansons populaires des années 20.

L'un des thèmes phares de son œuvre était le thème de Rossi. Et encore une fois cette image apparaît comme une chaîne d’associations, et les plus inattendues :

Mon entreprise sent le kérosène

Côté kérosène cher

Chypre sent l'homme rasé

Et en tant que femme "Moscou rouge"

Pouvez-vous le sentir, pouvez-vous le sentir ? Bien sûr!

Dois-je, un local, lever le nez !

Polonais huilé avec robe

Avec l'esprit russe, marteler et marteler

Et Antonovka est plus proche de Kaluga

Et dans la steppe de Mozdok, la marijuana.

Tu sens le salaud, ça sent quoi ? et le blizzard,

Oh, blizzard, blizzard de Vorkuta...

Très souvent, dans sa poésie, des concepts auparavant incompatibles se rejoignent :

Cafards dans le tambour

Des poux de puces dans les coins,

Et ils semblent dans le brouillard

Prolétaires de tous les pays.

Et encore une fois, l’attitude envers la Russie est une vision extérieure. Et le regard n'est ni sanglotant, ni touchant. C’est le point de vue d’une personne qui comprend parfaitement le pays sur lequel il écrit et l’époque dans laquelle il vit :

Au moins, je suis un Chuchmek ordinaire,

Désolé, tu es juif !

Pourquoi pleurons-nous de façon insupportable ?

Sur votre propre Russie ?

I. Shaitanov a noté très précisément l'essence du postmodernisme : « Ceux qui sont contraints de garder le silence ou ceux qui ont choisi volontairement, écoutant le silence sacré ou assourdis par un « écho négatif » et enterrés par un effondrement linguistique - ils sont tous liés dans leur implication dans silence. Une parenté puissante qui explique comment dans un même espace de l'underground ont pu naître à la fois des ironistes violents et des adeptes de textes priants et silencieux, dans les mêmes communautés poétiques, et pour tous deux, la condition de la créativité est l'aliénation du réel, l'éloignement de lui avec. mots.

Parlant de l'interaction entre les poètes des années soixante et l'underground, il convient de noter que la fin des années 80 et le début des années 90 ont été le moment même où les plus âgés et les plus jeunes sortaient de la zone de silence et étaient en désaccord avec les uns les autres sur de nombreux points. Le comportement quotidien des plus jeunes semblait provocateur. Eux, dans meilleur scénario, sont indifférents à la morale, et une idée morale n’est certainement pas reconnue comme une raison valable pour l’inspiration poétique. Les principes mêmes des années soixante étaient ainsi rejetés.

Dans les années 80, ils ont commencé à évaluer plus sérieusement et plus profondément ce qui, dans les années 60, était considéré comme une « sous-culture », une « pré-littérature », une « contre-culture », etc. Notamment une chanson originale.

Le prince Viazemski, contemporain de Pouchkine, disait qu’il existe des genres dans lesquels la société non seulement s’exprime, mais « jette », éclabousse, gémit, évoque et fait des plaisanteries noires. V. Maïakovski considérait comme un exploit le fait d'avoir « léché des crachats phtisiques avec la langue rugueuse d'une affiche ». Les bardes ont commencé à ignorer l'affiche et ont ainsi prolongé l'âge de l'affiche. Ce faisant, ils ont considérablement élargi la portée de ce qui était permis dans la réflexion sur la vie, dans l'élaboration de recettes d'autodéfense contre le mal. Déjà V. Shukshin a partiellement introduit dans ses histoires ce qui était traité comme « carré », « rue », « bouffon », y voyant des éléments de la culture du rire populaire.

Les années 70 et le début des années 80 ont été l'apogée de la chanson originale (V. Vysotsky, A. Galich, Y. Vizbor, E. Klyachkin, B. Okudzhava, Y. Kukin).

Le sujet et le contenu de la chanson de l'auteur sont extrêmement divers. Voici une chanson de jardin, une satirique, une criminelle, une parabole philosophique et une chansonnette. La plupart d’entre eux ont un caractère de chambre intime et ne sont pas conçus pour un effet extérieur. Son caractéristique importante c'est aussi qu'il est conçu principalement pour une présentation orale. Le genre de la chanson artistique, apparu au tournant des années 50 et 60, était par nature orienté vers la tradition orale, maîtrisant organiquement toutes ses formes, de la romance bourgeoise à l'anecdote.

Contrairement à la plupart des chansons originales, la poésie de Galich n'était pas destinée à la perception collective d'un public de masse. Les poèmes de Galich sont une conversation entre un poète et un interlocuteur proche, une confession. Bien qu'il ait également eu de nombreuses chansons de nature fortement satirique et ironique. (« La ballade de la plus-value », « Le Triangle rouge », « L'histoire de la façon dont le directeur d'un magasin d'antiquités a presque perdu la tête », etc.). Mais même en eux, il y avait un élément de confession tragique, caché quelque part en arrière-plan et plus nu dans des chansons telles que « Conversation joyeuse », « Karaganda », « Ballade de valse sur la belle-mère d'Ivanovo », « Nuages », « Romance de À la Belle Dame », « Train ». La poésie de Galich contient de nombreuses réminiscences de la poésie russe de « l'âge d'argent ». Par exemple:

Le corbeau vole la nuit.

C'est mon timonier d'insomnie

Même si je crie

Mes cris ne deviennent pas plus forts

On l'entend à peine à cinq pas

Mais même alors, ils en disent trop.

Mais c'est comme un cadeau d'en haut,

Soyez entendu à cinq pas.

Ce poème est un écho direct et une continuation du thème du poème de Mandelstam « Nous vivons sous nos pieds sans sentir le pays ». Ici aussi version moderne"L'Étranger" de Blok : "Princesse de Nizhnyaya Maskovka". "Elle se promène donc entre les tables dans son costume en jersey... à son doigt étroit, elle porte une bague de deux dollars et demi..."

La vraie vie existe dans toutes les chansons de Galich, construites sur le paradoxe. Voici deux destins humains, dans l'histoire desquels le poète a uni la compassion pour l'un et le mépris pour l'autre, à travers lesquels cependant transparaît aussi la compassion :

Elle a emballé ses affaires et a dit subtilement

Et si tu es tombé amoureux de Tonka, alors sois avec elle et Tonka

Ce n'est pas Tonka qui t'a attiré avec ses lèvres mouillées,

Et qu'est-ce que papa a avec elle piétinant sous les fenêtres,

Et qu'en est-il de papa, sa datcha à Pavshin,

Piétineurs et laquais avec secrétaires,

Et papa, ses rations viennent du Comité Central,

Et pendant les vacances, il y a un film avec Tselikovskaya.

C'est ce que vous vouliez et vous le savez vous-même.

Tu te connais, mais tu es gêné

Tu parles d'amour, de confiance,

Des choses élevées, de la matière.

Et à vos yeux, vous avez une datcha à Pavshin.

Dans les années 60, Galich a soulevé un énorme problème qui est devenu l'un des principaux problèmes de son travail, et d'actualité encore aujourd'hui : celui des personnes qui se sont adaptées. Le poète en parle dans une chanson intitulée ironiquement « La valse du prospecteur » :

Mais parce que le silence est d'or

Nous sommes donc certainement des prospecteurs.

Laisse les autres crier de désespoir

Du ressentiment, de la douleur, de la faim.

Nous savons que le silence est plus rentable

Parce que le silence est d'or.

Voici comment devenir riche facilement

Voici à quel point il est facile d'accéder à la première place,

Voici à quel point il est facile d'accéder à la première place

Restez silencieux, restez silencieux, restez silencieux.

Ce poème exprime le credo poétique et civique de Galich avec la plus grande clarté et certitude journalistique. Le même thème se poursuit dans un poème dédié à la mémoire de Pasternak.

"Craie, craie partout sur la terre Et pas jusqu'à la couronne d'épines

À toutes les limites. En roulant,

La bougie brûlait sur la table et c'était comme une bûche en plein visage

Non, pas même une bougie, Et quelqu'un ivre a demandé :

Le lustre brûlait. Pour quoi, qui est là

Des lunettes sur le visage du bourreau Et quelqu'un mangeait,

Ils brillaient faiblement. Et quelqu'un a ri

Et le public a bâillé, et le public s’est ennuyé à cause de cette blague.

Méli Emelya. Nous n'oublierons pas ce rire

Après tout, pas en prison, ni à Suchan, ni à cet ennui.

Pas à l'extrême. Nous nous souviendrons de chacun par son nom.

Qui a levé la main ?

Il ne doutait pas que cela deviendrait et deviendrait un acte de citoyenneté.

L'œuvre de Vladimir Semenovich Vysotsky a reçu une large reconnaissance non seulement dans notre pays, mais aussi à l'étranger. Ses chansons basées sur ses propres poèmes étaient mémorables pour leur contenu inhabituel et leur interprétation passionnée et inspirée. Ils ont touché le plus profond du cœur des auditeurs. La poésie de Vysotsky a un contenu multiforme. Il chantait tout ce avec quoi les gens vivaient : la paix et la guerre, l'amour et l'amitié, le sport et le travail. Il s'intéressait aux thèmes de l'art, de l'espace et du destin de la Terre.

La poésie de Vysotsky se caractérise par une compréhension philosophique des problèmes éternels de la vie et de la mort. Il exprime dans des poèmes sa croyance en l'infinité de la vie sur terre :

Qui a dit : « Tout a brûlé, la maternité ne peut pas être retirée de la Terre,

Ne jetez plus une graine en terre..." Vous ne pouvez pas l'enlever, tout comme vous ne pouvez pas ramasser la mer,

Qui a dit que la Terre était morte ? Qui a cru que la Terre était brûlée ?

Non, elle s'est cachée pendant un moment... Non, elle est devenue noire de chagrin...

Vysotsky a écrit de nombreuses chansons sur la guerre. Bien que, lorsque la guerre a commencé, il avait trois ans et que sept ans seulement se sont écoulés, Vysotsky a pu transmettre la tragédie du peuple, la tragédie de ces familles où les fils, les frères, les palefreniers et les maris ont payé de leur vie pour le victoire sur le fascisme :

Pourquoi tout va mal ? Tout semble être comme toujours :

Le même ciel - encore bleu,

La même forêt, le même air et la même eau...

Seulement, il n'est pas revenu de la bataille...

Les chansons sur l’amitié et l’amour occupent une grande place dans la poésie de Vysotsky. Sa « Chanson sur un ami » est devenue largement connue :

Si un ami s'avère soudainement être

Ni un ami ni un ennemi. Bien...

Si tu ne comprends pas tout de suite,

Qu'il soit bon ou mauvais -

Tirez le gars vers les montagnes - prenez un risque !

Ne le laissez pas seul !

Laissez-le être en connexion avec vous -

Là, vous comprendrez qui il est.

Le thème de l’amour occupe une grande place. L'amour pour Vysotsky est le plus grand cadeau de la nature et le grand sentiment du cœur humain :

Quand le déluge mondial

retourna de nouveau sur les rivages,

provenant de la mousse des effluents

l'amour est tranquillement monté sur terre

et a disparu dans les airs avant la date limite,

et le délai était quarante quarante...

Et il y aura bien des errances et des errances :

Le pays de l'amour est un grand pays !

La poésie de Vysotsky devint la propriété du peuple. Il contient une conversation passionnante avec un contemporain sur la chose la plus importante, la plus importante et la plus vitale qui inquiétait tout le monde. Sa poésie est la poésie de l'honneur, du courage, de la dignité humaine, la poésie de la vérité et de l'amour.

Poésie russe des années 1960-1970. inhabituellement diversifié dans les thèmes, les genres et les styles. années 1970- l'apogée de ces poètes qui se sont déclarés à la suite du dégel de Khrouchtchev : E. Yevtushenko, R. Rozhdestvensky, A. Voznesensky, B. Akhmadulina, R. Kazakova. Cette période a été fructueuse pour les poètes de l'ancienne génération qui ont traversé la guerre - D. Samoilov, Yu. Levitansky, B. Okudzhava, Y. Smelyakov, L. Martynov.

Fin des années 60-début des années 70 années, la direction lyrique-journalistique s'est déclarée très vigoureusement. Les poètes de ce mouvement - E. Yevtushenko, R. Rozhdestvensky, en partie A. Voznesensky, Y. Smelyakov - ont abordé les problèmes urgents de notre temps, les événements de la vie politique et ont réagi à tout ce qui se passait dans le pays et à l'étranger. Leur poésie se distinguait par son orientation civique (« Civisme », « Paroles intimes » de E. Yevtushenko, « Nostalgie du présent », « Pornographie de l'esprit » de A. Voznesensky, « Corrompu », « À qui j'appartiens » par R. Rozhdestvensky, etc.). La haute destinée de l’homme est évoquée dans le poème d’E. Yevtushenko « Centrale hydroélectrique de Bratsk » :

Il n'y a pas de destin plus pur et plus élevé - donner toute sa vie sans penser à la gloire,

Pour que tous les peuples de la terre aient le droit de se dire : « Nous ne sommes pas des esclaves ».

Les poètes du mouvement lyrique-journalistique s'adressaient directement à leurs contemporains. Ils couvraient différents aspects de la vie, soulevaient des questions de pureté morale et de conscience, du tribunal moral en tant qu'autorité suprême. Ils cherchaient à comprendre l'histoire et la modernité, à pénétrer dans l'essence des tendances du développement social.

Dans les années 1960 La direction lyrique-romantique a commencé à se développer dans la poésie soviétique comme jamais auparavant. B. Okudzhava, N. Matveeva, Yu. Levitansky, Yu. Moritz ont poétisé la beauté spirituelle de l'homme, la voyant non pas dans le service des idéaux sociaux, mais dans les concepts humains universels d'honneur et de dignité personnels, d'amitié, de courage et de bravoure masculins, de pureté féminine. , beauté. Une femme dans les œuvres du mouvement romantique apparaît comme un objet de culte, d'admiration et d'amour, comme une divinité, Votre Majesté, et non comme une patiente ouvrière éternelle. Les romantiques exprimaient dans leurs poèmes le désir secret de l'homme soviétique idéologisé de quelque chose d'éternel, d'impérissable, glorifié et exalté au cours de tous les siècles. L’intonation intime et chambriste de leurs paroles touchait les cordes les plus profondes de l’âme et évoquait l’empathie.

Années soixante- une sous-culture de l'intelligentsia soviétique, capturant principalement la génération née approximativement entre 1925 et 1945. Le contexte historique qui a façonné les opinions des « années soixante » était celui des années du stalinisme, de la Grande Guerre patriotique et de l’ère du « dégel ». Le tournage des célèbres lectures de Polytech a été inclus dans l'un des principaux films des années 60 - "L'avant-poste d'Ilyich" de Marlen Khutsiev, et les poètes répertoriés sont devenus incroyablement populaires pendant plusieurs années. Plus tard, l’amour du public s’est tourné vers les poètes d’un nouveau genre généré par la culture des « années soixante » : la chanson artistique. Son père était Bulat Okudzhava, qui, à la fin des années 50, a commencé à interpréter des chansons de sa propre composition avec une guitare. Bientôt, d'autres auteurs apparurent - Alexander Galich, Yuliy Kim, Novella Matveeva, Yuri Vizbor, qui devinrent des classiques du genre. Le samizdat audio apparaît, diffusant les voix des bardes dans tout le pays : la radio, la télévision et l'enregistrement leur sont alors fermés.

Ce sont des gens dont l'enfance a porté le dur fardeau des années de guerre, dont l'adolescence a été perturbée par la révélation du culte de la personnalité et dont la jeunesse s'est déroulée à l'époque du « dégel », lorsque le pays tout entier, bien que pour peu de temps, , respirait librement. C'était l'époque des poètes lisant leurs poèmes depuis la scène du Festival mondial de la jeunesse et des étudiants, l'époque des premiers vols dans l'espace, qui donnait aux gens l'espoir que tout irait bien. À cette époque, la fraternité idéologique s’est développée, lorsque « nous » sommes devenus plus qu’un simple collectif. C'était l'unité spirituelle. Ce sont les « années soixante » qui étaient ceux qu'Herzen appelait en son temps « les soplastniki » et Marina Tsvetaeva « les fauconniers ». Ce n’était pas l’individu qui était au centre de tout, mais les gens :
Il n’y a pas de personnes inintéressantes dans le monde.
Leurs destins sont comme les histoires des planètes, -
ceci a été écrit par le jeune Eugène Evtouchenko. À l’époque, les gens cherchaient la vérité ; ils en avaient assez d’être trompés tout le temps :
Dans le mot "vérité", j'ai vu
La vérité elle-même
Arsène Tarkovski
Et c’est la principale chose que recherchaient les « années soixante ». C’est alors qu’a commencé ce que les étrangers appellent aujourd’hui l’ère de la « stagnation ». Le pays semblait s'endormir. Plus rien ne touchait personne : chacun commençait à vivre seul, apparemment toujours uni par les idées du socialisme. Et encore une fois, la « poésie des masses et du temps » est montée sur le piédestal, pour ne pas dire obligée de le dire, glorifiant les dirigeants et les ouvriers de choc du travail, dessinant les distances fantomatiques. le bonheur du monde, qui ne s'est cependant pas rapproché. La poésie de l’âme et du cœur, qui touche à l’estime de soi de l’individu, a été rejetée de la scène de l’histoire, puis a commencé à être interdite.
Malgré cela, les vrais poètes, les vrais artistes ont trouvé leurs thèmes. Ils virent que tout autour d’eux était irréel, identique et sans visage. Quelle est la puissance du poème d’Andrei Voznesensky « Nostalgie du présent », qui reflète précisément cette absence de visage et la nécessité d’un vent de changement propre et traversant :
De l'eau noire jaillit du robinet,
La rousse fouette, vrai,
De l'eau rouillée jaillit du robinet,
J'attendrai, le vrai viendra.
Ici sous eau propre et on comprend ce que les gens n'avaient pas alors - la vérité, mais le poète croit que tout va changer pour le mieux.
Il est clair que de tels poèmes ne plairont pas à tout le monde. Les poètes commencèrent à être persécutés. Ils n’étaient pas autorisés à parler, ils n’étaient pas publiés dans des magazines et aucun livre n’était publié. Mais leur voix parvenait néanmoins au lecteur. Tout un système de « samizdat » est apparu. Maintenant, nous sommes habitués au fait que lorsque nous allons dans un magasin, nous pouvons choisir n'importe quel livre. Les choses n’étaient pas comme ça à l’époque. L'auteur en a fait plusieurs copies sur une machine à écrire et les a données à des amis et des connaissances. À leur tour, ils l'ont également copié et transmis à leurs amis, et à la fin, le résultat a été quelque chose comme une avalanche.
Un débat houleux a eu lieu à cette époque sur ce qui était primordial : la science ou l'art. Les « années soixante » étaient constituées de deux sous-cultures interconnectées mais différentes, appelées en plaisantant « physiciens » et « paroliers » - représentants de l'intelligentsia scientifique, technique et humanitaire. Naturellement, les « physiciens » se sont moins montrés dans l'art, mais le système de vision du monde qui a surgi parmi eux n'était pas moins (et peut-être plus) important dans la culture soviétique des années 60 et 70.

À la fin des années 60, quand vie sociale a été supprimée dans le pays, une nouvelle sous-culture est apparue parmi les « physiciens » : les touristes randonneurs. Il était basé sur la romantisation de la vie dans la taïga (nord, en haute montagne) des géologues et autres travailleurs de terrain. La simplicité, la rudesse et la liberté de leur vie étaient l’antithèse des absurdités ennuyeuses de l’existence « correcte » d’un intellectuel urbain. L'expression de ces sentiments était le film de Kira Muratova « Brèves rencontres » (1967) avec Vladimir Vysotsky dans rôle principal. Des millions d'intellectuels ont commencé à passer leurs vacances sur de longues randonnées, la veste coupe-vent est devenue un vêtement intellectuel courant, la pratique centrale de cette sous-culture était le chant collectif autour du feu avec une guitare - en conséquence, la chanson artistique est devenue un genre de masse. . La personnification et l'auteur préféré de cette sous-culture était le barde Yuri Vizbor. Cependant, son apogée n'est pas tombée sur les « années soixante », mais sur la génération suivante.

Martynov Léonid Nikolaïevitch(22/05/1905, Omsk - 27/06/1980, Moscou) - poète, traducteur, mémoriste. De la famille de N.I. Martynov, ingénieur en construction ferroviaire, descendant des « philistins Martynov, dont les origines remontent à leur grand-père, le colporteur-libraire Vladimir Martyn Loschilin » (« Frégates aériennes »). M.G. Zbarskaya, la mère du poète, a inculqué à son fils l’amour de la lecture et de l’art. En 1920, il rejoint le groupe des futuristes d'Omsk, « artistes, interprètes et poètes », dirigé par le « roi des écrivains » local A.S. Sorokin. Bientôt, il se rend à Moscou pour entrer au VKHUTEMAS, où il entre dans un cercle de jeunes artistes d'avant-garde partageant les mêmes idées. Il traverse à plusieurs reprises les steppes du sud sur la route du futur Turksib, explore ressources économiques Le Kazakhstan a visité la construction des premières fermes d'État géantes, effectué un vol de propagande au-dessus de Baraba, une région de steppe, recherché des défenses de mammouth entre l'Ob et l'Irtych et des livres manuscrits anciens à Tobolsk. En 1932, M. fut arrêté pour propagande contre-révolutionnaire. On attribue au poète sa participation à un groupe mythique d’écrivains sibériens, dans le « cas de la brigade sibérienne ». Il fut envoyé en exil administratif à Vologda, où il vécut jusqu'en 1935, collaborant aux journaux locaux. Après son exil, il retourne à Omsk, où il écrit un certain nombre de poèmes sur des thèmes historiques sibériens et où, en 1939, il publie un livre. «Poèmes et poèmes», qui ont valu à M. la renommée parmi les lecteurs de Sibérie.

En 1945, le deuxième livre «Lukomorye» est publié à Moscou, avec lequel le poète attire l'attention d'un cercle plus large de lecteurs. Ce livre - une étape importante dans l'œuvre de M. Dans les années 1930, le poète, dans de nombreux poèmes et poèmes, développe ou tente de reconstruire le mythe sibérien de la terre heureuse du nord, qui apparaît dans les poèmes de M. l'apparence soit d'une Hyperborée fantastique, soit du légendaire « Mangazeya bouillant d'or », ou presque réel - M. en cherchait des preuves historiques - Lukomorye. À la fin des années 1940, M. a fait l'objet de « recherches approfondies dans les magazines et les journaux associées à la publication du livre « Ertsin Forest » (« Air Frigates »). Le poète n'était plus publié. À la fin des années 1950, le poète est véritablement reconnu. Le pic de popularité de M., qui s'est renforcé avec la publication de son livre. « Poèmes » (M., 1961) coïncide avec l'intérêt accru des lecteurs pour les paroles des jeunes « années soixante » (Evtushenko, Voznesensky, Rozhdestvensky, etc.). Mais le paradoxe de la situation et le malheur de M. en tant que poète est que sa position civique dans les années 1960 ne correspondait pas à l'humeur de son public, principalement la jeune intelligentsia créatrice. C'est pendant le « dégel » que sont apparus les premiers poèmes de M. sur Lénine, et peu après le « dégel » - des poèmes pour les anniversaires. L'intérêt de leur auteur pour l'amélioration de la technique poétique diminue : M. recherche de nouveaux sujets. La part de l'historicisme dans les intrigues lyriques de M. diminue, il y a moins de romantisme, mais de plus en plus de tentatives pour paraître modernes. La conséquence est un déclin progressif de l'intérêt du lecteur, que le poète lui-même a évidemment ressenti :
La vanité continue, le bruit

Et une terrible querelle

Derrière moi.

Accusé, reproché,

Il n'y a aucune excuse

Et c'est comme s'ils appelaient

Tout le monde m'appelle

(«Je sens ce qui se passe…», 1964).

Les paroles de M. des années 1960-1980 sont nettement inférieures en valeur artistique à ses créativité poétique Années 1930-1950. Des poèmes des années 1960 montrent qu’il y a eu un tournant dans l’œuvre de M. À partir de ce moment-là, les tentatives de M. de rester dans l’air du temps, avec une mode littéraire « pour les masses », deviennent de plus en plus claires. D'une part, il publie des poèmes sur des sujets officiellement acceptés (« Octobre », « Enseignants », « Cieux révolutionnaires »). M. a développé pour lui-même une formule pour son attitude personnelle envers la révolution bolchevique :

Octobre est formidable avec la naissance de l'art libre

Octobre a rompu de nombreux liens,

Et, grosso modo,

Les salles des muses ont été aérées

Vents d’octobre « octobre »

Par la suite, il a continué à exploiter cette idée trouvée avec succès, avec laquelle il était cependant véritablement d'accord. D’un autre côté, M. s’efforce également de créer une mode pour différents types de « pertinence ». Dans la poursuite de la mode, il est toujours en avance sur les autres : par exemple en vers. « Tokhu-vo-bokhu » (1960) est une anticipation de nombreux aspects de la poétique de Voznesensky. L'expérience de M. en tant que journaliste s'est également avérée utile : désormais, apparaissent de plus en plus souvent des poèmes rappelant des articles problématiques, dans lesquels il y a des éléments d'entretien, la position d'un analyste et une focalisation journalistique sur la question (qui , cependant, ne concerne « rien »). C'est le verset. 1960 « J'ai parlé à un médecin... », « J'ai chassé un professeur du secondaire... », etc.

Tel est le destin créatif inhabituel de M., un poète dont les meilleures paroles ont été écrites à une époque qui exigeait une épopée héroïque, et dont les pires poèmes ont été écrits pendant la période du nouveau boom poétique en Russie.

Iaroslav Smeliakov né le 26 décembre 1912 (8 janvier 1913 n.s.) à Loutsk dans la famille d'un cheminot. Il a passé sa petite enfance dans le village, où il a fait ses études primaires, puis a poursuivi ses études à l'école de sept ans de Moscou. Il a commencé très tôt à écrire de la poésie. En 1931, il est diplômé d'une école d'imprimerie, où il publie ses poèmes dans le journal mural de l'atelier et rédige des critiques pour l'équipe de propagande. Parallèlement, il étudie dans les cercles littéraires de Komsomolskaya Pravda et d'Ogonyok, et est remarqué par Svetlov et Bagritsky. En 1932, le premier recueil de poèmes de Smelyakov, «Travail et amour», fut publié, qu'il tapa lui-même à l'imprimerie en tant que compositeur professionnel. En 1934, sur la base d'accusations infondées, Ya. Smelyakov fut réprimé et libéré en 1937. Pendant plusieurs années, il travailla dans les rédactions de journaux, fut journaliste, rédigea des notes et des feuilletons. Au cours des premiers mois de la guerre patriotique, il combattit comme soldat ordinaire en Carélie, fut encerclé et resta en captivité finlandaise jusqu'en 1944. Dans les années d’après-guerre, le livre « Les sapins du Kremlin » (1948) a été publié, qui comprenait les meilleurs poèmes de Smelyakov écrits avant et après la guerre. En 1956, l'histoire en vers "Strict Love" a été publiée, qui a reçu une large reconnaissance. En 1959, paraît le recueil de poésie « Conversation sur l'essentiel » ; Le recueil de poèmes « Russia Day » (1967) est devenu un phénomène dans la poésie soviétique.

En 1968, un poème sur les « Jeunes » du Komsomol a été écrit. DANS dernières années le poète se tourne de plus en plus vers les jours, les gens et les événements de sa jeunesse. Il a beaucoup voyagé à travers le pays (cycle « Long Voyage ») et visité l'étranger, dont il a parlé dans le livre « Décembre », dans la section « Muse des voyages lointains ».

En 1951, suite à une dénonciation de deux poètes, il fut de nouveau arrêté et envoyé à l'Inta polaire.

Avec un chapeau du gouvernement, un caban de camp,

reçu du côté Inta,

sans boutons, mais avec un sceau noir,

placé par l'agent de sécurité sur le dos, -

Yaroslav Smelyakov, 1953, numéro de camp L-222

Smelyakov est resté en prison jusqu'en 1955, rentrant chez lui grâce à une amnistie, pas encore réhabilité.

Jusqu'au vingtième avant le congrès

nous avons vécu dans la simplicité

sans aucun départ

dans la ville lointaine d'Inte...

C'est dans les travaux de la période ultérieure que ces tendances se sont le plus développées. L'un des thèmes principaux était le thème de la continuité des générations et des traditions du Komsomol : les recueils « Conversation sur l'essentiel » (1959), « Russia Day » (1967) ; "Camarade Komsomol" (1968), "Décembre" (1970), un poème sur les "Jeunes" du Komsomol (1968) et d'autres. « My Generation » (1973) et « The Service of Time » (1975) ont été publiés à titre posthume.

À son plus grand œuvres célèbres peut inclure des poèmes tels que « Si je tombe malade... »,

Si je tombe malade
je n'irai pas chez les médecins
je fais appel aux amis
(ne pensez pas que c'est fou) :
prépare-moi la steppe,
rideaux mes fenêtres de brouillard,
mets-le en tête
étoile de la nuit.

J'ai marché tout le long.
Je n'avais pas la réputation d'être difficile à toucher.
S'ils me blessent dans des batailles loyales,
me bander la tête
route de montagne
et couvre-moi
couverture
aux couleurs de l'automne.

Aucune poudre ni goutte n'est nécessaire.
Laissez les rayons briller dans le verre.
Vent chaud du désert, cascade d'argent -
C'est ce qui vaut la peine d'être traité.
Des mers et des montagnes
ça souffle comme ça depuis des siècles,
en regardant, vous ressentirez :
nous vivons éternellement.

Pas des plaquettes blanches
mon chemin est semé de nuages.
Je ne te laisse pas dans le couloir en arrêt maladie,
et la Voie Lactée.

« bonne fille Lida" (un extrait de ce poème est lu par le personnage d'Alexandre Demyanenko - Shurik dans le film "Opération Y"), "Les belles beautés de Russie". La chanson basée sur les vers « Si je tombe malade » a été interprétée par Yuri Vizbor, Vladimir Vysotsky, Arkady Severny et d'autres.

Y. V. Smelyakov est décédé le 27 novembre 1972. Inhumé à Moscou le Cimetière de Novodievitchi Les lignes les plus perçantes ont vu le jour après sa mort, lors de la perestroïka. Et parmi eux, l'un se démarque - "Message à Pavlovsky" - à propos de son premier enquêteur :

Dans quel monastère de Moscou,

content, bien nourri ou dans le besoin

tu vis maintenant

mon Pavlovski,

mon parrain du NKVD ?

Je ne sais pas comment m'humilier

et je ne quitterai pas mes yeux,

venez vite de manière amicale.

Entrez.

Sinon, je viendrai moi-même.

Arsène Alexandrovitch Tarkovski né en 1907 à Elisavetgrad, chef-lieu de la province de Kherson. Son père était l'élève d'Ivan Karpovich Tobilevich (Karpenko-Kary), l'une des sommités du théâtre national ukrainien. Son frère aîné, Valéry, est mort au combat contre Ataman Grigoriev en mai 1919. La famille admirait la littérature et le théâtre ; tous les membres de la famille écrivaient de la poésie et des pièces de théâtre. Selon Tarkovski lui-même, il a commencé à écrire de la poésie « à partir du pot ». Lorsque le pouvoir soviétique a été établi en Ukraine après la guerre civile fratricide, Arsène et ses amis ont publié dans le journal un acrostiche dont les premières lettres caractérisent de manière peu flatteuse le chef du gouvernement soviétique, Lénine. En 1923, le destin l'amène à Moscou, où vivait déjà à cette époque sa sœur paternelle. Avant d'entrer en 1925 dans les cours littéraires supérieurs, fondés sur les ruines de son institut littéraire, fermé après la mort de V. Bryusov, Tarkovski vivait de petits boulots (il était autrefois distributeur de livres).

Lors d'un entretien d'admission aux cours, Tarkovski rencontre le poète et théoricien du vers Georgy Arkadyevich Shengeli, qui devient son professeur et ami principal. Avec Tarkovski, Maria Petrovykh, Yulia Neiman et Daniil Andreev ont suivi le cours. La même année 1925, Maria Vishnyakova, devenue l'épouse d'Arseny Tarkovski en février 1928, entre au cours préparatoire.

Les premières publications de Tarkovski furent le quatrain « Bougie » (collection « Deux aubes », 1927) et le poème « Pain » (magazine « Spotlight », n° 37, 1928). En 1929, à la suite d'un incident scandaleux - le suicide d'un des assistants - les cours littéraires supérieurs furent fermés. De nombreux professeurs et étudiants ont été réprimés au fil des années et sont morts dans les prisons et les camps de Staline. Les étudiants qui n'avaient pas le temps de terminer les cours étaient admis aux examens à la Première Université d'État de Moscou. À cette époque, Tarkovski était déjà un employé du journal « Gudok » - auteur d'essais judiciaires, de feuilletons poétiques et de fables (l'un de ses pseudonymes est Taras Podkova).

En 1931, Tarkovski travaillait à la All-Union Radio en tant que « instructeur-consultant principal en radiodiffusion artistique ». Écrit des pièces de théâtre pour des émissions de radio. Vers 1933, Tarkovski commença à se lancer dans la traduction littéraire. En 1940, Tarkovski fut admis à l’Union des écrivains soviétiques. Le début de la guerre trouve Tarkovski à Moscou. En août, il accompagne l'évacuation vers la ville de Yuryevets Région d'Ivanovo leurs enfants avec leur mère. La seconde épouse et sa fille partent pour la ville de Chistopol, République socialiste soviétique autonome tatare, où sont évacués les membres de l'Union des écrivains et leurs familles. Restant à Moscou - la région dans laquelle vivait le poète a été impitoyablement bombardée par des avions fascistes - Tarkovski a suivi une formation militaire avec des écrivains moscovites.

Le 16 octobre 1941, « lors de la folle journée de l'évacuation de Moscou », alors que l'ennemi se tenait à la périphérie, avec sa mère âgée, Tarkovski quitta la capitale. De la gare de Kazan, dans un train bondé de réfugiés, il part pour Kazan afin de se rendre de là à Chistopol. Là, comme beaucoup d’autres écrivains, lui et sa famille vivent dans la pièce de passage du propriétaire ; par temps de gel de trente degrés, il décharge du bois de chauffage. Fin octobre et novembre, le poète crée le cycle « Chistopol Notebook », composé de sept poèmes.
Le 3 janvier 1942, par arrêté du Commissariat du Peuple à la Défense n° 0220, il est « enrôlé comme écrivain pour le journal de l'armée » et de janvier 1942 à décembre 1943 il travaille comme correspondant militaire pour le journal de la 1ère Armée. "Alerte de combat". L'écrivain d'un journal de première ligne a dû travailler dans différents genres - dans les pages de "Combat Alert", des poèmes de Tarkovski ont été publiés, glorifiant les exploits des soldats et des commandants, des chansons, des fables ridiculisant les nazis. C’est alors que l’expérience d’Arseny Alexandrovitch au sein du journal Gudok s’est avérée utile. Les soldats découpaient ses poèmes dans les journaux et les portaient dans leurs poches de poitrine avec des documents et des photographies d'êtres chers - la plus grande récompense pour un poète. Sur ordre du maréchal Bagramyan, Tarkovski écrit la chanson « Guards Table », très populaire dans l'armée.
Malgré les conditions les plus difficiles de la vie militaire, le travail quotidien pour le journal, ils écrivent aussi des poèmes pour eux-mêmes, pour le futur lecteur - des chefs-d'œuvre lyriques - "White Day", "Sur des tranches de pain non compressé...", "Night Rain" ... Sur la route vers Moscou, il a écrit plusieurs poèmes (« Je me sens bien dans un véhicule chauffé… », « Il me faudra quatre jours pour arriver à Moscou… », etc.). Le 13 décembre 1943, près de la ville de Gorodok, dans la région de Vitebsk, Tarkovski fut blessé à la jambe par une balle explosive. Dans les conditions terribles d'un hôpital de campagne, la forme la plus grave de gangrène se développe : les gaz. En 1944, il quitte l'hôpital. Alors que Tarkovski était à l'hôpital, sa mère est décédée d'un cancer et n'a jamais découvert le malheur qui est arrivé à son fils. Une nouvelle vie commence pour Tarkovski, à laquelle il a du mal à s'adapter.

En 1945, le poète, sous la direction de l'Union des écrivains, entreprend un voyage d'affaires créatif à Tbilissi, où il travaille à des traductions de poètes géorgiens, notamment Simon Chikovani. La même année 1945, Tarkovski préparait la publication d'un recueil de poèmes, qui fut approuvé lors d'une réunion de la section des poètes de l'Union des écrivains. Après le décret du Comité central du Parti communiste des bolcheviks de toute l'Union « sur les magazines « Zvezda » et « Leningrad » en 1946, l'impression du livre a été arrêtée.

Les échecs tragiques de la publication du premier livre ont longtemps découragé Tarkovski de soumettre ses poèmes pour publication. Même avec le début du « dégel » de Khrouchtchev, il ne voulait pas violer son principe de non-offre. En 1962, alors que A.A. Tarkovski avait déjà cinquante-cinq ans, son premier livre fut publié.

Nous sommes étroitement liés par la discorde,

Les siècles ne nous ont pas séparés.

Je suis un sorcier, tu es un loup, nous sommes quelque part à proximité

Dans le vocabulaire fluide de la terre.

Rester côte à côte comme des aveugles

Guidé par le destin

Dans le Dictionnaire immortel de la Russie

Toi et moi sommes tous les deux des kamikazes.

La chanson russe a une coutume

Emprunter du sang goutte à goutte

Et devenez votre proie nocturne.

C'est à cela que sert le sorcier, et c'est à cela que sert le loup.

La neige sent bon l'abattoir,

Et il n’y a pas une étoile au-dessus de la steppe.

Et toi aussi, mon vieux, avec un cochon

Ils briseront toujours la crête.

Fin août de la même année, son fils, le réalisateur Andrei Tarkovski, reçoit le Grand Prix au Festival international du film de Venise. Ainsi, père et fils ont fait leurs débuts la même année. Le livre «Avant la neige», publié à l'époque en petit tirage de 6 000 exemplaires, immédiatement épuisé, devint une révélation pour le lecteur et confirma la réputation du poète auprès de ses frères du magasin. A.A. Akhmatova lui a répondu par une critique élogieuse.

Dans les années soixante, deux autres livres de Tarkovski ont été publiés : en 1966 - « Terre - Terrestre », en 1969 - « Bulletin ». Tarkovski a été invité à donner des représentations lors de soirées de poésie devenues populaires à l'époque. En 1966-1967, il dirigea un studio de poésie à la branche moscovite de l'Union des écrivains. Enfin, l'occasion se présente dans le cadre d'une délégation d'écrivains - une forme soviétique de tourisme pour personnalités culturelles - de visiter la France et l'Angleterre (1966 et 1967). A Londres, les Tarkovski rencontrent un professeur de l'Université de Londres, expert en littérature russe, Peter Norman, et son épouse, la fille du célèbre philosophe religieux S.L. Frank, expulsée de Russie par Lénine en 1922, Natalya Semionovna Frank. (J'ai rencontré P. Norman un peu plus tôt, à Moscou.)

En 1971, Tarkovski a reçu le Prix d'État de la RSS turkmène. Magtymguly. En 1974, la maison d'édition « Khudozhestvennaya Literatura » a publié le livre « Poèmes ».

Le temps passe lentement la nuit,

L'année bissextile touche à sa fin.

Les vieux pins sentent les veines

Les résines printanières sont de la glace engourdie.

J'en ai assez des soucis quotidiens,

Et je n’ai besoin d’aucun autre bonheur.

Je sais : et là, derrière la clôture,

L'année de quelqu'un se termine.

Je sais : un nouveau bosquet s'élève

Là où finissent nos pins.

Les bols noirs et blancs sont lourds,

Ils sentent dans leurs veines l’échéance et le tournant.

À l'occasion de son soixante-dixième anniversaire (1977), le gouvernement soviétique a décerné à Tarkovski l'Ordre de l'amitié des peuples. Le début des années quatre-vingt est marqué par la sortie de trois livres du poète : 1980 - « Winter Day » (éd. « L'écrivain soviétique »), 1982 - « Favoris » (éd. « Fiction »), 1983 - « Poèmes de Différentes années » (éd. « Contemporain » "). La plus importante de ces publications est le livre « Favoris » (Poèmes, poèmes, traductions) - le livre le plus complet du poète publié de son vivant.

Le 6 mars 1982, Andreï Arsenievitch Tarkovski part en Italie pour travailler sur le film « Nostalgie ». Le 10 juillet 1984, lors d'une conférence de presse à Milan, il annonce son non-retour en Union soviétique. Tarkovski a pris cette décision pour son fils, dans le respect de sa position civique. Les changements radicaux dans le pays ne sont pas encore survenus et Arseny Alexandrovitch a du mal à se séparer de son fils. La mort d'Andrei le 29 décembre 1986 était inattendue et un coup terrible. La maladie d’Arseny Alexandrovitch a commencé à progresser rapidement. Il est décédé à l'hôpital dans la soirée du 27 mai 1989.

Poésie des années 60-70. Poètes de première ligne (David Samoilov, Alexander Mezhirov, Boris Slutsky).

Dans la poésie de ces deux décennies se sont déroulées d'intenses recherches idéologiques, artistiques, de genre et stylistiques. La nature et l'orientation de ces recherches, leur signification artistique et leurs résultats étaient différents. Ils : dépendaient en grande partie des buts et objectifs fixés par les artistes. Parmi les poèmes sur le passé héroïque, une place particulière était occupée par les œuvres dont les auteurs eux-mêmes étaient contemporains, témoins et participants de grands événements et étaient capables d'exprimer leurs pensées et leurs expériences avec toute la profondeur émouvante et la puissance poétique. À la fin des années 60 et dans les années 70, la presse parlait presque continuellement de la poésie moderne. Leurs sujets étaient larges et variés, mais dans chacun d'eux, parallèlement à l'identification de valeurs et de succès incontestables, il y avait un sentiment d'insatisfaction face à l'état des choses dans ce domaine de la créativité artistique et un désir persistant de comprendre : nouveaux processus et tendances, réalisations et erreurs de calcul.
Dans la poésie de ces années, les caractéristiques et les signes du style réaliste concret et ses possibilités artistiques, visuelles et expressives inépuisables sont clairement révélées. Le caractère concret et réaliste de l'image artistique est particulièrement visible dans les paroles des poètes de la première génération / S. Narovchatov, A. Mezhirov, B. Slutsky, E. Vinokurov et autres /. Les mêmes caractéristiques du style réaliste se sont manifestées à leur manière parmi les poètes des générations suivantes (E. Yevtushenko, A. Zhigulin, V. Kazantsev, I. Shklyarevsky, etc.).

La génération militaire des poètes russes- un terme général appliqué aux jeunes poètes soviétiques qui ont passé leur jeunesse dans les batailles de la Seconde Guerre mondiale et dont les poèmes reflètent bien l'atmosphère du front. Certains d'entre eux sont morts au front, d'autres ont vécu plus longtemps, mais beaucoup, comme le prédisait Semyon Gudzenko, ne sont pas morts de vieillesse, mais de vieilles blessures.

Nous ne mourrons pas de vieillesse, -

nous mourrons de vieilles blessures.

David Samoilov(pseudonyme de l'auteur, vrai nom – David Samuilovitch Kaufman; 1920-1990) - Poète, traducteur soviétique russe. David Samoilov est un poète de la première génération. Comme beaucoup de ses pairs, il a quitté ses années d’étudiant pour le front. Le premier recueil de poèmes, « Pays voisins », a été publié en 1958. Puis apparurent des recueils poétiques de poèmes lyriques et philosophiques « Second Pass » (1962), « Days » (1970), « Wave and Stone » (1974), « Message » (1978), « Bay » (1981), « Voices Behind the Hills » (1985) - sur les années de guerre, la génération moderne, le but de l'art, des sujets historiques.

Dans les poèmes de Samoilov, « derrière la simplicité de la sémantique et de la syntaxe, derrière l’orientation vers les classiques russes, se cachent la vision tragique du monde du poète, son désir de justice et de liberté humaine ».

La quarantaine, fatale,
Militaires et de première ligne,
Où sont les avis d'enterrement ?
Et l'échelon frappe.

Les rails roulés bourdonnent.
Spacieux. Froid. Haut.
Et les victimes du feu, les victimes du feu
Ils errent d'ouest en est...

Et c'est moi à l'arrêt
Dans ses oreillettes sales,
Lorsque l'astérisque n'est pas réglementaire,
Et coupé dans une boîte de conserve.

Oui, c'est moi dans ce monde,
Mince, joyeux et joyeux.
Et j'ai du tabac dans ma pochette,
Et j'ai un embout buccal empilé.

Et je plaisante avec la fille,
Et je boite plus que nécessaire,
Et je casse la soudure en deux,
Et je comprends tout dans le monde.

Comment c'était ! Comment cela a-t-il coïncidé -
Guerre, troubles, rêve et jeunesse !
Et tout s'est enfoncé en moi
Et c'est seulement alors qu'il s'est réveillé en moi !..

La quarantaine, fatale,
Plomb, poudre à canon...
La guerre ravage la Russie,
Et nous sommes si jeunes !
1961

Les poèmes de David Samoilov sur la guerre ne sont peut-être comparables en force qu'aux poèmes de Simonov. Mais Simonov a plus de paroles. Samoilov a écrit plus durement, se contentant de retourner son âme ! Il n'appartient pas aux poètes de première ligne pour qui le thème de la guerre était le thème principal. Il a participé à la guerre et tout au long de sa vie, se souvenant de la guerre qui l'a toujours vécu, il a écrit de temps en temps des poèmes poignants sur cette époque, sur ses pairs.

Je suis désolé pour ceux qui meurent à la maison,
Bonheur à ceux qui meurent sur le terrain,
Tomber au vent jeune
Tête rejetée en arrière de douleur.

Sa sœur viendra vers lui pour gémir,
Il apportera à boire à mon bien-aimé.
Il lui donnera de l'eau, mais il ne boira pas,
Et l'eau du ballon coule.

Il regarde, ne dit pas un mot,
Une tige de ressort grimpe dans sa bouche,
Et autour de lui il n'y a ni murs, ni toit,
Seuls les nuages ​​marchent dans le ciel.

Et ses proches ne le savent pas,
Qu'il meurt en plein champ,
Qu'une blessure par balle est mortelle.
... Le courrier sur le terrain prend beaucoup de temps.

VALYA - VALENTINE
Le combat est rappelé plus tard.
A l'arrière. Dans un lit d'hôpital.
La nuit, les gémissements me réveillent souvent
Kolka grièvement blessé.

Défilement du film
Sur une feuille, comme sur un écran.
Bombardement. Faites équipe ensemble
Avec un soupçon d'abus énergique.

Tout revient - le détail,
Ne correspond pas à l'écran
En tant que secrétaire du Komsomol
Les intestins sont enfoncés dans la plaie...

Excitation. Lancer. "Tirez, eh bien, eh bien!"
"Hourra!" Cela n'a pas l'air épais.
Non, ce n'est pas bon pour
Art documentaire.

Mais l'arrivée matinale des sœurs
adapté au cinéma,
Surtout pour les cils
Sœurs Vali - Valentina.

Ne la touche pas ! Au moins un mot !
Et ils ne permettront pas de jurer,
Ceux qui ne croient pas trop aux femmes,
Gardes de Vali-Valentina.

Nous pouvons en parler
Sublime, presque en poésie.
Sapeur grièvement blessé
Il grince des dents à son sujet dans son sommeil.

Et cette vie à l'hôpital !
De quoi d’autre une infanterie pourrait-elle rêver ?
Vous êtes allongé sur un lit propre. Complet.
Et il semble que nous soyons en équilibre avec la Patrie.

Oui, c'était le cas. Et maintenant il prépare :
Autres blessures, quarantaines.
Et avec la Patrie, le calcul est différent.
Et il n'y a pas de Valya - Valentina.

L'un des premiers art oratoire D. Samoilov devant un large public a eu lieu à la salle de conférence centrale de Kharkov en 1960. L'organisateur de cette représentation était un ami du poète, critique littéraire de Kharkov L. Ya.

Il est l'auteur du poème « La chanson du hussard » (« Quand nous étions en guerre... »), mis en musique par le barde Viktor Stolyarov au début des années 1980. « La chanson des hussards » de Samoilov-Stolyarov est devenue très populaire parmi les cosaques du Kouban au début du XXIe siècle.

Il a publié un recueil humoristique (et non poétique) « Autour de moi-même ». A écrit des ouvrages sur la versification.

Boris Abramovitch Sloutski(1919-1986) – poète soviétique. Il a étudié à l'Institut de droit de Moscou de 1937 à 1941 et en même temps à l'Institut littéraire. Gorki (diplômé en 1941). En 1941, il publie ses premiers poèmes. Participant à la Grande Guerre patriotique. Depuis juin 1941, soldat dans la 60e brigade d'infanterie. Depuis l'automne 1942, instructeur, depuis avril 1943, instructeur principal du département politique de la 57e division. Malgré le fait qu'il était un travailleur politique, il effectuait constamment des recherches de reconnaissance. Il a été grièvement blessé au front. Renvoyé de l'armée en 1946 avec le grade de major.

Le premier recueil de poèmes est « Mémoire » (1957). Auteur des recueils de poésie « Time » (1959), « Today and Yesterday » (1961), « Work » (1964), « Modern Stories » (1969), « Annual Arrow » (1971), « Kindness of the Day ». (1973), traductions de la poésie mondiale. L’une des premières représentations publiques de B. Slutsky devant un large public a eu lieu à la salle de conférence centrale de Kharkov en 1960. L'organisateur de cette représentation était un ami du poète, critique littéraire de Kharkov L. Ya.

Avec plusieurs autres poètes « emblématiques » des années soixante, il a été filmé dans le film « Zastava Ilitch » (« J'ai vingt ans ») de Marlen Khutsiev - l'épisode « Soirée au Musée polytechnique ». Une partie importante de l’héritage de Slutsky – à la fois sa poésie non censurée et sa prose de mémoire – n’a été publiée en URSS qu’après 1987.

Boris Slutsky jouit d'une réputation controversée dans les cercles littéraires. De nombreux contemporains et collègues ne peuvent lui pardonner d'avoir dénoncé Boris Pasternak lors d'une réunion de l'Union des écrivains de l'URSS le 31 octobre 1958, au cours de laquelle Pasternak a été expulsé des rangs du syndicat. Slutsky a condamné la publication du roman « Docteur Jivago » en Occident. Les amis du poète estiment qu’il a pris son acte au sérieux et ne s’est jamais pardonné jusqu’à la fin de ses jours. Dans son article « Quatre destins », Revold Banchukov affirme que " Plus tard, Slutsky dira à V. Cardin, sans se justifier : " Le mécanisme de la discipline de parti a fonctionné. ".

A SIX HEURES DU MATIN APRÈS LA GUERRE.

Ils tuaient les plus courageux, les meilleurs.

Et les calmes et les faibles ont été sauvés...

Le long du fil, rouillé et barbelé.

Le lierre glisse vers le bas et remonte...

Coucou de l'aube au crépuscule.

Cela donne des années au commandant de peloton.

Et pour la première fois depuis quatre ans.

Il ne lui ment pas, mais dit la vérité...

J'ai célébré ma victoire hier...

Et aujourd'hui, à six heures du matin.

Après la victoire et tout l'honneur -.

Le soleil brûle, n'épargnant aucun effort...

Plus de quarante millions de tombes.

Le soleil se lève.

je ne connais pas le score...

Alexandre Petrovitch Mezhirov(1923-2009) - Poète et traducteur russe, lauréat du Prix d'État de l'URSS (1986) ; lauréat du Prix d'État de la RSS de Géorgie (1987) ; lauréat du prix Vazha Pshavela de la coentreprise indépendante de Géorgie (1999); décerné par le président des États-Unis d'Amérique W. Clinton. Né dans une famille moscovite du vieux Zamoskvorechye (père - avocat et médecin Piotr Izrailevich Mezhirov, 1888-1958 ; mère - professeur d'allemand Elizaveta Semyonovna, 1888-1969).

Il est allé au front après l'école en 1941. Soldat de l'Armée rouge de l'unité de fusiliers Front occidental, depuis 1942, commandant adjoint d'une compagnie de fusiliers sur les fronts occidental et de Léningrad, dans les marais de Sinyavinsky. Au front en 1943, il fut accepté au PCUS (b). Il a été démobilisé de l'armée en 1944 après avoir été blessé et choqué avec le grade de sous-lieutenant.

Après la guerre, il étudie à l'Institut littéraire. A. M. Gorky, mais ne l'a pas terminé. Membre du SP de l'URSS depuis 1946. Participé avec N.K. Starshinov aux cours de l'association littéraire d'I.L. Il entretenait des relations amicales avec S.S. Narovchatov. Professeur du Département d'excellence littéraire de l'Institut littéraire du nom. Gorki depuis 1966. Pendant de nombreuses années, il a dirigé un séminaire de poésie aux Cours littéraires supérieurs (VLK) de cet institut.

A influencé les jeunes poètes des années 1960. - Evgeny Yevtushenko, Igor Shklyarevsky, Oleg Chukhontsev, Anatoly Peredreev. Le 25 janvier 1988, l'acteur Yuri Grebenshchikov a été heurté par une voiture sur l'autoroute Leningradskoe, qui est décédé 3 mois plus tard à l'hôpital. Mezhirov était très inquiet de ce qui s'était passé. Depuis 1992, il vit aux États-Unis. Il a donné un cours sur la poésie russe au département de russe de l'Université de Portland dans l'Oregon. Il a réalisé des émissions sur les poètes russes à la radio russe à New York. Il continue à écrire de la poésie, qui devient une nouvelle étape dans son œuvre, caractérisée par une forme concise et une poésie poignante. En 1994, il a reçu un prix du président des États-Unis d'Amérique, W. Clinton, qui lui a été remis à la Maison Blanche. Décédé le 22 mai 2009 à New York, dans un hôpital de Manhattan. Le 25 septembre 2009, l'urne contenant les cendres du défunt, apportée des États-Unis par la fille du poète Zoya Mezhirova, la communauté littéraire, la fille et les proches parents ont été enterrées au cimetière Peredelkinskoye dans la tombe de la famille Mezhirov.

Publié depuis 1941. Le premier recueil de poèmes « La route est loin » a été publié en 1947. Mezhirov appartient à la génération qui a enduré toutes les épreuves de la guerre : « En 1941, quelques semaines après ma soirée de remise des diplômes, je suis allé au front. Il a combattu comme soldat et commandant adjoint d'une compagnie de fusiliers sur les fronts de l'Ouest et de Léningrad, dans les marais de Sinyavinsky.

Musique

Quelle musique il y avait ! Quelle musique on jouait, Quand la maudite guerre piétinait les âmes et les corps. Quelle musique dans tout, Pour tout le monde et pour tout le monde - pas selon le classement. Nous vaincrons... Nous resterons debout... Nous économiserons... Oh, je m'en fiche de la graisse - j'aimerais pouvoir vivre. .. Les soldats ont le vertige, Les trois rangées sous les bûches roulantes étaient plus nécessaires pour la pirogue, Ce que Beethoven est pour l'Allemagne. Et à travers tout le pays une corde tendue tremblait, Quand la maudite guerre piétinait les âmes et les corps. Ils gémissaient furieusement, sanglotant, pour une seule passion. À l'arrêt - une personne handicapée, Et Chostakovitch - à Leningrad.

En 1943, il rejoint le Parti communiste. La même année, grièvement blessé et choqué, il est démobilisé. De retour à Moscou, il fréquente la Faculté d'histoire de l'Université d'État de Moscou, y suit un cours complet en tant que bénévole et étudie en même temps à l'Institut littéraire. A.M. Gorki, diplômé en 1948. Tous plus tard dans la vie associés à la littérature. La première publication est parue dans le journal Komsomolskaya Pravda du 23 mars 1945 - le poème In Quarante et Unième. Bientôt, il commença à publier dans des publications telles que les magazines Komsomolskaya Pravda, Literaturnaya Gazeta, Znamya et Novy Mir. Dans les poèmes de guerre de Mezhirov, les images de guerre alternaient avec les images de la vie militaire paisible ; elles étaient toujours accompagnées de souvenirs de jours de silence.
J'ai deux livres. Un
"La route est longue." Guerre.
Interlinéaire. Perdre un ami
Plus le blizzard d’un demi-bloc.

La ballade « Communistes, en avant ! » est devenue largement connue. En littérature, il détestait et méprisait la forme vide, comme s'il se vantait de sa propre perfection. Je ne supportais pas ces poèmes apparemment spectaculaires dans lesquels «aucun son ne se formait». Il n’avait pas de remarque plus offensante et caustique à propos d’un poème qu’il lisait que : « C’est beau ». Cependant, à propos des échecs (comprenant la difficulté du métier et tenant toujours compte de la possibilité rare, mais non totalement exclue, de succès futurs), il savait parler d'une manière inoffensive, avec toute la délicatesse et la grâce. Il nous a donné, à nous la poésie russe, sa propre sonorité et est resté fidèle à lui-même jusqu'au bout. Et dans les tout derniers vers, avec insistance, comme pour se convaincre, d'une voix visiblement essoufflée, il prononça une confession de sa foi :

Aucun contenu du tout

La poésie est vivante

Mais seulement avec un premier son -

Tête grise.

Ce n’est pas le désir d’obtenir un meilleur emploi dans des moments difficiles qui l’a poussé à partir à l’étranger. Dans les tranchées du Front Volkhov et plus tard, lorsqu'il fut persécuté pour avoir exalté la peinture d'icônes russe et qu'il s'attendait à être arrêté, il vécut courageusement des jours incomparablement pires. Il était indifférent aux commodités et (après les impressions du blocus) indifférent au goût et à la qualité de la nourriture. Et ce n'est pas la peur d'une persécution vengeresse de quelqu'un qui l'a poussé, ni l'opinion d'amis qui « se sont donnés la main », ni une conscience malade, même si ce sont précisément les tourments de la conscience qui ne lui ont pas donné la paix un seul instant, mais tout au long de sa vie (répétant « Et lisant ma vie avec dégoût » de Pouchkine, il remarqua, à la fois venimeux et apitoyé sur lui-même : « Eh bien, un poète moderne écrirait probablement : « avec tendresse » !).